一炷高腔照古今——论川剧《焚香记》复排的经典传承与当代诠释

本文作者：陈鑫，四川传媒学院专任教师

川剧《焚香记》取材宋代民间故事：落魄书生王魁蒙焦桂英救助，二人于海神庙焚香立誓，许诺相守终身。待王魁高中状元，却贪图权贵入赘相府，背弃盟约。焦桂英接休书后悲愤难抑，自尽后魂魄赴阴司鸣冤，终至活捉负心人。这出叩问人心与信义的千古悲歌，从宋元南戏到明清传奇，被无数剧种改编搬演，却在川剧舞台上独步剧坛，久演不衰。

本次由四川艺术职业学院倾力复排的《焚香记》，肩负着川剧活态传承的使命。它不是对老版本的简单复刻，而是试图以现代视角重新诠释传统故事——在坚守川剧本体精髓的底色上，于文学、舞台、表演、传承几个层面，做了一次传统与当代的对话。一出八百年前的旧戏，为什么今天还能让观众坐得住？答案就藏在这几个层面的打磨里。

一、文学之维：经典母题的当代重读与价值激活

今天舞台上常见的《焚香记》，核心折子《情探》出自清末赵熙之手的改本。赵熙是前清翰林，诗古文辞都过硬。他把古本里比较粗朴的《活捉王魁》重新填词、点染意境，化用了不少唐诗宋词的句法，一下子把这出戏的文学品位提上来了。

《情探》开场，王魁在相府夜半登场，高腔帮腔唱出：“更阑静，夜色哀，明月如水浸楼台，透出了凄风一派。”短短二十一字，意境全出。尤其值得玩味的是那个“浸”字——不是“照”，不是“满”，是“浸”。一个字下去，月光就不是旁观的景物了，它变成了一层凉到骨头里的水，把整座相府、把这个负心人，从头到脚泡在寒意里。景、情、人、鬼，二十余字之间全部交融在一起。

本次复排在文学上做的工作，不只是恢复老本子的原貌，而是往深里挖了一步。导演郑德胜提出，剧中“一炷香”的寓意不止在海神庙里，更扎根于演员心中、巴蜀大地。复排没有把《焚香记》当陈旧的道德劝善戏来演，而是放在今天的语境下重新读，让八百年前的盟誓与背叛，依然能叩击今天观众的内心。

二、舞台之维：宋风美学与声腔融合的当代实验

本子是骨，舞台是肉。这次复排在舞美上花了不少心思，但最难的不是怎么创新，而是创新的时候别把川剧的根弄丢了。舞台整体走宋风路线，但川剧毕竟是写意的艺术，所以舞美没有走向繁复写实，而是用简约的视觉语言给演员留出空间。阴司判官、鬼卒这些传统桥段，保留了戏曲本体的表演精髓；同时融入现代灯光与视觉设计，使鬼魅世界既有传统的虚拟意趣，又有当代剧场的视觉张力。这种“守正”与“创新”之间的分寸，恰恰是传统戏曲复排最难拿捏的地方。

声腔层面也做了探索。本次复排把故事原发地域的沂蒙音乐元素，融入了川剧高腔的声腔体系里，在保留川剧韵味底色的同时，注入了新鲜的音乐色彩。现场乐队的演奏很有感染力，高腔帮腔与乐队的配合跟演员的表演、舞台的情绪一起呼吸。

三、表演之维：以心演心——文戏的极致考验

《打神》与《情探》是川剧旦角公认的两折重头戏，两段加起来近一个小时，演员只有短暂间隙抢装换头面，对体能、情绪把控都是极大考验。一个演员能不能立得住焦桂英这个人物，全看这两折戏的功夫深浅。

《打神》一折，舞台上其实只有三样东西：一个女人，一尊海神，两个牌子小鬼。桂英接到休书，独自一人来到海神庙。她从哭诉到质问，从质问到绝望，从绝望到爆发，最后一把扯下“皇家香火”的匾，怒打神像，撞柱自缢。这是一个女人从“信”到“不信”的全过程。她打的不是神，是那个曾经山盟海誓的男人；她毁的不是庙，是自己一生交付出去的那段真情。

《情探》一折，则把川剧“鬼狐旦”的表演艺术推到了极致。老艺人总结过八个字：“来似风摆柳，去若烟随云”。桂英此时已是一缕还带着旧情的鬼，她不是立刻来索命的，她是来“探”的——还抱着最后一丝希望，看王魁能不能回心转意。所以这折戏里，焦桂英不是狰狞的厉鬼，而是温柔的、犹豫的，甚至还带着几分旧情的痴魂。水袖一抛一收之间，抛出去的是旧情，收回来的是心寒。

主演刘谊说过一句话：“十个人演焦桂英，会有十种理解。”塑造人物的核心贵在走心——要置身人物境遇体悟心境，才能塑造出鲜活的舞台形象。《焚香记》是重内心刻画的文戏，特别考验演员几十年的舞台沉淀。焦桂英不是单纯的悲愤嘶吼，人物的悲苦怨愤蕴藏在唱腔身段之中，依靠川剧标志性的高腔与帮腔，层层传递人物跌宕复杂的内心世界。

四、传承之维：舞台与讲台之间的川剧根脉接续

作为四川艺术职业学院重点复排剧目，《焚香记》从立项之初就肩负着双重使命：它既是一台面向观众的舞台演出，也是一套面向教学的传承范本。这种“演教合一”的复排模式，为传统戏曲的活态传承提供了一条可行的路径。

刘谊身兼主演与川剧系主任双重身份。她讲复排的意义，讲了两层：一方面，复排珍贵传统剧目，是为了赓续川剧艺术的根脉；另一方面，以经典折子戏作为教学范本，把成熟的舞台表演体系转化为教学内容，能够系统地培育川剧新生代力量。在舞台与讲台之间，一出戏同时完成了艺术呈现与人才培养两重任务。

这种传承方式打破了传统戏曲“口传心授”的封闭模式，把完整的复排过程变成了一个开放的教学现场。青年演员不光能在台上看前辈怎么演，更能在排练场里全程参与创作。川剧的根脉，就是在这样一出一出戏的复排与教学中，一代一代接续下去的。

五、结语：八百年后的永恒叩问

八百年过去了，我们为什么还要在剧院里，看一个宋代女子打神、一个宋代书生发疯？因为这出戏叩问的问题，一点也不过时。当爱情遇上现实，当承诺遇上诱惑，一个底层出身的人终于爬进了他曾经仰望的阶层，回头看那个拉过他一把的人时，眼睛里还能不能留一点温度？桂英用死问了这个问题，王魁用疯回答了这个问题，而几百年后的我们坐在台下，其实每一个人，都在被这出戏悄悄地问一遍。

本次复排的意义，远不止于演一出经典好戏。它是在舞台与讲台之间，让八百年前的一炷香，依然燃在今天的剧场里，燃在青年演员的心中。川剧高腔那一声帮腔，从海神庙一直帮到相府，从宋代一直帮到今天。它帮的不是桂英一个人的冤，是所有被辜负过的真心；它传的不是一出戏的技艺，是一个民族对信义与真情的永恒持守。

*本文是四川艺术基金2026年度舞台艺术创作人才研修资助项目《川剧评论话语体系构建与青年评论员人才培训》研究成果