《地底妖精》采访｜世界这么烂，我们该怎么办？

《地底妖精》

北京蜂巢剧场

2025.12.19-20 19:00

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票价120元

世界这么“烂”，规则隐于无形，生活时常乏味得令人想逃。

我们是否曾像剧中的百合子一样，在某个瞬间，感到自己身体里住着一个“异类”？一半被社会规训所塑造，另一半叫嚣着陌生的、不被允许的自由？

《地底妖精》并非一个非黑即白的反抗故事。青年导演张弛将舞台构建为一个共同探寻的场域，邀请你进入百合子半人半妖的混沌世界。这里没有居高临下的答案，只有一次关于身份、欲望与成长的集体冒险。

为什么这场“地底派对”不容错过？

视角够颠覆 | “社会规训”是弱者的词汇
在张弛看来，“社会规训”本身就是一个值得玩味的词。“它更像是弱势群体视角的词汇，强势的一方往往意识不到规训的存在。” 《地底妖精》的主角百合子，正是这样一个“清醒的弱势者”。她半人半妖的撕裂感，精准映射了我们每个人在成长中，那种觉察到“隐形规则”却又渴望表达的普遍挣扎。

现场够野生|推开第四堵墙，答案由你我共同写下。

与过往版本不同，这次创作彻底摒弃说教。张弛强调“时效性”——剧组不提供过来人的经验，而是邀请所有观众，在演出的70分钟里，共同呼吸、共同困惑、共同寻找“该怎么办”。答案只在当下的剧场生效，由你我共同写下。为此，他们将打破蜂巢剧场的物理边界，前厅、舞台、观众席都可能成为故事发生的现场，模糊你我的距离。

表达够本能 | 用即兴音乐与“当众孤独”，抵达真实
现场音乐由彭楼用吉他即兴完成，与演员的表演同频共振，捕捉每一个不可复制的情绪瞬间。更大胆的是，剧组将运用一段长达8分钟的实时投影，让观众与百合子共同体验一种名为“当众孤独”的深刻共情。表演的核心，是帮助角色从无人倾听的“他”状态，历经渴望对话的“你”状态，最终抵达勇敢表达的“我”状态。

张弛
青年演员、导演。一个拒绝严肃、信奉“玩”的剧场创作者。他将蜂巢NEXT的舞台视为一次宣言：“我们这一代年轻的创作者，应该自信地表达自己了，我们来到了自己的时代。”他无意复刻日式文本的冷峻，而是注入本土的幽默与野性，要让《地底妖精》变成一场没有束缚的、快乐的集体出神。

导演十三问：关于地底、野性与我们时代的成长

Q1：这次《地底妖精》的核心，似乎从“反抗规训”更聚焦到了“个人成长”。为什么会做这样的转变？
整个剧作排完，我们能提取出的一个关键话题就是“成长”。这其实跟我们当代人在生活中经历的问题很像：在成长过程中遇到所谓的“隐形规则”，同时内心又很想表达自己，却担心声音是否被看见、会不会消散。百合子厉害的一点，就在于她清醒地认识到了自己处在规训和个体之间的状态，并且她想要去突破，想要去成长。

Q2：你提到“社会规训”更像是一个“弱势者”才感受到的词。剧中百合子“半人半妖”的设定，如何体现了这种清醒的“弱势”与孤独？
我觉得对于社会规训这个话题来说，我有一个思考：这个词其实是相对弱势群体而言的。创造或运用规训的人，不会觉得自己在规训之下。百合子处在一个半人半妖的身份里，她清醒地认识到了自己的不同，处在这种夹缝中。我们排练中甚至创造了一个“当众孤独”的概念，用8分钟的实时投影，想让观众和她一起感受那种心理挣扎——她就在那里，但她的声音仿佛被吞没了。

Q3：这次创作强调“时效性”，即和观众在70分钟里共同寻找答案，而非给出说教。这种“共谋”关系，在舞台设计上是怎么实现的？
我们这次大胆运用了沉浸式手法，利用了蜂巢剧场的前厅、马道、舞台与观众区之间的区域，试图打破传统的观演距离感。没有明显的“你在演，我在看”的界限。演员和观众可能就在同一个空间里，关系是模糊的。我们想让观众感觉不是来“看一个故事”，而是来“经历一段共同的时间”。

Q4：排练中，你们提出了“我、你、他”三种状态的理论来帮助演员。能具体说说吗？这如何对应我们现实中表达与倾听的困境？
这是我们创造的一个核心概念。“我”是主动表达的状态，“你”是倾听并准备回应的状态，“他”是置身事外、甚至走神的状态。百合子的成长弧光，就是从一个边缘的、无人倾听的“他”，慢慢转向想要对话却得不到回应的“你”，最终努力成为一个能够勇敢说出“我”的个体。这几乎是每个人在社交中都经历过的困境。

Q5：剧中那种“身边一切都太乏味了，想去更远地方看看”的情绪非常抓人。你们是如何在舞台上视觉化这种“乏味感”与“出走冲动”的？
视觉上，我们主要用黑白灰的冷感色调来构建地底世界，营造一种疏离和压抑。但同时，我们可能会通过灯光（比如一束暖光）或演员的行动线，来暗示那种“想去别处”的冲动。甚至考虑过让主人公“隐藏”在人群同色系中，形成一种“最想被看见的人却最普通”的自嘲，这种反差本身也是一种对“乏味”的抗议。

Q6：面对“世界这么烂，那我该怎么办？”这个问题，百合子最终的“答案”或出路，更倾向于内向和解，还是外向颠覆？
我们没有给她一个非此即彼的答案。整个剧更像一个“公路片”，她在冒险中遇到不同的人和事，这些经历反哺给她，成为她成长的“经验值”。她最后找到的，可能不是颠覆世界的方案，而是一种“属于自己的答案”——一种在认清困境后，依然能确认自身存在、并愿意继续前行的微弱但坚定的内心力量。

Q7：现场即兴的音乐和那段长达8分钟的“当众孤独”投影，都是非常大胆的设计。你们不担心失控吗？这种“危险”的现场感为何重要？
我喜欢即兴，因为演员表演本身就有即兴成分。让乐手也在现场“玩”起来，能产生奇妙的化学反应。这种“危险”恰恰是剧场最鲜活的生命力——那种不可复制、共同呼吸的当下性，是任何录像都无法替代的。我们想要的就是这种真实的、略带毛边的“活着”的感觉。

Q8：现场即兴音乐如何与表演互动？
我特别喜欢即兴，因为演员的表演本身就有即兴成分。让乐手（彭楼）也在现场“玩”起来，能与演员产生奇妙的化学反应。这种不可预测的、当下的互动，正是剧场最鲜活的生命力。

Q9：如果要把《地底妖精》和一部经典动画或电影做一次“荒诞联动”，您觉得最有趣的混搭点会是什么？百合子会遇上哪位角色？

我立刻想到汤浅政明的动画《心理游戏》。它讲一个生活中的“Nobody”被鲸鱼吞掉后，在荒诞中冒险并成长的故事。这和百合子很像——在人类与妖精世界都找不到位置，于是出发，在“公路片”般的遭遇中，从别人身上看见自己，积累经验，最终完成属于自己的升级打怪。

Q10：如果百合子是你身边的一个朋友，你觉得她在今天的生活里，最大的痛苦和最大的快乐会分别来自什么？
最大的痛苦可能来自那种“无法真正融入任何一边”的悬浮感，就像半人半妖的设定一样，在哪儿都是个“异类”。最大的快乐，可能就是像她可能会在社交账号上分享的那样——纯粹地享受并研究出一种新的地瓜料理，然后开心地邀请大家来尝尝。一种非常具体、微小而确切的创造与分享的快乐。

Q11:私下排练，剧组循环最多的一首歌是什么？
是一个叫“鸦”的日本乐队的歌《舞台里》。关注者不多，但很棒。它有一种贴合我们戏的、冷冽又充满内在张力的氛围。

Q12：你提到Next意味着“我们这一代该自信表达了”。那么，《地底妖精》里最“张弛”的、最代表你们这一代人的表达是什么？
是那种“不装”的野生状态。我们不想做一本正经、苦大仇深的戏剧。我们想玩起来，想和观众建立起一种轻松的、“玩”的关系。我们的表达是直给的、充满活力的，甚至有点“混”和“野”。这就是我们这一代人的语言：拒绝严肃教条，崇尚真实体验，在玩闹中直面严肃的内核。

Q13：最后，请用一句话，邀请那些正感到“乏味”和“迷茫”的年轻人走进剧场。
放松身体，带着你的快乐、想象力和童真来蜂巢。我们会很野，很开心，没有束缚。

如果你想找一个更年轻、更鲜活、更有活力的观剧体验。

来这里，我们试一试。

蜂巢NEXT：一场“This One”的自信宣告

如何理解“Next”？

张弛给出了充满力量的解读：Next 不是等待中的“下一个”，而是“This One”——就是我们这一代。它意味着年轻的创作者们不再畏缩或跟随，而是自信地生长出自己的语言，宣告自己时代的到来。蜂巢NEXT，正是这个宣言的讲台。

在这里，你一直小心翼翼藏起来的“不对劲”、那份与周遭的“格格不入”，会被安全地摊开。你会看到，所谓“人”的规则与所谓“妖”的天真，如何在一个人心里拉扯。而最奇妙的是，你环顾四周，会在黑暗里看到无数和你一样屏住呼吸的侧影。

原来，那份不敢声张的孤独，是许多人的通病。
原来，在成为成熟大人的路上，我们都弄丢过一部分自己。

蜂巢NEXT亮起的每一盏灯，都是为了迎接这样的时刻：不是为了教育谁，而是为了让散落在城市里的、感到“不一样”的年轻人，能在这里认出彼此，轻声说一句：“噢，你也在啊。”

地底的暗门已经打开。
如果你也厌倦了完美的伪装，如果你也想在规则的缝隙里，诚实做一会儿自己——

这张票，是你的入口。
愿我们今晚，在“地底”相见。

北京蜂巢剧场

2025.12.19-20 19:00

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演职人员表

导演：张弛

剧本：市原佐都子

戏剧构作：张弛，张晗，韩叙，王颖，彭楼

灯光设计：陈楠

音响设计：于飞

音乐设计：彭楼

服装设计：于磊

舞台监督：席胜利

化妆执行：刘晶

服装执行：李迎新

多媒体执行：李震宇

宣传总监：王好

宣传：苗丹、王芷淳、徐唯嘉

执行制作：彭程

感谢和拥抱：

李湘宜、宋沂宣、赵昀彤、李昕陶

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