笔墨铸山河——李宝林山水画的精神内核与时代意义

笔墨铸山河——李宝林山水画的精神内核与时代意义

文\张占峰

在中国当代美术史上，有一位画家始终以笔墨为犁，在传统与现代的交汇点上深耕不辍，他既承袭了李可染“为祖国山河立传”的艺术理想，又以军旅生涯沉淀的刚健气质，为山水画注入了独有的雄浑力量——他就是中国国家画院院务委员、中国美术家协会河山画会名誉会长李宝林。从早年中央美术学院的笔墨筑基，到海军政治部创作室的军旅创作，再到转型山水画后的风格突破，李宝林的艺术轨迹不仅是个人创作的探索史，更是当代中国画在传承中创新、在坚守中突破的生动缩影。

李宝林

任何艺术风格的形成，都离不开早期经历的深刻滋养。李宝林的艺术根基，首先深植于中央美术学院的传统沃土。1963年毕业于中央美术学院中国画系的他，有幸师从李可染先生——这位以“黑、厚、重、亮”风格重塑山水画审美范式的艺术大师，将“师法自然”与“笔墨传统”的双重理念传递给了李宝林。在李可染的教导下，李宝林系统研习了传统山水画的笔墨语言，从“披麻皴”“斧劈皴”的技法锤炼，到“高远”“深远”“平远”的构图布局，再到“意在笔先”的创作理念，传统中国画的精髓如同养分般融入他的艺术血脉，为其日后的创作奠定了坚实的笔墨基础。这种基础并非对传统的刻板模仿，而是对笔墨精神的深刻理解——李可染强调的“用最大的功力打进去，用最大的勇气打出来”，成为李宝林艺术生涯中始终遵循的准则。

如果说中央美院的学习为李宝林赋予了“笔墨之魂”，那么1963年至1990年在海军政治部创作室的军旅生涯，则为他的艺术注入了“精神之骨”。作为专职画家，李宝林创作了《大会师》《闽海石城》等大量军事题材作品，这些作品以人物画为核心，聚焦于军旅生活的壮阔场景与军人的精神风貌。《大会师》中，他以严谨的构图、生动的人物造型，再现了革命历史中的重要时刻，人物的神情、动作充满张力，既展现了扎实的写实功底，又传递出强烈的时代精神；《闽海石城》则将海景与军事防御工事相结合，海浪的汹涌与石城的坚固形成视觉对比，暗含着守卫家国的坚定信念。

这段军旅创作经历，让李宝林跳出了传统文人画“逸笔草草”的闲适视角，转而以更宏大、更刚健的目光观察世界——他学会了用艺术表现“力量”与“信仰”，学会了在画面中营造“雄浑”与“崇高”的意境，这种对“大场景”“大精神”的把握能力，日后成为他转型山水画创作的独特优势。

值得注意的是，军旅时期的人物画创作与传统山水画的笔墨训练，在李宝林身上形成了奇妙的互补。人物画对造型准确性、情感表达力的要求，让他的笔墨更具“写实性”与“叙事性”，避免了传统山水画可能陷入的“程式化”困境；而传统笔墨的韵味，则为他的人物画增添了“写意性”与“文化感”，使其摆脱了纯粹写实的生硬。这种“人物画功底”与“山水画笔墨”的早期融合，为他后来将“人物精神”融入“山水意境”埋下了伏笔。

1990年，李宝林转业至中国画研究院（现中国国家画院），这一人生转折成为他艺术生涯的重要分水岭——从此，他将创作重心彻底转向山水画，开启了从“继承”到“创新”的关键探索。此时的中国画坛，正面临着传统与现代的碰撞：一方面，部分画家固守传统程式，作品缺乏时代气息；另一方面，一些画家盲目追求“现代性”，却丢掉了笔墨的根本。李宝林则选择了一条“守正创新”之路——他以李可染“大山水”理念为起点，结合自身军旅经历的精神特质，最终形成了以“块面结构”和“金石质感”为核心的个人风格，为当代山水画坛带来了一股“雄浑之风”。

李宝林的山水画，首先打破了传统山水画“以线塑形”的单一模式，创造性地引入了“块面结构”的表现手法。在传统山水画中，线条是塑造山石、树木的主要手段，无论是细腻的披麻皴还是刚劲的斧劈皴，都以线条的交织构建物象形态。而李宝林则将山石、山峦视为一个个整体的“块面”，通过浓淡干湿的墨色变化，塑造出山石的体积感与厚重感。以其代表作《祁连风骨》为例，画面中的祁连山不再是传统山水画中“峰回路转”的轻巧形态，而是以巨大的墨块构成山体的主体，墨色的浓淡对比勾勒出山脉的起伏与层次，仿佛能让人感受到山石的坚硬与巍峨。这种“块面结构”的运用，既借鉴了西方绘画的体积感表现，又扎根于中国画的笔墨传统——墨块并非生硬的色块，而是由无数笔锋交织而成，蕴含着笔墨的韵律与生命力，让画面既有“视觉冲击力”，又不失“笔墨韵味”。

“金石入画”是李宝林山水画的另一大特色，也是其笔墨语言的核心所在。所谓“金石入画”，是指将书法中金石碑刻的笔法融入绘画，使线条更具厚重感、凝练感与历史感。李宝林早年对书法有深入研习，尤其对金石碑刻的苍劲笔法情有独钟，在转型山水画后，他将这种笔法融入山石、树木的勾勒中。

他笔下的线条，不再是传统山水画中“行云流水”的流畅线条，而是带有“顿挫转折”的刚劲线条，如同金石碑刻中的文字，每一笔都充满力量，仿佛能穿透纸张，传递出山石的“骨力”与“精神”。在《疆山铁铸》中，这种“金石笔法”体现得淋漓尽致——画面中的山石以粗壮的线条勾勒轮廓，线条的粗细变化、顿挫转折，既表现了山石的纹理与结构，又传递出“铁铸般”的坚硬质感，而树木的枝干则以扭曲的线条构成，如同钢铁般坚韧，与山石共同营造出“疆山如铁”的雄浑意境。这种“金石入画”的笔墨语言，不仅让李宝林的山水画具有了独特的“质感美”，更赋予了画面一种“历史厚重感”——仿佛画面中的山川并非一时一地的自然景观，而是承载着千年历史的文化符号，让人在欣赏山水之美的同时，感受到中华文明的源远流长。

李宝林的山水画还蕴含着强烈的“精神性”，这是他区别于其他山水画家的重要特质。他笔下的西部山川，不仅是自然景观的再现，更是对“崇高精神”的礼赞。无论是《祁连风骨》中的祁连山，还是《大山回响》中的西南边疆山川，都充满了“雄强”“刚健”“坚韧”的精神气质，这种气质既是西部山川本身的自然特质，也是李宝林个人精神的投射——军旅生涯培养的“家国情怀”与“刚健品格”，让他在面对西部山川时，产生了强烈的情感共鸣，他将这种共鸣融入创作，使画面中的山川具有了“人格化”的特征。

在《大山回响》中，他以浓墨大写意的手法表现西南边疆的恢弘气象，画面中的山川连绵起伏，墨色的浓淡变化营造出云雾缭绕的意境，而隐藏在云雾中的村落、道路，则暗示着人与自然的和谐共生。但更重要的是，画面中蕴含的“回响”——那是山川对历史的回响，是人与自然对话的回响，更是画家对家国、对时代的情感回响。这种“精神性”的注入，让李宝林的山水画超越了“风景写生”的范畴，成为一种“精神符号”，传递出当代中国人对祖国山河的热爱、对民族精神的坚守。

一位伟大的艺术家，不仅要在创作上有所突破，更要在学术传承与文化传播中承担起时代责任。李宝林正是如此，他在专注于个人创作的同时，始终致力于中国画的传承与创新，以实际行动推动着当代中国画的发展，展现出一位艺术家的“文化担当”。

作为中国美术家协会河山画会的名誉会长，李宝林长期主导河山画会的学术工作，成为推动中国画传承与创新的重要力量。河山画会成立于1987年，是中国当代极具影响力的山水画学术团体，其宗旨是“继承传统、师法自然、推动创新”，李可染、陆俨少等艺术大师曾担任顾问。李宝林在担任河山画会领导职务期间，始终秉持这一宗旨，组织开展了一系列学术活动——从“河山万里行”的写生活动，到“当代山水画学术研讨会”的理论探讨，再到“河山画会作品展”的成果展示，他始终致力于搭建一个“传统与现代对话、理论与实践结合”的学术平台。

在写生活动中，他带领画会成员深入名山大川，践行“师法自然”的创作理念，让画家们在与自然的对话中汲取创作灵感；在学术研讨中，他鼓励画家们探讨“传统笔墨如何适应时代需求”“山水画如何表现当代精神”等核心问题，推动中国画理论的创新与发展；在作品展中，他倡导“百花齐放”的艺术氛围，既展示传统风格的佳作，也鼓励具有创新意识的作品，让河山画会成为当代山水画创新的“孵化器”。

2025年，李宝林向中国国家画院捐赠51件作品，涵盖人物画与山水画精品，这一举措既是他对艺术事业的无私奉献，也是他“文化传承”理念的生动体现。此次捐赠的作品，不仅包括《大会师》等军旅题材人物画代表作，也包括《祁连风骨》《疆山铁铸》等山水画精品，几乎涵盖了他不同创作时期的重要作品。这些作品不仅具有极高的艺术价值，更具有重要的“学术研究价值”——它们完整地呈现了李宝林从人物画到山水画的转型轨迹，展现了他笔墨语言的演变过程，为研究当代中国画的发展提供了珍贵的“第一手资料”。

而将这些作品捐赠给国家画院，意味着这些艺术财富将被永久收藏、研究与展示，能够让更多人欣赏到优秀的中国画作品，也能为青年画家提供学习与借鉴的范本。这种“无私捐赠”的行为，体现了李宝林对“艺术为公”理念的坚守——他始终认为，艺术不是个人的私有财产，而是属于整个社会、整个民族的文化财富，只有让艺术回归社会，才能实现其最大的价值。

李宝林还以“学术评委”与“教育者”的身份，为当代中国画的人才培养贡献力量。作为享受国务院特殊津贴的专家，他多次担任全国美展评委，在评选过程中，他始终坚持“公平、公正、公开”的原则，既重视作品的笔墨功底，又关注作品的时代精神，既鼓励传统风格的传承，又支持创新探索，为中国画坛选拔出了一批优秀的青年画家。同时，他还通过讲座、研讨会等形式，向青年画家传授自己的创作经验与艺术理念，强调“笔墨传统不能丢”“师法自然是根本”“艺术要为时代服务”，引导青年画家树立正确的艺术观。在他的影响下，许多青年画家开始重新重视传统笔墨的学习，注重从自然中汲取灵感，推动了当代中国画“回归传统、面向时代”的发展趋势。

在当代中国画发展的进程中，李宝林的艺术不仅具有独特的个人风格，更具有深刻的时代意义——他的创作实践，为当代中国画如何“传承传统”“拥抱时代”“彰显精神”提供了重要启示，其艺术价值早已超越了个人创作的范畴，成为当代中国画发展的“精神坐标”。

从“传承与创新”的角度来看，李宝林的艺术为当代中国画提供了“守正创新”的典范。在当代美术界，“传统”与“创新”的关系始终是争论的焦点，有人认为“创新必须打破传统”，有人则认为“传承就是固守传统”。李宝林则以自己的创作实践证明：传统不是“枷锁”，而是“根基”；创新不是“颠覆”，而是“发展”。

他始终扎根于中国画的笔墨传统，从李可染的“大山水”理念到“金石入画”的笔墨语言，每一步创新都建立在对传统的深刻理解之上；同时，他又不被传统程式所束缚，而是结合军旅经历的精神特质、西部山川的自然特质，以及时代审美需求，创造出“块面结构”“雄浑风格”的新笔墨语言，实现了“传统笔墨”与“时代精神”的完美融合。这种“守正创新”的路径，为当代中国画画家提供了重要借鉴——只有真正理解传统的精神内核，才能在创新中不迷失方向；只有敢于突破传统的程式束缚，才能让传统艺术焕发生机。

从“艺术与精神”的角度来看，李宝林的艺术为当代中国画注入了“崇高精神”的力量。在消费主义盛行的当下，部分中国画作品陷入了“唯美主义”“形式主义”的误区，只追求画面的“漂亮”“精致”，却缺乏精神内涵，成为“无灵魂”的装饰。而李宝林的山水画则始终坚守“精神性”的追求，他笔下的山川不仅是“美的景观”，更是“精神的载体”——那雄浑的祁连山、铁铸的疆山，传递出的“刚健”“坚韧”“崇高”的精神，正是当代中国社会所需要的精神力量。在他的作品中，人们看到的不仅是山水之美，更看到了一个民族的精神品格，看到了一种积极向上、奋发有为的时代精神。这种“精神性”的注入，让中国画重新成为“时代精神的载体”，为当代中国画的“精神回归”提供了重要启示。

从“本土与国际”的角度来看，李宝林的艺术为中国山水画的“国际化传播”提供了重要路径。在全球化背景下，如何让中国山水画被世界理解和认可，是当代中国画面临的重要课题。李宝林的山水画，既扎根于中国传统文化的土壤，具有鲜明的“本土性”——其笔墨语言、构图理念、精神内涵，都源自中国传统绘画与文化；又具有“世界性”的审美特质——其“块面结构”的体积感表现、“雄浑风格”的视觉冲击力、“精神性”的情感表达，能够跨越文化界限，被世界观众所理解和欣赏。

他的作品在国际展览中受到广泛好评，正是因为其艺术既传递了中国文化的独特魅力，又契合了人类对“崇高精神”“自然之美”的共同追求。这种“本土性”与“世界性”的统一，为中国山水画的“国际化传播”提供了重要经验——只有立足本土，才能具有独特的文化魅力；只有面向世界，才能实现更广泛的文化影响。

李宝林的艺术生涯，是一部当代中国画的“坚守与突破”史。从中央美院的传统筑基，到军旅生涯的精神淬炼，再到转型山水画后的风格创新，他始终以笔墨为武器，以山河为载体，传递着对祖国的热爱、对传统的坚守、对时代的担当。他的山水画，不仅是视觉的艺术，更是精神的艺术；不仅是个人的创作，更是时代的印记。在当代中国画发展的进程中，李宝林的艺术如同一座灯塔，指引着当代画家在传统与现代的交汇点上不断探索，在本土与国际的对话中彰显中国文化的独特魅力。正如他笔下的祁连山、疆山一般，李宝林的艺术也将以其“雄浑风骨”，在当代美术史上留下浓墨重彩的一笔，为后人所铭记与敬仰。

张占峰 2025年6月于京华云海轩

作者：张占峰

张占峰，生于北京，现任北京走近画家编辑部主编，是中国书画艺术领域颇具影响力的资深编辑与研究者。多年来，他在美术评论领域颇有建树。他深耕此域，笔耕不辍，曾为诸多美术名家撰写评论文章，篇数颇丰。其评论既具专业洞察，又能精准捕捉作品特质，在业内积累了一定影响，是美术评论界值得关注的研究者。

以专业视角与深厚积淀，在艺术出版界形成了独特的学术风格与行业影响力。其职业生涯以艺术出版为核心阵地，深耕细作多年。 期间，他主编和编著了《传承-中国书画精品》《走近画家》《大家风范》《中国当代画坛精品集》等系列画集，以及《中国近现代名家画集》《中国当代名家画集》等多部精装画集。

这些作品均由北京工艺美术出版社、天津人民美术出版社、西泠印社出版社、荣宝斋出版社等国内顶尖艺术出版机构出版，累计编辑及主编艺术著作、画集逾百部，发行总量近一百多万册。 所编著的作品涵盖中国书画理论研究、名家作品集、美术评论等多元范畴，既注重学术深度的挖掘，又兼顾艺术表现力的呈现，实现了专业性与观赏性的有机统一 。因其编著作品突出的文化价值与广泛的艺术影响力，多部被中国国家图书馆列为馆藏图书，成为研究中国书画艺术的重要文献资源，为推动中国书画艺术的传承、研究与传播作出了切实而深远的贡献