广东
Artist
艺术家简介
胡李海
1977年生于吉林，2001年毕业吉林艺术学院美术系。2004年毕业于中国艺术研究院，师从王镛，水天中美术理论家。
职业画家，现工作于北京。
作品被中国美术馆、敦煌市美术馆、中国对外艺术展览中心，以及多个国外机构收藏。
在当代艺术纷繁多元的语境中，艺术家胡李海以其深沉的精神追求与独特的视觉语言，构筑了一个内省而丰盈的绘画世界。他先后毕业于吉林艺术学院与中国艺术研究院，师从王镛、水天中等学者，在深厚的学术滋养中，逐步确立了自己融合东方写意精神与西方表现手法的艺术路径。他的创作，从佛教、道教、远古岩画与圣经图像中汲取养分，以“痛苦的符号”“游魂般的人形”等意象，叩问生命本质，直面人性的脆弱与超越的渴望。
胡李海始终清醒于自己的表达内核——那是一种投入生命全部敏感性的创作状态，是向内观照、寻求自由的灵魂实践。在他的画面中，混沌与秩序交织，个体与宇宙共鸣。本次访谈深入其艺术理念与创作历程，呈现一位艺术家如何在形式与精神的张力之间，持续探索“人”的存在真相与艺术的本真力量。
《梵净地》90X60cm
《觉者之行》70X50cm
艺术问答
话题一
《大觉禅寺》 布面油画120X60cm
问
您先后毕业于吉林艺术学院美术系和中国艺术研究院，师从王镛、水天中两位知名理论家，这段学术经历对您的艺术认知产生了哪些关键影响？是否有特定的课程或导师的教诲，至今仍深刻影响着您的创作方向？
答
王镛老师长期深耕印度美术研究，他的《印度美术》给我带来了很深的精神影响，直接影响了我对宗教，特别是佛教的绘画表达，怎样用更简炼的画面语言去表达深刻的宗教和哲学思想，如何表现出向内观的精神追求，如何平衡精神内蕴和画面张力。还有老师对中国美学的“写意精神”视为中国艺术区别于西方“写实”体系的灵魂。他认为，中国艺术的现代化不是抛弃写意去追求写实或纯粹的抽象，而是应该将写意精神提升到一个新的高度，使之与现代人的审美体验相结合。这些思想都是我这么些年的创作中，一直追求的目标。
水天中老师对我最大的影响，就是他所倡导的中国美术的现代化并非简单的追随西方，强调“艺术与人性”的关联，认为艺术的价值在于表达真实情感与生命体验，而非技术或形式的空洞堆砌。寻找自身文化逻辑的转变，也就是我们常说的，只有民族的，才是世界的，这点也深刻的影响着我的创作之路，指导着我的作品思想，我们国家有着几千年的文化积累，如何表现中西融合，怎样去体现个体精神，这是我在创作中经常考虑的。
《无相》70X50cm
《无声》 60X60cm
话题二
问
在艺术生涯初期，您是是如何逐步建立起自己的艺术风格和创作体系的？在这个过程中，有没有经历过风格上的转变或探索阶段，能否和我们详细讲述一下这个过程？
答
最早期我对中国的壁画，工笔画，唐朝时期的侍女图很感兴趣，我画过一批关于壁画的线条人物，尝试了一段时间，这使我对中国传统绘画有了一个新的理解与吸收。还有一个阶段，我很喜欢莫迪里阿尼的作品，我尝试把中国的人物画和西方油画融合起来，毕业两年多后，德国的新表现主义风格进入中国，对我有一些触动，我也探讨式的画了一些中国意境下的绘画，这时期我的画面中逐渐有了人物符号的出现，我试着把人物进行简练的概括用密集和疏散的方式在混沌中产生，2002年在炎黄艺术馆展览的时候，水天中老师当时参加展览给我指点了很多，对我触动比较大。从这之后我开始不太满足西方意识下的绘画语言，因为西方艺术更多的是以一种外在张力传达出的一种力量。我开始试着向内求，开始探讨用一种更偏向传统文化的，内敛的方式去表达。
《闻法修持》70X50cm
《信者入》73X53cm
话题三
问
如果请您用几句话向一个完全不熟悉您作品的人描述您的艺术，您会怎么说？您是否介意被贴上某些“流派”的标签？
答
我不介意被贴标签，划流派，这些都是观念，但我自己内心很清楚，也很坚定，我在表达什么，你静下来会读懂我的作品。
《觉者止境》30X20cm
《同参问道》30X20cm
话题四
问
您曾说创作灵感源自道教、佛教、圣经画与远古岩画，为何会选择这些多元的文化符号作为创作隐喻？“痛苦的符号”“颠倒的自我”“游魂般的人形” 等元素，具体想传递怎样的生命思考？
答
因为这些符号是最原始，最真实的，经过漫长的历史直到今天，它仍有温度去撞击你的灵魂。我们大多数人会有一种惯性思维，觉得人很强大，其实人是非常脆弱的一种生物，只不过我们很容易被眼前五光十色的物质所迷惑，我们向外能控制很多事物，但向内来说，我们自控的能力是很弱的，虚弱的灵魂，隐藏的痛苦，人要面对这种虚弱，才能生出真正的勇气。
《离欲止境》30X20cm
《离尘》 90X60cm
话题五
问
尼采的 “生命醉意” 被视为您艺术的精神内核，您如何理解这种 “醉” 的状态？在创作中，您是如何将肉身生存的痛感与精神超越的渴望转化为视觉的？
答
这个问题，中国美术评论家韩劲松曾经这么评价我的作品：这种醉是一种完全的投入，尼采曾经说过，人为了达到艺术的状态，首先要提高自己机体的敏感性，而“醉”是必不可少的前提，在这种状态中，人出于他自身的丰满而使万物充实，并且享受自身的完满。
人总要有一些初级的感性和直觉，这是生命过程中自然而然生长出来的，是生命要求表达，精神要求寄托，情绪要求释放的必然结果，是功能性的，不是审美性的，这个时候，形式和人就融为一体了。
《雪山觉者》30X20cm
《寂静道》50X40cm
话题六
问
以您的一幅作品为例，可以请您分享一下它背后的创作故事吗？从灵感的迸发到最终完成，经历了怎样的创作历程？
答
《一念》作品为例。
我记得当时是下午，我刚结束一天的工作，准备休息一下，就在我闭目凝神的一瞬间，突然感受到一股暖暖的气流充满我的全身，那一瞬间，我觉得自己和周围的空间融为一体，是一种超脱于世，物我两忘的感觉。
这种感觉我至今仍记得很清楚，我当时立刻动笔，要把当时的体验画出来，整个绘画过程非常顺畅，画面自然而然就出来了。艺术创作者有时会非常幸运，得到一个灵感，这种恩赐可遇不可求。
《一念》 布面油画 200x180cm
《无馀迹》 50X40cm
话题七
问
您的作品既关注 “反省自我” 与自然的连接，也叩击现代精神困境，这种批判意识是如何形成的？在您看来，艺术在解决当代人精神迷茫问题上能发挥怎样的作用？
答
人过多的关注外界，很容易产生迷茫之感，很容易被各种潮流，信息，资讯所牵引，自己被各种碎片组成，但却没有一个稳定的内核。
其实我在创作过程中并没有投入太多的批判意识，更多的还是内省，去不断的剖析自己深层的意识，在我很多作品里，我去表达都是人的灵魂，在孤独的内省中，去寻求的超脱和自由。
《辉光》50X70cm
《智者解脱》70X50cm
话题八
问
您曾反思当下美术创作存在普遍精神贫乏的问题，认为艺术不应陷入形式化套路，在您看来，当代艺术家应如何保持创作的天真与生命力，避免被功利化或概念化裹挟？
答
保持你的好奇心和专注力，进入到“心流”的状态里，那是你生命力最蓬勃的时刻。
不想被外界裹挟，自己内心一定要有坚定的信念和价值观，你知道自己在做什么，并且充分享受这个过程，让过程本身成为意义，而不是一味的追求结果。
人是追不到风的，你只需踏踏实实的种自己的树，等树长高后，风就在你的这片树林里。
《欢喜地》70X50cm
《净乐》50X40cm
话题九
问
您接下来有哪些新的创作计划或艺术项目？能否提前和我们透露一下这些计划的主题、方向和大致的创作思路？
答
接下来打算举办一个个展，中国寺院系列作品的展示，这个也是我这些年游历中国所看所想的一个汇总。
《善正道》60X60cm
《灭诸无明暗》60X60cm
话题十
问
作为一位持续创作多年的艺术家，您希望自己的作品能为下一代留下什么？对于年轻艺术家，您有哪些基于自身经验的建议？
答
如果说希望自己的作品能为下一代留下什么，那我希望当你看到我的作品时，你会感觉到它的温度，你会和那个遥远的创作者，产生某些共鸣。当这个共鸣产生时，这个作品的使命就完成了。
根据我自身经验给年轻人建议的话，那就是保持勤奋，终身学习。
《自证知》70X50cm
《世间解脱》60X60cm
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