中国人物画如何“以线立骨”

作为中华民族绘画中的本体语言，“线”的运用经历数千年的历史积淀。中国绘画中的线，不仅是构建起“以线立骨”美学范式的造型手段，更是个人内在修养与心性的外在显化。历代画家在实践中不断丰富笔线的表达形式，这些创造使中国绘画中的线条具有独立的美学价值，并不断发展完善。

近日，由中国美术馆主办的“风·骨——中国美术馆藏人物画笔线研究展”与观众见面。此次展览为中国美术馆“典藏活化”系列展，同时是“文化和旅游部2025年全国美术馆青年策展人扶持计划”入选项目。其初衷是希望活化利用中国美术馆馆藏艺术珍品，向大众普及与弘扬本民族造型语言，增强文化自信、推进文化自强。

为什么选择“线”作为展览主题？中国美术馆馆长潘义奎在展览前言中写道：“作为中华民族绘画中的本体语言,‘线’的运用可追溯到新石器时代的彩陶器皿，至战国及秦汉时期的帛画、漆器已趋于成熟，经过魏晋南北朝的积淀直至唐宋达到高峰。元明清以来，随着文人墨客对‘线’的认识和探索的不断深入，中国绘画构建起‘以线立骨’的美学范式。”毛笔这一独特绘画工具，因其柔韧兼备的特性，使得每一根线条都成为艺术家心性与修养的外在显化。展览精选了中国美术馆馆藏的40件（套）明清以降的人物画作品，以“线”这一绘画本体语言为核心线索，将展览划分为三个既彼此关联又相对独立的篇章。从形式表征、精神传递与时代演进等不同维度，深入探讨中国人物画笔线的丰富内涵与发展脉络。

在“墨骨法相”篇章中，可以看到中国人物画笔线中的多种对偶性语言特征与审美风格，从而来探讨人物画笔线的审美属性与辩证关系。笔者分别为每组作品提炼了四字关键词，对应两件作品的线条特征，并配以简要的文字说明。通过这种“并置—关键词—阐释”的展陈方式，观众得以更加清晰、更有针对性地理解每组作品中笔线的形式语言与美学特质。

展览现场

“林泉心迹”篇章以文人高士题材的作品为媒介，通过研究两组具有师承渊源的艺术大师，体察人物画笔线的承续与转化。陈洪绶与任伯年、上官周与黄慎，他们之间的传承途径各具特色：前者属隔代私淑，后者为亲授嫡传。任伯年以任氏兄弟为纽带，在吸收陈洪绶古拙奇崛风格的基础上结合写实技法，创造出更加灵动洒脱的绘画语言；黄慎早年拜上官周为师，在掌握了扎实的造型基础后，将草书笔法融入绘画之中，形成了以狂草入画的独特风格。通过这种师承关系的对比研究，可以看到笔线传承的本质并非简单的技法延续，而是艺术语言与文化基因的转化与发展。

在展厅中，这一部分被设计为相对独立的展示空间，居于展厅的核心位置。两组艺术大师的作品在此并置陈列，并配以阐释性文字，分别说明其笔线的艺术风格与传承脉络。通过这样的空间布局与图文互释，观众得以直观感受两组具有师承关系的大师之间笔线语言的差异与联系，从而深入理解笔线传承中的变与不变。

美人图之一（国画） 39.7×32.6厘米 1888年 居廉

“芳华流美”篇章以女性题材为脉络，探讨人物画笔线的时代特征与发展流变。明清仕女画继承了宋代的柔美风貌，笔线风格更加清雅而纤细。20世纪以来，绘画中的女性形象相比明清时期有了较大改变。除了人物外在形象的不同，绘画笔线语言也同时发生了新的转型。“骨法用笔”与素描观念相融合，线条在保持书写性的同时，更加注重表现体积感与空间感。

在“芳华流美”篇章的后段，笔者选取了黄羲、蒋兆和、庞薰琹、叶浅予、李斛五位艺术家的作品，并将他们关于中国传统线描、白描与素描关系的论述文字，分别陈列于对应画作旁边。观众在观赏笔线韵律的同时，亦可阅读画家的思辨与感悟，仿佛展开一场跨越时空的对话——笔墨与文字相映，实践与理论互证，使观者得以更深入地走进艺术家的创作心境与美学世界。

此次展览在设计上没有做过多的装饰，以素净的灰色墙面突出画作本身，展览中的文字力求简洁而富有启发性，不过度解读，而是引导观众用自己的眼睛去发现不同作品中线的内涵。这不只是一次关于人物画笔线理论的梳理，更是一场与民族绘画本体语言的深层对话。在数字图像泛滥的今天，中国绘画中那些充满生命力、承载着艺术家心性与情感的线条，或许能为我们提供一种不同的观看世界、表达自我的方式。

（作者为中国美术馆青年策展人）

2025年12月28日《中国文化报》

第2版刊发特别报道

《中国人物画如何“以线立骨”》