编剧维权，维的到底是什么？

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署名权直接关系到一个编剧在行业内的影响力和劳动报酬。从编剧的署名权上，可以看出一个导演和制片方对剧本创作的重视程度，一个主创团队对编剧的尊重程度。

编剧宋方金曾在公开采访中说过：“资本把自己搞成了文艺法西斯。中国编剧面临的是自我价值实现、市场客观需求以及资本追逐三重挑战。”

这两句话点出了长久以来中国编剧在行业里身陷的困境——如何在被资本矮化的不对等谈判中维护基本的体面和尊严；如何在行业岌岌可危的状况下维持作品的原创性和内容质量；如何在大家都挣不到钱更别提议价的现状下仍能潜心创作。

一项中国青年编剧生存调查显示，75%的人表示自己有过被骗稿经历，40%经历过“没有项目、生活难以为继”的职业生涯困难时期，对自己工作状态感到“满意”的比例仅有6%。

《2019-2020中国青年编剧生态调查报告》

尽管他们的职业初心是“写出有价值，经得起时间考验的作品，成为好编剧”，但因为作品署名、创作不受重视、长期单打独斗的工作状态等因素，他们内心往往存在一种被遗弃的恐惧。

这也引发了他们对职业选择、职业未来的焦虑，50%受访者表示未来考虑转型做导演或制片人。

编剧的被“消失”

与专业制片的缺位

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从2018年资本退潮起，“影视寒冬”已是老生常谈。在观众越来越成熟、需求越来越多元的今天，电影市场似乎很难再有上世纪90年代，甚至中国电影最早期，三四十年代伴随“左翼运动”开始的真正的百花齐放。

但如果要讨论编剧创作价值的消失，还得从追溯电影创作黄金时代何时结束开始。

在重艺术轻商业的传统电影史叙述里，抗战全面爆发的20世纪30年代往往被认为是中国电影真正的“黄金时代，不仅涌现了蔡楚生、吴永刚、袁牧之等大批优秀创作者，《神女》、《渔光曲》、《马路天使》、《十字街头》等大量经典作品，影院方面也开始掀起热潮。

电影《神女》剧照

有数据显示，1926年全国影院仅有约95家，到1930年增至240家，1934年增长至242家（不含香港）。在上海、天津等沿海大城市，影院多轮放映模式也相当成熟。

但表象的繁荣背后是严重的产业危机。影院建设热潮反映的是市场投机和资产泡沫化问题。电影产业链三个基本环节是制片、发行和放映。三个环节环环相扣、相互作用。“表面上虽颇蓬勃，但实际上盈亏者，有非外人所知也。”1935年《电声》杂志曾如是记载。加上社会经济不景气等因素影响，影院惨淡经营，制片公司经营困难，电影产量下降，20世纪30年代中后期，中国电影产业进入大萧条。

“大公司多半被破产威胁，小公司相继倒闭，各公司从业人员都在借贷与典质中度日，各公司的出品锐减，电影作品质的滑落，也是异常严重的事。”被称为中国四大影片公司的明星、联华、艺华、天一，每月均要亏损若干，制片公司处境艰难、捉襟见肘。

电影《联华交响曲》海报

尽管不少经典中国电影都诞生于这一时期，但产业自身盈利模式脆弱，仅凭优秀艺术作品，难以扭转行业整体陷入危机的局面。

从文艺创作到资本流水线

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没有永远的黄金时代。

如果说上世纪30年代电影产业危机的根源是外部社会环境与内部产业结构失衡、缺少商业化思考与落地。90年代至新世纪初“黄金时代”的消失，到当下“影视寒冬”的生存困境，根源则是过度商业化，创作的价值在逐利的驱动下逐渐被稀释瓦解。

上世纪90年代，中国商业电影第二次浪潮到来。彼此的电影行业主要呈现“迎合主流意识形态、娱乐观众、获取利润”的行业态势。芦苇、王朔等经验独到的编剧，成为第五代导演声名鹊起不可或缺的助力者。

1993年，陈凯歌导演电影《霸王别姬》在中国内地上映，单场票价4元，斩获票房4500万。这部作品也成为陈凯歌导演漫长创作生涯的巅峰之作。

1993年戛纳电影节，张国荣、徐枫、陈凯歌。

为什么陈凯歌再也没有拍出《霸王别姬》那样的影史经典？

对这一问题，坊间一直流传一种论调：《霸王别姬》的剧本创作完全得益于芦苇对原著小说进行的符合电影视听语言、符合东西方艺术审美的清晰重构。而《霸王别姬》之后的几乎每一部作品，陈凯歌都参与了剧本创作。编剧的创作价值自然也在过程中被稀释。

导演中心制，究其原因与中国当时制片体系的不成熟紧密相关。编剧价值被系统性忽视，本应作为艺术创作与商业平衡的专业制片职能，普遍缺位或失职。

但行业成长的脚步没赶上市场变化的速度。2009年，华谊兄弟成为第一个在国内A股挂牌的影视公司。自此，影视行业还未来得及建立起尊重创作规律的、健康的现代影视工业体系，就过早地进入“资本流水线”。

电影《中国合伙人》剧照

在这条流水线上，打动投资人的项目策划案不再是好故事、好人物，而是大IP、流量明星，以及量产多销的快速变现逻辑。

剧本这一影视创作的根本，也成为整个制作流程中，最容易被无限压缩成本的环节。编剧则沦为填充对话“码字工”，作品甚至无署名，被任意篡改。

专业制片

不可或缺的行业“摆渡人”

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回看影视产业发展的成功经验，无论是好莱坞的制片厂体系，还是国内精品剧作的诞生过程，都有一个共通点：背后有一个兼具艺术眼光、管理能力和市场意识的专业制片人——

深刻理解编剧的创作题图，保护其创作火花，同时善于商业运筹，能把优秀的剧本作品转化成成功的文化产品，在此基础上完成从创作到商品的平移，实现并放大电影商业价值。

一项面向青年编剧的生态调查报告显示，青年编剧在与制片方合作时，优先关注的问题除了“项目能否落地”，其次就是“制片方是否专业”。再次是稿费、署名问题。

《2019-2020中国青年编剧生态调查报告》

当编剧权益无法得到基本保障，劳动报酬处于价值分配体系末端，创作热情被消耗，心里满是对职业未来的焦虑，必然导致行业劣质驱逐良币，又如何指望年轻一代创作者未来真能创作出“经得起时间考验的作品”？

专业制片人懂得尊重编剧的署名权，就是尊重创作的源头，懂得保障编剧合理的创作周期和劳动报酬，就是保障内容质量的基底。

专业制片人会建立清晰的开发流程，让编剧在有安全感的创作环境中潜心创作。

专业制片人具备对内容的深刻理解力、对项目的宏观掌控力，以及对各个创作环节的尊重。而不是更像项目经理、资源中介，工作重点都放在融资、控制预算、管理进度上，忽视创作规律，让有能力把剧本打磨得更好的编剧为商业效率让路。

关于“如何成为专业电影制片人”，前泰吉影业首席运营官，参与电影《画皮》《新倩女幽魂》等作品制作策划的资深制片人黎麦克认为，无论是编剧创作者、导演、制片人，做出一个有说服力的项目策划案，要比投资人更懂投资人的需求，学会以制片人角度说服投资人。

电影《画皮》海报

这表面看是要求表达者有沟通说服能力，本质上考验的是是否具备专业、完整的制片认知和实操落地能力？是否对电影完整制作流程了熟于心？是否有足够的市场敏感度，能先人一步看清趋势、挑战与机遇？是否真正了解观众需求，并知道如何管理观众预期？

11月1日-2日两天，黎麦克老师会在益起映创深圳课堂一一讲解这些问题。

让编剧重回叙事权力中心

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也许没有哪个行业能长盛不衰。但值得期待的是，转机也总在危机中显现，近几年陆续有像《漫长的季节》等一类尊重编剧主导权、回归剧本中心制的项目，在市场上得到观众认可。

对于想入行或已经入行但资历尚浅的从业者，有策略、有方法地挺过危机，未必不是试走新路的好时机。

调查报告显示，当前中国影视产业最缺乏的专业支持，55%受访者认为是“从业者培养机构”。

《2019-2020中国青年编剧生态调查报告》

职业教育的关键是“产教融合”，理论学习跟产业对接。

黎麦克老师于千禧年后进入电影行业，早年专注电影发行工作，曾将多部优秀中国内地和中国香港电影发行到世界各地。随后以制片人身份参与院线电影、网剧、网络电影项目。

电影《新倩女幽魂》海报

2020年，基于对创作、市场，以及完整制片工业流程的深刻理解，他开始担任导演工作，监制及执导网络短剧香港都市传说系列《出轨》《那夜红的》。

同时，黎老师也担任香港浸会大学研究生班讲师、北京电影学院客座讲师、巴塞罗那自治大学讲师，以及第十五届至十七届“香港影业协会”助力理事。

因此，他讲的理论一定是具备强实操性的。他也有足够丰富多元的经验、广阔的视野把更前瞻的产业问题更落地地分析给你听，告诉你当下的问题真正在哪儿，怎么解决，帮你基于自身状况预判未来可能发生的问题，有方法应对难题和危机，在行业里“活下去”并“活得好”。

两天课程学习，他会结合《画皮》《倩女幽魂》《默杀》《一闪一闪亮星星》《我爷爷是外星人》等自己参与的作品以及香港电影发展基金会参投项目等案例，帮你梳理电影制作全流程里会遇到的关键问题，以及解决思路。下面是详细课程安排。

如果一句概括这门课能带给你什么，可能是——结合案例讲方法论——把复杂的制片系统里较为核心的问题挑出来，告诉你怎么办，让你在现实工作场景里遇到类似问题，能直接上手，先人一步顺利解决。

比如“如何做出一个有说服力的项目策划案”、“怎么能够从创意到成片”等等。对于有志于成为专业制片人的从业者，这是构建健康创作生态、生产优质内容的前提；对于编剧、导演等其他从业者，学会用制片思维解决创意创作问题，能帮助你更有效保护自己的创作主权，在谈判桌上得到应有的尊重。

课程原价4000元，现在报名有早鸟价，省400元。也可以分享给身边朋友一起来学习，三人一起报名每人直接省800元。从产业分析、市场研判、项目开发，到制片全流程、观众预期管理、制片人如何规避风险、处理合同纠纷，他都会一一分享给你。11月1日-2日两天，地点在深圳。希望你来。

作者 | Yu

排版 | 竹子

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