李红育老师大师班——爵士鼓教学的逻辑和步骤及SOLO的八大要素

在近年来，爵士鼓作为打击乐音乐教育的重要组成部分，其受欢迎程度迅速攀升，与键盘类乐器并驾齐驱，成为音乐教育培训领域的热门之选。而作为爵士鼓教育品牌中的佼佼者，九拍，也成为众多学员和家长们的第一选择。

作为九拍创始人，李红育老师是中华人民共和国文化和旅游部文化艺术人才中心特聘打击乐专家委员会九位委员之一，协助国家制定了现代音乐学科的教师考核及评定标准。同时，李红育老师还担任青岛打击乐学院及天津艺术职业学院的外聘教授，并于2008年协助天津音乐学院附中建立了现代打击乐专业及现代音乐学科并亲自任教。

在天音附中任教的15年中，经李红育老师培养的几十名学生考入了美国、日本、加拿大、澳大利亚、丹麦、荷兰、德国、英国、新加坡等国家的知名音乐院校，并且连年为上海、天津、四川、武汉、西安等国内知名音乐院校输送了大量优秀的音乐人才。

九拍在教学过程中，尤其重视开发并提升学生的四肢协调能力、理解能力、分析能力、创作能力、听力、阅读能力、表现力等综合素养。

2019年，九拍创始人、九拍教育科技集团董事长李红育老师，在上海乐器展的教育大师班活动中，慷慨地分享了他多年积累的爵士鼓教学精髓与演奏技巧。这场讲座内容丰富，实用性强，为听众提供了宝贵的经验和启示。现在，让我们一同回顾并分享这些精彩的教学要点。

爵士鼓教学的逻辑和步骤及SOLO的八大要素

音乐的基本要素包含节奏、旋律、和声、曲式、曲调、速度、音色等，爵士鼓作为节奏乐器，相比较其他旋律乐器，入门更简单一些，但随着学习愈加深入，它又是最复杂的乐器，因为它是除了双排键之外，唯一一种靠四肢协调进行演奏的乐器。它考验的是大脑信息交换的能力，所以学习爵士鼓可以帮助左右脑的开发。

爵士鼓全技术内容的理解

01、知识与乐理常识

知识在教学中是不容忽视的，我们需要把知识进行有机的分步拆解。目前世界上几乎所有的音乐教材，在音符讲解方面，都是从全音符开始，但以李红育老师的个人经验来说，应该从四分音符开始。

李红育老师认为，在孩子学习音乐也就是教学的最初期，必须快速建立两个参照物，一个是拍点，即听力的训练，一个是时值，即时长的概念。

因此我把音符分为两大类，一种是二等分音符，另一种是三等分音符。如果我们能在一开始就给孩子灌输这样的概念，那么后面不管多少数量的音符他都能明白，可以按照这个逻辑去理解。

02、槌法

槌法分为常用槌法，包含单跳、双跳、Pradiddle等，还有一些其他槌法，我们用综合槌法（Stick Control）把它们囊括进去。

Paradiddle和复合跳是不同的概念，而Paradiddle是把单跳和双跳有机结合在一起形成的槌法。把单跳和双跳组合在一起有4种可能（十六分音符），演奏中只记双跳的位置就可以了。3、4的位置是双跳，前面是单跳。RLRR LRLL 是Single Paradiddle；1、2的位置是双跳，RRLR LLRL 是Reverse Paradiddle；2、3的位置是双跳，RLLR LRRL是Inward Paradiddle；两头是双跳，RLRL LRLR是Outward Paradiddle。这就是Paradiddle的四个基本存在形式。

Paradiddle的四个常用变化形式：

1、Single Paradiddle

2、Double Paradiddle

3、Triple paradiddle

4、Paradiddle Diddle

四个常用变化形式和四个基本存在形式构成了一个鼓手丰富演奏的基础，而且在阅读作品的时候会发现不是所有的作品都是按照小节线/拍数来完成的，这就可以追溯到一个理论：音乐源自生活，由以上得出：理解作品要从最基础的知识入手。

03、技法

技法分为常用技法和特殊技法，常用技法包含重音、倚音、滚奏、控制击打等，特殊技法包含Moller technique、Free Stroke等。

04、四肢协调开发

每一个肢体是一个点，两个肢体可以连成一条线。把双手叫做上横线，双脚叫做下横线；把左手左脚叫做左竖线，右手右脚叫做右竖线；右手左脚就是右上斜线，左手右脚就是左上斜线，也就是说可以把人的四肢分为6条线。

当两个肢体的协调练习完成后可以进行三个肢体的协调练习，关于三个肢体的协调练习，可以把四肢化为四个三角，经过了三个肢体四个角的训练和两个肢体六条线的训练才能够达到四肢协调。

槌法、技法、四肢协调应该同步向前、循序渐进地教学，而不是刻意追求速度等单项，忽略其他部分的提高。爵士鼓是一个综合能力的体现。老年人学打鼓对延缓大脑衰老也有积极的作用，教学机构可以考虑开发老年课程，日后会有巨大的市场空间。

05、风格音乐节奏型

爵士鼓在演奏的过程中95%或者更多是在伴奏，严格意义上来说，爵士鼓属于一件伴奏乐器，但偶尔会有一点独奏。

无论是做伴奏还是独奏，风格都特别重要。对孩子们来说，流行音乐、摇滚音乐和放克音乐他们在学习初期比较容易接受，对于教学来说，也是最方便的。我们可以先教他们喜欢的音乐，再逐渐灌输更多风格的音乐风格，比如拉丁、blues、jazz，逐步纳入我们的教学计划。

06、理念与应用

理念与应用是以上几个基础练习后最为关键的一项。作为一个鼓手，李红育老师认为理念是衡量一个鼓手是否具有创造力、是否与众不同、是否具有独树一帜的演奏风格的关键。

在教学中，我们要帮助孩子学会拥有自己的思想，引导他们的创作。我在天津音乐附中教课，主要就是针对孩子们理念部分的开发，我们会给到一个概念的练习，让他们自己去发展，孩子们非常乐在其中，在发展的过程中也学会了思考和创作。教师们通过授之以渔，可以将孩子们塑造成为潜力无限有个性符号的真正的音乐人。

07、动态与音乐性

音乐性是在教学过程中从一开始就要培养并且持续进行的，不同于以上技术方面，音乐性在于真正将爵士鼓当作乐器去驾驭去演奏。教师要有意识地去引导，帮助孩子们在演奏时越来越放松，音乐性越来越强。

08、作品

作品其实是前面七大版块内容的综合应用。李红育老师将作品分为音乐作品和独奏作品。

很多教学机构在教材的选用上是有误区的，选择了考级教材作为课程的教材，这是两个完全不同的概念。 考级教材是曲目，而曲目是结果。 需要让学生学习的是内容，学生学习内容的这个过程会自然而然地产生结果。 老师可以让学生在学完一个阶段后，通过一个作品对这一阶段各方面的学习做梳理和总结，这样他也将有能力去演奏更多的曲目，再进入下一个阶段的学习。

SOLO的基本要素

01、主题

Theme

SOLO的作品一定要有主题，无论在创作还是演奏的过程中一定要围绕着主题，这是非常重要的。

02、动态（呼吸与律动）

Dynamical (Breath and Groove)

所谓动态是指呼吸与律动。很多人认为groove就是鼓手演奏出节奏，但我认为groove是一个交互的行为。所以鼓手在SOLO的编写和创作过程中，要有意识地制造和观众互动的groove，让大家产生共鸣，这是一个好作品的前提。

03、乐趣（好听）

Fun

好作品给观众带来的感受是舒适的好听的。不要把自己狂躁或消极的情绪带到你的作品里，而是通过作品感染观众。

04、技术理念的应用

Technic Application

要有自己的理念和应用，否则你的演奏永远是学别人的，没有自己的风格。所有的演奏都要有自己的思想做支撑才能站得住。

05、音乐风格

Music Styles

音乐风格也是SOLO作品必须具备的。音乐是关乎感受的不是抽象的，因此我建议音乐风格不要过多，不要跨越太大，互相之间要有相关性，才能带给观众舒适的体验。

06、音乐结构设计

Form Design

我发现很多鼓手在SOLO的时候没有结构性，想到哪儿打到哪儿比较混乱，这样是不能称为作品的。对于SOLO演奏，我们要有结构设计的意识，包括前奏、A段、B段、间奏、尾奏等部分。

07、修辞手法

Language Method

修辞手法包括：排比(Parallelism)，反复(Repetition)，对偶(Matching)，顶真(Q&A)，对比(强弱、张弛、节奏) Contrast(Strength, Density, Rhythm)，仿词（模拟音效）Imitate (By sounds)，回环（循环乐句）Patterns Cycling，音乐性(Musically)。具体可以参照我编写的教材，里面有详述。

原创：小九

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