贾伟 KK 的 “中国当代治愈系艺术”：几生归来仍是宝宝

在北京时代美术馆 “如花山海” 大型个展现场见到贾伟 KK 时，他正在荡着秋千。从天花板垂下的长长的秋千，有着粗糙温暖的麻绳，和宽阔圆润的木板。他后退很多步，之后一收腿，荡得高高的。在那绽放的笑脸中，一种天真灿烂的状态生动地浮现，与展厅里游戏般的氛围完美契合。这次展览如同一座乐园，任观众在光影流动、声色荡漾中穿梭，以绚烂的色彩与多样的互动，悄然消解着艺术与观者之间的界限。

作为中国当代艺术领域一个独特的存在，贾伟 KK 完成了一次从顶尖产品设计师到 “中国当代治愈系艺术” 开拓者的转型。他的艺术之路始于 2018 年个人经历的重大转折，而在过去的 7 年间，这场始于自我疗愈的探索，已逐渐延伸为更具社会关怀的实践。他以 “人人如花” 为理念，看见每个人多样的情绪面貌和真实的生命状态，关注当代人普遍的情感需求与精神困境；以 “萌系山海” 的创造，将上古神话中曾令人敬畏的巨兽转化为可亲的伙伴，构建出一个万物有灵的情感共同体。

他始终以跨界者的视角看待艺术，打破传统的边界束缚，调动多维感知，以服务的姿态触及更广泛的人群。此次展览中沉浸式的互动体验，源自他深厚的设计思维；对 AI 等科技的前瞻运用，则构成了他艺术表达的独特维度。然而，在所有这些创新与实践的核心，始终跃动着一颗不变的初心 —— 那份如孩童般的天真内心。它不仅是艺术家抵御现实繁杂的铠甲，更是他希望通过艺术传递给每个人的礼物：在充满不确定的时代里，我们仍有感知温暖、创造美好的巨大力量。

“有句话叫‘半生归来仍是少年’，而我想说：几生归来仍是个宝宝。”

—— 贾伟 KK

从自我疗愈到大众关怀，艺术带我走出低谷

库艺术（以下简称 “库”）：“如花” 既是一个标志性的 IP，也是您艺术生涯的初心。2018 年，您经历了一连串个人生活和事业的重大事故，次年，“如花” 这个形象在提笔间诞生了。这是一个很复杂的形象，她带着一种自我保护式的叛逆和顽强，但又有着纯真、灿烂的力量。她究竟在追寻着什么，又在守护着什么？

贾伟 KK（以下简称 “贾”）：“如花” 最初诞生于我个人的伤痛之中，她承载着不屑、痛苦，也带着对这份伤痛的审视，以及对幸福和快乐的深切渴望。她本质上是一个流动的情绪集合体，内心世界非常丰富。在持续创作 “如花” 大约五年后，我蓦然发现，正是通过艺术这个行为，我把自己一点点疗愈了。她的表情也逐渐从早期的阴郁、负能量以及对生命无常的困惑中走出来，开始变得开心，开始在画中荡起秋千，开始有了舞蹈的韵律感，呈现出一种充满生命激情的状态。

记得有一次，我带着一群朋友去我家乡宁夏的沙漠里游玩。那天风很大，当我看到朋友们散落在连绵的沙丘之上时，他们仿佛是沙漠中一朵朵绽放的花。那一刻我深受触动，尤其是在疫情最严峻的时期，我强烈地感受到：不仅是我自己需要被疗愈、需要绽放，其实在疫情这个巨大的不确定性面前，每一个人都需要找到自我疗愈的方式，都需要像花一样努力地绽放自己。我开始观察更多人的表情、生命状态和情绪。我发现在疫情期间，乃至后来的全球性事件中，人们普遍存在着对病毒的恐惧、对未来的不确定、对经济下行的忧虑…… 社会中有一种共性的情绪低落，非常像我 2018 年经历个人低谷时的状态。这直接推动了我的创作进入第二个阶段 ——“人人如花”。我不再只关注自我，而是开始主动去寻找一种更具共情的生命力量，探索艺术进行集体疗愈的可能性。

很多人问我，为什么 “如花” 的形象时而哭泣，时而不屑，时而愤怒，时而又开心、俏皮甚至充满激情？其实，这正是生命的多元状态，是 “人人如花” 的千万种面孔的合集。我们每个人的情绪都会波动，会因事而变 —— 与人有争执时会生气，考试满分时会高兴。我试图表达生命的多样性与内在的顽强，而其中更核心的探索是：如何将伤痛一步步引向平静，再激发出生命的热情，再转换到对美好生活的向往。

我觉得这个过程，正是艺术家需要研究的课题 —— 如何用艺术将伤痛的叙事进行转换。从 2018 年至今这 7 年里，我的作品每年都在演变：从最初的眼含泪水、疑惑、不忿甚至愤怒，到开始好奇地探究世界，再到主动寻找生命的力量，进而与画中的大象、鳄鱼等伙伴一同进入自由的境界，最后抵达内在的自在。这 7 年于我来说，是从自我疗愈出发，走向更广义的、对大众的疗愈关怀的完整探索历程。艺术确确实实将我带出了人生的低谷，我也始终在探索用艺术帮助更多人的可能性。

库：您觉得如花会长大吗？

贾：从我内心来说，我不太希望如花长大。小时候的我们，既拥有天真的内心，也具备一种 “独特力量”；可长大之后，这种力量渐渐变成了知识的堆砌和能力的累积，而那份天真内心，却像被尘埃一层层覆盖，慢慢消失了。

如花可以时而成为少年，时而变回宝宝，时而化作三五岁奔跑的孩童…… 但我不愿她成为一个大人。她最好就停留在那个状态 —— 既葆有一撇的天真，又持有一捺的独特力量。她是一个完整的 “人”，不是一个只强调能力、知识结构或社会需求的成人，而是回归到 “人” 本身的存在。

另一方面，她不需要长大，因为她可以成为大象，成为河马，成为龙，成为鲲鹏 —— 那都是她。这正是 “如花三生” 的体现：起初是肉身的存在，是我们面对痛苦与无常、无法永存的 “本生”；进而成长为内心强大、永不磨灭的 “永生”；最终，获得生命的自由，可以像孙悟空一样多元 “分生”，变成云，变成风，变成万物。我相信未来的我们，也将走向这样的 “三生” 状态，不再局限于这一个肉身。借助科技，我们或许真的可以成为一匹奔跑的马，一只翱翔的鹰，达到自在的状态。

库：能否描述一下您创作时的心理状态是什么样的？在投入创作时，更像是一种情感的迸发，还是平静的冥想旅程？

贾：在艺术创作中，我认为存在着两种状态。首先是与自我的持续对话。从每一笔勾勒到每一次思考，都是对内心的叩问与冥想。这种状态让我开始寻找什么是我自己，因为我所画的都是我自己的投射。然而，另一种状态更为重要，那就是去感知这个世界的温度。我要去感知这个时代的悲伤与痛苦，再用艺术的温度、柔软的笔触、明亮的色彩，为这些情感赋予光明。这是一个从内省走向共情的过程。

回顾我的创作历程，2018 年至 2023 年间，我确实更多地沉浸在自我对话中。那时的创作是情绪的宣泄与自我疗愈，虽能与他人产生些许共鸣，但连结的范围有限。直到 2023 年后，我开始关注这个时代的痛点，与他人共情。这期间，我的作品好像既能吸纳来自远古时代的独特力量，又能感受到每个人当下的天真内心。我开始把他们聚集到一起，产生一种全新的力量。

这两种状态就像硬币的两面一样都很重要：其源头在于自我，但最终需要与世界产生共鸣。我深信一个观点：每个人就是整个世界。当我们离去，属于自己的世界也随之消逝。而每个人的内心最深处是相通的，唯有看清自己的世界，才能连接更广阔的世界。这两个世界有着不同的场域，整个世界的爱，远远比自己的世界的爱要大得多。只有当我们见识过自己的世界中爱的海洋，才有能力连接整个世界爱的能量海洋。前者是小我的海洋，后者是大我的海洋，其中蕴含的慈悲能量截然不同。

“当下的艺术”：不关乎昨天明天，只在此刻

库：本次大型个展 “如花山海” 中，“萌系山海” 引入了中国传统中鲲鹏、巨象、龙等等有着神力的巨兽。其中体现了怎样的世界观？

贾：“如花山海” 中的巨兽，灵感主要来自两个方面，一是《山海经》中记载的那些远古神兽；二就是观察我身边的朋友 —— 我觉得有的朋友，好像一只鳄鱼，充满力量；有的朋友好像一条龙，腾空而起；有的朋友特别像憨憨的大大的一只象，温暖而可靠。这些其实也都是一种自我的映照，我相信每个人的内心不只有一面。我们与万物同属于一个宏大的生命共同体，就像电影《阿凡达》所表达的，人与古树可以精神相连，人与万物都能相互感知、共存共生。因此，这些巨兽既是我身边朋友的生动写照，也象征着潜藏于我们每个人生命之中的、千姿百态的不同侧面。

库：您将上古凶悍的神兽 “萌化”，这背后是否反映了您对当代人精神需求的洞察？为何古时候需要神兽的威猛力量，而今天则需要 “萌” 来疗愈内心？

贾：上古的先民有着人类最原初的思维状态，他们不具备现代的科技与农业知识，正因如此，他们保有天真无邪的力量。他们能看见天上的龙，能想象鲲与鹏。经过五千年的发展，尤其是近两百年的工业革命，蒸汽机、电气、数字技术乃至今天 AI 的崛起，人类已经拥有了强大的能力，甚至开始创造比自身更强大的机器人。此时，当我们回望上古神话中的巨兽与神祇，不应再是仰视，而应是平视。我们应当与它们平权，我们甚至应该觉得它们好可爱，而不是好威严。

因此，我以这种平权的逻辑重新构建上古神兽。它们昔日之所以显得威严，是因为人类弱小；而今人类强大了，我更希望褪去它们龙的利爪、象的巨牙，还原其天真的一面。试想夸父逐日，一位巨人日复一日追逐太阳，这是何等浪漫的一件事！倘若没有那颗天真的心，没有与太阳平权的愿景，没有成为太阳的抱负，他怎会如此执着？再者，我感到当下这个时代戾气过重，一切都太快、太急了。我们需要用一种更柔软、更细腻、更温暖的方式，去表达一种温和的力量。请相信，温和是一种力量，温暖也是一种力量。而艺术，该如何去表达这种力量？

于是我提出了一个概念，叫 “当下的艺术”。艺术有古典艺术，以写实表达宗教与皇权；有当代艺术，以思辨与批判审视社会。那么，艺术是否可以拥有一种 “当下的艺术”？在此刻，我希望能回归到 “视人为人” 的本质，创作出蕴含温和力量、传递温暖感受的艺术。它不关乎昨天或明天，它就在此刻，就在你看到作品的那一瞬。那只没有象牙的象，是否让你感受到母亲般的温暖？天上的龙，是否让你想起与父亲嬉戏的时光？那只鳄鱼，是否让你感觉像被父母高高举起？…… 这些转瞬即逝的感动、感触与感知，恰恰是最珍贵的。我们常常回顾过去、审视现在、展望未来，却唯独忽略了 “当下”。

库：您的作品涉及雕塑、装置、影像等多种媒介，包括本次展览中的动态装置《鲲鹏翼动 —— 科技与艺术共铸的蜕变》等等，必然涉及与技术团队的协作。在与团队合作的创作中，您通常扮演怎样的角色？

贾：在艺术创作之外，我还有一个产品设计师的身份。工业设计本质上是一个团队协作的过程，需要工业设计师、结构工程师、材料工程师、模具工程师以及成本预算师共同参与，这是一套非常系统的项目逻辑。如今创作大型艺术装置时 —— 无论是你看到的巨型鲲鹏、龙，还是其他科技艺术装置 —— 我都在运用这套积累多年的设计思维。我同时扮演着总策划师、创意总监、项目经理和产品经理的多重角色，协调各个领域的专家：懂材料的、懂技术的、懂工艺的、懂制作的、懂成本预算的，甚至精通 CMF（色彩、材料与表面处理）的专业人士。这个过程中我体会到，将艺术工程化、产品化，是件很有意思的事。

我认为，今天的艺术不应只是艺术家的独奏，艺术的边界被打破、艺术媒介在拓展、表达形式也变得更加多元。这次展览，我采用了绘画、雕塑、装置、影像、诗歌等形式，还融入了 AI 创作。我用尽平生所学，只为营造一个多维感知的场域。如果只有绘画，感知主要停留在视觉层面；而在这个展览里，我融入了视觉、听觉、嗅觉、触觉、味觉的体验。当你走进鲲的展厅，既能看到巨幅画作，又能观赏展翅的雕塑，可以像置身海边般躺在沙滩上观看影像，感受鲲化为鹏的瞬间，还能目睹地面上光影交织的水波荡漾。

在当代艺术语境中，我认为单一维度的表达已不足以完成与观者的深度交流与连接，我更倾向于构建多维的场景化体验 —— 我甚至将整个 “如花山海” 展览视为一个作品，其中的每件绘画、雕塑都只是这个整体作品中的一个笔触、一个局部。西方艺术近二百年来受工业化影响，形成了过度细分的垂直体系，但艺术本应激发人的想象力与智慧，为何要自我设限？

特别地打破艺术的边界，一方面源于我从事的是治愈系艺术 —— 真正的治愈需要多感官参与，音乐、舞蹈、绘画共同作用。更重要的是，我观察到近现代艺术过度强调认知门槛，导致普通人与艺术之间筑起了高墙。当对认知力的要求远高于感知力时，艺术就失去了温度。因此，我的创作特别注重提升观者的感知力 —— 你不需要任何知识背景，只要走进这个空间，就能感受到海边的氛围，体验与龙共舞的意境。

艺术在今天不能高高在上了。艺术应当让人成为更好的人，这就需要以服务的姿态出现，让人们先感知，再主动地认知，之后触发生命的创造力，以及对美好生活的想象。

库：您积极地在创作中运用 AI。对于您来说，AI 的强大算力在为创作带来增益的同时，是否也隐藏着忧虑和挑战？

贾：我愿把 AI 称为这个时代的 “核心力量”。人类需要善用这种力量，就像马车时代，无论你的驾术多么高超，当蒸汽机和汽车问世后，你必须选择：是继续做一名优秀的马车夫，还是转型成为汽车司机？时代的车轮不会为任何人停留。回望多年前我刚毕业时，同学们就分为在画板上设计和在电脑上设计两派。使用电脑的同学不仅效率更高，借助三维软件等工具，最终的作品质量也更胜一筹。这就是工具革新带来的必然差异。

今天，我们需要重新认识 AI。首先要建立工具思维，认识到它的实用价值；其次要打破工具思维，意识到它是比我们更强大的存在。在我的认知里，AI 不只是工具。人类五千年文明史就是一部工具发明史，人与动物的根本区别，恰恰在于发明和使用工具。但 AI 不同，我们称其为 “机器人” 而非 “机器”，这个 “人” 字意味深长。从电冰箱到电视机，我们从未在工具名称中加入 “人” 字，唯独对 AI，我们赋予了它 “人” 的定位，因为它开始具备认知、学习乃至创造的能力，是一个能够与我们共同进化、共同创造的新物种。当下的创作模式仍是 “人 + AI”，人的创意结合 AI 的执行；未来，AI 的创造力可能远超我们。到那时，我们还要执着于比较吗？

人类在充分接受 AI 的过程中面临的两大心理障碍，一是傲慢 —— 觉得我们强，我们不用它；二是分别心 —— 认为我是人，它是 AI，我怎么能跟它合作？当我们能够平等看待 AI，当脑机接口成为现实，当外骨骼与我们融合，人与 AI 合体，我们将成为既保有天真内心，又拥有强大力量的 “新人类”。一天攀登三次珠峰，创作百幅画作都将成为可能。

AI 与我们在未来终将融为一体。如今我们因过强的分别心，要么将其视为普通工具，要么视为异类。这种心态，就像当年的马车夫看待汽车司机，既困惑又抗拒，却不知自己正在见证一个新时代的黎明。

治愈系艺术，出场即公益

库：您在艺术、科技与社会价值的融合实践中备受关注，对于结合多业态的跨界实践、发挥艺术更大的社会价值和影响力，您有何构想？

贾：我始终认为，一位艺术家若真正有所成就，需要在两个层面做出贡献：一是对艺术本体的推进，开创新的方向；二是艺术所能产生的社会价值。我通过具体项目践行着这一理念。比如，我正在尝试与医学院合作，开展治愈系艺术的相关研究，探索艺术对情绪调节、心理舒缓的辅助作用；与公益基金会合作 “追光逐日” 项目，邀请乡村儿童和老师一同参与创作。为什么要画 “追光逐日”？上古的夸父有着神力，以奔跑与太阳平权；今天 AI 也在高速迭代，是我们的核心力量，而许多孩子却陷入 “缺乏动力” 的状态。孩子们应该像夸父一样，在阳光下奔跑追逐。这个项目融合了美育与疗愈的双重价值，后来还被相关机构的少年儿童绘画大赛采纳为主题，吸引了众多孩子参与。

当我在思考艺术与公益的结合时，一位朋友的话点醒了我：“你做治愈系艺术，出场即公益。” 他说，你的每一幅画、每一个展览、每一段文字，本身就在治愈他人，这已经是公益的实践。我听到之后深受感动。这其实也正是我核心的创作逻辑：从疗愈自我出发，延伸至疗愈他人，最终形成一种社会化的行为。

我常思考，如何让艺术从 “无用” 走向 “有用”？艺术在审美与情感表达上是 “无用” 的，但当它传递正向情感、连接更多人时，便产生了真实的 “有用”。当你鼓励大家追光逐日，人们开始向阳而生；当你讲述鲲化为鹏，人们感受到超越自我的力量；当你呈现舞动的龙，人们被生命的激情所感染 —— 这就是艺术赋予每个人的价值。而这条路，需要更多艺术家一同前行。

库：对于您来说，艺术中怎样的回馈最让您感到满足？

贾：有一次展览，来了一群幼儿园的孩子，大约三四十个。我看着他们在 “踩太阳”，感受到他们本能地想要与太阳平权，从阳光中汲取能量。当我问孩子们喜欢哪件作品时，有孩子说喜欢大象，因为 “抱着大象屁股很暖和，我从来没抱过大象屁股”；另一个孩子说喜欢龙，“站在大镜子上，看到自己竟然跟龙在一起，我还听见龙叫了”；还有孩子兴奋地说 “我躺在那里，看到鲲变成鹏了！” 我的眼泪都快出来了，感到特别开心。

从第一次办展起，我就格外关注孩子们如何看待我的作品。记得当时画了一只撅着屁股的河马，连屎尿屁都画了出来，上面还有个如花在跳马。有个小男孩在那幅画前驻足了很久，突然伸出手做出闻的动作。我向他解释：“我画的就是屎尿屁，但这是彩虹色的屎尿屁，说不定还能吃呢！” 大人们带着分别心，认为屎尿屁是污秽的；但在孩子心中，这是身体自然的排泄物，也可以充满欢乐，他们甚至能想象出 “屎尿屁城堡”。我把它画成彩虹色，就是要守护这份珍贵的想象力。

所以，我对作品最看重的评价标准就是孩子们是否喜欢。如果孩子们说不喜欢，即使我的技法再精进，对艺术的理解再深厚，也意味着我失去了那颗天真的内心。当孩子们喜欢时，我就知道我做对了。我想陪伴他们 20 年，守住那份天真内心，我觉得这就是我的梦想。

有句话叫 “半生归来仍是少年”，而我想说：几生归来仍是个宝宝。

艺术家简介

贾伟 KK，艺术家、设计师，中国当代治愈系艺术开拓者。他以 “如花” 系列作品为大众所熟知，其艺术创作融合了疗愈美学与科技哲学，以独特的艺术风格和深刻内涵，受到广泛关注。他的艺术创作跨越绘画、雕塑、装置、数字及科技艺术等多个领域，始终保持着对生命无常的深刻感悟与创新表达。