董煜婷：“史诗”性的自我书写—评“我们”戏剧社的《永怀之歌》

2019年夏，青海师范大学“我们”戏剧社再度把《永怀之歌》搬上学校大剧院。与2018年“试水版”不同，这一版被师生们私下称为“毕业制作”——演员基本由2015级、2016级非表演专业学生担纲；舞美、灯光、现场音乐则全部启用美术学院与音乐学院低年级同学；剧本也在首演后进行了“结构性回炉”。当“校园戏剧”与“校本德育”成为高校文化的高频词，青海师大选择了一条最笨拙也最动人的路径：由学生自己把校史地缘优势写进戏剧，让一门“第二课堂”的选修作品，承担起向共和国科学巨匠郭永怀致敬、向“两弹一星”精神致礼的宏大叙事。

一、剧情结构：四幕递进中的“精神成长曲线”

全剧沿用2018年首演确立的四幕诗化标题——《绝徼移栽桢干质》《赤子归时抵百师》《英雄仗剑入昆仑》《留取丹心照汗青》。四幕分别对应郭永怀西南联大求学、庚款留美、归国奔赴青海221厂、空难殉国四个生命节点。编创者把“科学报国”的宏大命题拆分为“知识—选择—行动—牺牲”的递进节奏，形成一条清晰的“精神成长曲线”。

1、 第一幕：知识分子的“自我启蒙”《绝徼移栽桢干质》

这一幕写郭永怀的“求学三段式”：联大—庚款—康奈尔。导演用“煤油灯”做时间指针：联大夜读时灯芯最长，康奈尔实验室灯罩最亮，到了“归国前夜”，灯芯被掐断，只剩一缕青烟。最具仪式感的“焚稿”被拆成两次：第一次是康奈尔壁炉，烧掉的是未发表的NACA技术报告，火焰呈暖橙色；第二次是归国客轮甲板，烧掉的是手写讲义，火焰被海风吹得东倒西歪，灰屑落在女儿郭芹（童年）的辫梢。演员李佩（王嘉敏饰）一句台词被观众自发做成表情包：“这团火，把太平洋烧出一个洞。” 开场炮火与《西南联大校歌》的独白交叉出现，迅速把主人公抛进“国破山河在”的危机语境。编剧在此幕中大量使用“群诵＋剪影”手法：学生群像面对舞台深处的巨幅残阳布景，高声朗读《离骚》与《少年中国说》，在文本层面完成“旧学—新知”的嫁接。值得注意的是，郭永怀的出场被刻意延迟——灯光先给出他低头演算的长影，再切至正面。这种“影像先行”的调度，暗示科学家理性人格对热血年代的冷静注脚。

2、 第二幕：去国与归国的镜像《赤子归时抵百师》

整幕由三封真实家书拼贴而成，写于1956—1963年。导演让“鞋”成为复调意象：第一封信里，郭永怀承诺给闺女买“一双红色小皮鞋”；第二封信里，鞋码从“26”改成“30”，因为“芹儿又长个儿了”；第三封信里，鞋变成了“如果可能，爸爸回去给你亲手做”。当观众以为“鞋”只是亲情符号时，舞台后区突然亮起一只巨型铁鞋——用221厂废旧铅块焊成，鞋尖朝向观众，像一枚倒置的弹头。家国与父爱，在此被“鞋”强行焊接：父亲迈不过去的，是核试验的倒计时；女儿等不到的，是父亲迟到的归期留美段落最易落入“苦学—成名—归国”的俗套，编剧却用“双层时空”切割：舞台左区是郭永怀与钱学森等合租的“中国留学生宿舍”，右区则是1949年新中国成立的新闻纪录片投影。左右空间以“开门—关门”的音效同步切换，提示“个人命运”与“时代洪流”的同频共振。此处文学性体现在台词的“双关密度”——当郭永怀烧掉未发表的论文手稿时，舞台提示写：“火焰照亮他紧蹙的眉，像点燃的河。”形象兼具象征：烧毁的是个人学术荣誉，点燃的是报国执念。

3、 第三幕：高原上的“隐形岁月”《英雄仗剑入昆仑》

221厂保密生活被处理成“武侠片”节奏：科研人员夜闯戈壁，背着仪器像背着剑；口令“春风”对“江南”，暗合郭永怀最喜欢的《世说新语》。最精彩的是“高原缺氧”段落——演员把真实排练时“跑两步就喘”的生理反应写进行动：郭永怀和同事们每完成一次爆炸力学计算，就集体蹲下大口吸氧，像一群拔剑后力竭的侠客。舞台提示里写着：“氧气面罩=武侠面罩，喘声=剑鸣。” 全剧最长的一幕，却刻意淡化“科研爆破”场面，而把笔力放在“等待”与“克制”上。郭永怀与妻子李佩、女儿郭芹的“三地书”被搬演为“三重唱”：演员在舞台前区背对观众席，同步朗读各自写给家人的信件；后区则投映金银滩草原的实时星空影像。声音与影像的“对位”让“小家”与“大国”在物理空间上被拉开，却在心理空间上被缝合。编剧在此大量留白——对原子弹只字未提，仅以“它”代称；观众却从“不敢署名”的信纸与“不能抵达”的邮戳中，读到科研工作者最痛彻的缄默。

4、 第四幕：死亡作为“最高形式的保存”《留取丹心照汗青》

失事段落没有飞机模型，只有一块2×3米的白色“纸幕”——用800张A4航空信纸拼成。飞机撞击瞬间，纸幕从中间被撕出裂缝，演员在裂缝里做“双人太极”：郭永怀与小牟紧紧环抱，像封存一枚时间的核。纸幕上方，鼓风机把碎纸片吹成“雪”，观众席有人伸手去接，发现是郭永怀写给李佩的“第18封未寄出家书”，墨迹被汗水浸得发皱。 空难是史实，也是全剧最难处理的“终点”。2019版把原先“飞机俯冲—爆炸—定格”的写实调度，改为“黑场＋手电光束”的极简方案：十二名演员手持冷光手电，由低到高依次排成机翼形状；郭永怀与警卫员在光阵中心，以“拥抱”姿态定格，随后灯光瞬灭，仅留二人剪影。此处文本最具文学张力——郭永怀的临终台词被压缩成一句低语：“文件在，我就在。”死亡不再是终点，而成为“数据生命”得以永存的转场。编剧用“光束—剪影—黑暗”的递进，完成“肉身—信息—精神”的三级跳，从而把“死亡事件”升华为“价值传递”。

二、人物谱系：在“群像”与“个体”之间

校园戏剧常陷入“英雄无敌”的窠臼，《永怀之歌》则尝试构建“众星拱月”的多维人物图谱：

1、 郭永怀——“去英雄化”的英雄

剧本刻意保留了他“科研焦虑”与“父爱缺失”的细节：第二幕末，他在宿舍地板演算至深夜，突然面对观众喃喃：“如果算错了，中国要慢多少年？”；第三幕，他面对女儿来信想买“一双白球鞋”时，以手指反复丈量旧鞋上磨损的洞。这些“去英雄化”的瞬间，让理性与脆弱互文，为人物增加温度。

2、 李佩——“被等待”的能动者

传统叙事中，科学家配偶常被处理为“守望者”。本剧却让李佩在“牛棚”段落朗读自己写给丈夫却未寄出的信：“你说国家是磁场，我说你也是我的磁场……等你回来，我们重讲热力学第二定律，讲熵增，也讲人心。”她以科学话语回应科学家人格，把“被动等待”改写为“平等对话”，从而呈现知识分子伴侣的精神对等。

3、 郭芹——“成长中的青年镜像”

全剧最显著的“青年视角”由郭芹承担。2019版将她的年龄下调至12岁，与台下多数本科生的“童年记忆”同步。她在第三幕独唱《小星星》变奏版，一边仰望真正的星空投影，一边提问：“爸爸，你把星星摘下来要多久？”童声与冷光星空的并置，把“科学”与“童话”强行拼接，暗示“两弹一星”事业亦是给下一代“摘星”的隐喻。

4、 “群像科学家”——多重声部合唱

221厂科研群体被设计成“多声部”叙事：有人负责“数据焦虑”，有人负责“乡愁爆发”，有人负责“幽默调剂”。他们在舞台上形成复调，与郭永怀主旋律交织，避免“独角戏”风险，也体现“大力协同”的史实。

三、语言风格：文言、口语与术语的三重混融

编剧团队由三名汉语言文学专业本科生组成，其语言策略呈现“三重混融”：

1、 文言——仪式化诗性

四幕标题直接取自《左传》《诗经》《史记》《离骚》，为全剧奠定“史诗”基调。幕与幕之间过渡，由一名“讲述人”手持简牍，以四言诗形式进行“史官式”叙事，为现实主义文本注入“史传”气韵。

2、 口语——校园生活的“在地感”

郭永怀与同学斗嘴、留学生宿舍包饺子、221厂夜里偷吃青稞酒等段落，大量使用“嗨呀”“得嘞”“饿扁了”等口语，消除历史人物与当代学生的语境隔阂。

3、 科技术语——“硬知识”的软着陆

空气动力学公式、激波概念、核试验代号等“硬核”信息，被拆成“比喻＋动作”：演员用拔河表现“激波面”，用击鼓传递“数据波”，让观众“看见”抽象概念。此种“具身化”处理，是校园戏剧把“科研题材”讲通俗的关键。

四、舞台形象1、传统符号的“现代转译”

（1） “简牍”与“硬盘”——记忆介质的并置

第一幕“西南联大”场景出现真实竹简，演员以毛笔记录实验数据；第四幕空难前，郭永怀把公文包里的“硬盘磁带”紧紧抱在胸前。竹简与硬盘跨越两千年，成为“知识载体”的象征，提示“文明传承”的物理性。

（2） “纸飞机”与“轰6”——童年梦想与国家重器

第二幕结尾，少年郭芹折的纸飞机被投光放大，掠过舞台；随后无缝转场至第三幕真实轰6轰炸机投影。纸飞机—轰炸机的“变形”，把“个体童年”与“国家战略”强行焊接，完成“小家—大国”的意象跃迁。

（3） “星空”与“戈壁”——浪漫与荒凉的互文

全剧多次使用实时星空投影，配合现场大提琴独奏《夜空中最亮的星》。星空象征“永恒”，戈壁象征“荒凉”，二者重叠提示：荒凉之地亦可仰望永恒，恰如科学家在贫乏物质条件下追求精神无限。

2、音乐与灯光：多重感官的“精神催化”

（1） 音乐——“两轨并行”的声场设计

全剧采用“现场＋预录”双轨：大提琴、手鼓、口弦为现场演奏，营造“即时性”；原子弹爆炸、飞机轰鸣则使用预录音效，确保震撼度。爆炸瞬间，现场大提琴以“碎弓”技法制造高频噪音，与预录音效形成“声墙”，让观众在生理层面体验“科研突破”的撕裂感。

（2） 灯光——“低色温”与“高蓝光”的对冲

一二幕以2700K暖黄光为主，突出“旧时代”“校园”“家庭”温度；三四幕骤升至6000K冷蓝光，暗示“国家任务”“理性”“极端环境”。冷暖对冲，完成“情感—使命”的视觉转场。

五、表演机制与观众接受

1、表演机制：非职业演员的“情感真实”

“我们”戏剧社成员皆非表演专业，却利用“身份重合”完成“情感真实”：

（1） “学生演学生”——年龄重合

郭永怀西南联大时期仅二十出头，演员本身本科在读，无需额外“减龄”。他们把自己对考研、出国、择业的焦虑，直接移植到人物身上，实现“本色”与“角色”的零度缝合。

（2） “高原演高原”——地缘重合

青海本地学生对缺氧、干燥、紫外线强烈的气候有切身体验，第三幕“戈壁夜谈”中演员脸颊真实的“高原红”，比任何化妆效果都更具说服力。

（3） “理科演理科”——专业重合

数学、物理、计算机系学生参演后，把真实实验流程、程序代码、公式推导带入舞台，使“纸上科研”呈现“肌肉记忆”般的准确度。

2、观众接受：一场“双向奔赴”的精神对话

青海师大2019年共演出8场，问卷回收762份。对“哪幕最打动你”一问，57.3%观众选择第三幕“三地书”，远高于第四幕空难。多数受访者写道：“等待比死亡更难受。”——这从侧面证明，编剧对“牺牲”前置的情感铺垫（等待、克制、留白）已有效抵达受众。值得注意的是，15.6%观众提到“想马上给父母发消息”，显示校园戏剧的“即时情感动员”能力。观众不再只是“被教育者”，而成为“主动传播者”，实现“思政教育”与“审美教育”的合流。

六、问题与展望：校园戏剧的“可持续”路径

1、 剧本版权与“版本迭代”

《永怀之歌》由学生原创，但版权归属学校，随着主创毕业，后续修改、复排面临“人才断档”。建议引入“课程化”机制，将剧本纳入戏剧创作课，每两年选拔新一届学生进行“版本迭代”，既保持活力，也沉淀校史。

2、 非职业演员的“流动”与“稳定”

完全依赖“兴趣驱动”无法保证演出质量。可探索“学分＋奖学金”激励，或设立“校园驻团艺术家”岗位，引入专业导演长期指导，形成“师生混编”的常设剧团。

3、 从“校内表彰”到“学术阐释”

目前外界对《永怀之歌》的关注仍停留在“德育成果”报道，缺乏“学术向”的文本细读与美学剖析。若能出版《郭永怀戏剧与研究》集，收录剧本、创作日记、学者评论，可为校园戏剧提供理论支点，也可成为戏剧影视专业案例教材。

结语：让“永怀”成为可反复擦写的“精神黑板”

《永怀之歌》最打动我的，不是“永怀”作为名词，而是被剧组活用的动词——“今晚，你永怀了吗？”演出结束，演员站在观众出口，每人递一张空白航空信纸，让大家写“自己想永远怀抱的一句话”。半小时后，信纸被贴成一面“纸墙”，灯光打上去，像一座会发光的核反应堆。有人写“我想永怀没说完的对不起”，有人写“我想永怀西宁夜晚八点半的粉霞”，还有人只写两个字——“爸爸”。 那一刻，历史不再是课本里的功勋录，而是一张张会呼吸的便签，被800米高原的风吹得猎猎作响。

郭永怀若在天有灵，大概会笑着把这张“便签核反应堆”夹进新的手稿，然后转身，走向下一片金银滩——那里，一群穿羽绒服的大学生正蹲在地上，用旧货市场淘来的煤油灯，继续排练人间最缓慢的“慢动作燃烧”。《永怀之歌》不是完美的艺术品，却是一次值得被记录的“自我教育”实验。它让“科学家精神”不再停留于展板口号，而成为学生可触摸、可改写、可再创作的“活的文本”。当演员在谢幕时高举写着“我们”的灯牌，观众席爆发出长达三分钟的掌声——那不仅是对一台校园话剧的致意，更是对“青春—家国—科学”三重命题的集体确认。愿未来的高校舞台，出现更多这样的“永怀”：可以被一代代学生重新擦写、批注、上色，让科学报国的火种，在一次次“并不专业”的演出里，持续燎原。