舞台之上，身体作答

在当代舞的舞台上，技巧不再是唯一的标尺，更多的是个体思绪、生活感知与内心状态的真实落地。方寸舞台之上，藏着旷野般的无限可能。相较于拥有成熟范式的传统舞剧，当代舞始终保持着开放、自由且私人的表达属性。它不固守固定的审美标准，也不受制式动作、叙事套路的束缚，更看重舞者个体的身体感知与真实思考。对年轻的舞者而言，当代舞提供了一种全新的表达方式，让舞蹈不再只是舞台上的表演技艺，而是可以承载情绪、记录生活、观察自我与关系的语言。身体的松弛与紧绷、靠近与疏离、停滞与流动，都能成为具体的表达。

“正在国际舞蹈节”Next Pulse竞创单元，为年轻创作者搭建起一个实践与交流的平台，包容多元的创作视角与青涩真诚的表达。年轻舞者们带着自己的原创短篇作品来到舞台，跳出课堂训练与成熟表演的固有框架，把日常的观察与微妙的体验，全部转化为独属于自己的肢体逻辑。他们持续创作，也在持续发问。

这些年轻的舞者，正在用身体与感知持续探索属于自己的表达方式。他们在一次次排练磨合、试错调整中，完成属于自己的舞蹈成长，而舞蹈，也在持续影响着他们看待世界的方式。

《两颗心脏》由马昌盛与申奥合作演绎，聚焦亲密关系里的同步与错位。他们用双人肢体对话，呈现人与人之间时而共振、时而疏离的状态。马昌盛在创作中不断重新理解身体与情绪的关系，申奥则在当代舞的探索里，把新的身体感知带回传统舞剧的表演之中。两种不同的舞蹈训练背景，在这次创作里彼此参照，互相滋养。在今年正在国际舞蹈节Next Pulse竞创单元中，马昌盛凭借在这一作品中的优秀表现，获得了哥德堡剧院舞团直通实习机会。

《两颗心脏》

马昌盛&申奥：不同频处的亲密共振

两颗心脏或许能短暂重叠节律，却终究无法共享同一份呼吸；亲密关系的真相，藏在共振与不断偏离的缝隙之中。

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一次共同奔赴的舞台体验

《两颗心脏》的创作原点，来自马昌盛一段真实的亲密关系体验。在与女友长达八年的亲密关系之中，他曾经执着于彼此完全同频，期待对方的想法、感受与自己高度对齐。慢慢地他才意识到，亲密关系并不以全然同步作为标尺。“两个人可以紧紧靠近，但依旧保有各自独立的个体，依附、牵制、拉扯、逃离会交替发生，爱不是天然共振，而是需要持续维系的一种状态。”

这部作品的首个版本曾经在第二十二届首尔国际舞蹈大赛获奖，这次来到正在国际舞蹈节Next Pulse竞创单元，身为编舞及舞者的马昌盛邀请了一起合作过舞剧《世说新语》的中戏师妹、来自北京歌剧舞剧院的舞者申奥加入。去年，申奥就已经来到过正在国际舞蹈节，虽然当时还是一名观众，但舞蹈节松弛纯粹的艺术氛围给她留下了很深的印象。最初收到入围通知时，马昌盛心中还带着比赛的紧迫感，但随着复排推进，和申奥一同打磨作品，他的心态慢慢发生转变，“现在胜负已经不是首位，我更看重舞台带来的学习与展示机会。能够入围这件事本身，就是一份珍贵的行业认可。”

相较于作品此前的竞赛版本，此次复排做出了核心的调整。之前参赛，为了适配赛事节奏，作品更侧重舞台张力与技术呈现，节奏紧凑、侧重吸睛的舞台效果。而这一次，他们彻底放下竞技心态，剥离冗余的技巧堆砌，回归作品最本真的内核。“我想把作品真正想说的话讲清楚，而不是追求技术难度的高低。”马昌盛说，创作的重心从炫技表演转向情绪与关系的真实表达，让作品的叙事更加温柔、完整且有力量。

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在肢体磨合中读懂真实

尽管二人拥有合作基础，但过往的同台更多是服务于整体舞剧的集体叙事，极少进行深度的双人肢体对话。《两颗心脏》几乎全程依靠双人紧密配合、肢体互动完成演绎，对两人的身体默契、表达节奏、情绪同频都是全新的考验，也让这次排练成为一场全新的探索与磨合。

整部作品的排练，没有纠结于高难度技巧的攻克，所有的打磨都聚焦于身体质感与表达真实度。马昌盛与申奥成长于不同的舞蹈体系，长期的职业环境差异，让两人的发力方式、肢体惯性、表演逻辑截然不同。这也让排练初期，两人常常出现肢体碰撞、节奏错位的问题。在马昌盛的创作理念里，这部作品最珍贵的是“真实”。他刻意摒弃了传统舞蹈程序化的修饰，哪怕是舞台上简单的行走、停顿、转身，都要求褪去表演痕迹，还原普通人纠结、拉扯、松弛的自然状态。“我不要夸张的张力，也不要刻意的柔软，我要的是最真实的人体状态。”

面对全新的身体语汇，申奥始终保持着探索与好奇，在适配作品风格的同时，也会基于自身的身体感知，给出最真实的反馈。她会主动沟通肢体动作的适配性，避免生硬复刻范式而丢失自我特质。这些来自舞者的细腻反馈，也成为马昌盛优化作品的重要灵感。“很多动作细节的修改，都是申奥带给我的启发。”在一次次沟通、试错、调整中，两人慢慢消解了身体的隔阂，适配了彼此的节奏，也让作品的双人关系表达越发细腻、鲜活。申奥也说，在深入排练的过程中，她逐渐读懂创作内核，真正理解了舞台上“既共振、又疏离”的微妙关系。

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身体认知的向内求索

这次创作与排练的过程，也让两位舞者对舞蹈、对自我表达有了更深层的认知。马昌盛有着中韩两国不同舞蹈体系的教育背景，在长期的学习与创作中，完成了自我舞蹈观念的彻底重塑。国内科班训练为他筑牢了扎实的基本功，注重作品完整性与角色叙事性；而韩国的现代舞学习经历，让他跳出传统表演思维，重构了身体与情绪的关系。他摒弃了过往“情绪先行”的表演模式，不再依靠面部表情外放情绪，而是让身体成为情绪的载体。“用身体告诉你我的情绪，即便看不到脸，也能感受到痛苦与挣扎。”

对于常年深耕传统大型舞剧舞台的申奥而言，真正打开当代舞的思维，是参与《世说新语》创排之后。对她而言，当代舞带来的改变，不只是身体技术层面，更多是向内审视自我感受的思维方式。当代舞的创作模式，让她第一次跳出“演绎角色”的思维，真正“表达自我”。当代舞带来的身体觉察、内心感知能力，也让她在演绎传统舞剧人物时，更能捕捉细腻的心理情绪，表演也更加松弛、有层次。这次的舞台创作，又是她突破固有表演边界、向内探索自我的一次重要契机。“当代舞是无穷无尽的探索，它让我学会关照自己的内心，也让我的身体拥有了更多表达的可能性。”

马昌盛

申奥

Q&A

mu：马昌盛先后在国内、韩国接受舞蹈教育，也在当地舞团工作，两种不同的舞蹈环境，分别对你的舞者审美和舞蹈理解带来哪些影响？

马昌盛：国内的学习给我打下很扎实的基本功，教学上也很看重作品完整度，强调塑造人物角色。到韩国读书、进舞团之后，我会更多把注意力放回身体本身。以前跳舞，我常常是情绪跑在肢体前面，情绪上来，表情先有强烈反应，再带动身体。受这边教授的训练思路影响，我现在更追求身体带动情绪。他会训练我们，表达痛苦、悲伤，就算戴上头套看不见脸，也要让观众从身体读出来。这也是我现在做作品很看重的一点。

mu：申奥常年参演大型院团舞剧，也接触当代舞创作。接触当代舞之后，给你的传统舞剧表演带来哪些启发，你的心态和表演发生了怎样的转变？

申奥：我经常在两种演出模式之间来回切换，一开始会有割裂感。演传统舞剧，要沉入角色内心；跳当代舞，要觉察自己的身体、重量，体察自身的情绪，需要不停在两种状态之间跳进跳出。慢慢地我不再把二者对立，也试着把两边的经验互相融合。接触当代舞之后，并没有干扰我演传统舞剧，反而让我的身体更好用。更重要的是内心层面，我学会向内关照自己，这份感知力也会迁移到舞剧人物的揣摩上。当代舞没有标准答案，是值得一直去探索的东西。

mu：现在会有许多普通观众走进剧场观看当代舞的演出，你们希望你们的演出会给观众留下怎样的感受？

马昌盛：我不会预设观众看完必须得到某一种固定感受，对我来说最重要的，是观众能够完完整整沉浸在整场表演里面，从头至尾不抽离。至于看完之后生出什么样的体会，都可以。

申奥：我很认同这点。这部作品带着类似心跳一样的力量，我希望它能够调动起观众，甚至让人心里生出想要起舞的冲动。也希望可以打破一部分人对当代舞的固有印象，让大家看见舞蹈还有更多不一样的表达玩法。

mu：本届正在国际舞蹈节的主题是“方寸旷野”，你们如何理解这个主题？

马昌盛：这个主题很有东方味道，谦逊又有开阔的野心。方寸可以是一方舞台，也可以是中国当代舞当下所处的位置；旷野代表向外打开的视野，世界各地创作者在这里汇聚，我们的作品也有机会被更多人看见。放到《两颗心脏》来看，创作起点只是我个人的一段情感经历，舞台只有两个人，但它探讨的议题，可以延伸到很多人的共同体验。

申奥：它很有哲学感。做当代舞，我们常常是在既定的框架，也就是方寸之中，去挖掘人无限的潜能，寻找更多可能性，这就是旷野的意义。

《猜想》中，梁景宇与龚锦程在舞台上塑造两个平凡小妖，借爬行、下腰这类原始的身体动态，抛出关于来路与去向的疑问。他们不寻求一个确定的答案，舞蹈变成一种自我消解的方式。两人把困境里的纠结放在肢体之中，不去强行给出结论。

《猜想》

梁景宇&龚锦程：于肢体间抛出没有答案的猜想

两个底层小妖的追问，也是每个普通人关于现实与自由的内心叩问。现实的桎梏与对自由的渴望彼此纠缠，被两位舞者装进一支短篇当代舞里，留给舞台下的每一个人自行回味。

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舞台之上的未完成

由沈盈盈担任编舞，梁景宇、龚锦程两位舞者演绎的男子双人舞《猜想》，以两个平凡小妖怪的诘问展开全篇。“我从哪里来，要到哪里去？为什么是这里，可以是别的地方吗？”这些发问并非严肃的哲学思辨，而是身处困境时一种自我消解。舞者依靠下腰、爬行这类原始动态塑造小妖形象，切片式灯光切割舞台，将二人的争辩具象化。一个心向象征自由的“天上”，一个坚持要直面现实，整套双人动作铺展过后，困境是否被化解没有给出确切结果，答案交由到场的观众自行填充。

这部作品曾经拿下第九届岭南舞蹈大赛双人舞组表演银奖、作品铜奖、编导铜奖。此次登上正在国际舞蹈节Next Pulse竞创单元的舞台，作品内核保持不变，只是在动作细节层面进行了调整。“岭南舞蹈大赛的时候，形象、结构和表达已经基本建构完整。这次反复揣摩打磨，有时候会感觉像诞生一支新作品，我们更多相信直觉。”舞者之一梁景宇介绍。

对两位舞者而言，表演这支作品最大的挑战，恰恰来自这份“未完成”的结尾。他们并不纠结观众的解读是否贴合创作本意，更在意能不能唤起观众想要解读的兴趣。“如果在观看的过程中，无论哪个环节，能引起观众的兴趣，那也是很欣慰的了。”梁景宇坦言，自己仍会担心，作品难以和台下观众建立真正有效的沟通。

在另一位舞者龚锦程的理解里，舞台上的两只小妖，更象是互为镜像的同伴。彼此看见对方身上的挣扎，有共鸣，也存在拉扯。现实与自由的摇摆，是所有人都会遭遇的处境，这份共通的生命体验，被他们揉进肢体表演之中。现实工作安排让排练很难凑出完整大块的时间，梁景宇、龚锦程各有日常演出任务，编导沈盈盈也处在博士在读阶段，能够重合排练的时段十分有限。好在每一次相聚，他们都能够快速进入状态，高效推进作品的打磨调整。作品没有固化的剧情框架，不少表演上的细节，都是在排练现场的不断试探之中慢慢生成。

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两种路径的舞者身份

梁景宇毕业于星海音乐学院舞蹈编导专业，身上同时承载舞者与编舞双重身份。一方面，他以表演者的身份参与各类舞台演出，足迹抵达广东现代舞周、法国阿维尼翁戏剧节等不同平台；另一方面，他持续输出个人编舞创作，《视听说》《沙丘》等原创作品陆续获得行业的看见。长期游走在两种身份之间，梁景宇认为舞者和编舞更象是同一份表达欲通向外部的两个出口。当作为舞者演绎他人的作品时，他会主动把自己放到表演者的位置，尊重编导对于整体结构、表达意图的构想，再结合自身的感知完成演绎。排练过程同时也是学习的过程，他会观察编导处理作品的思路与习惯，对照反思自己做编舞时的工作方式，吸收值得借鉴的部分。在不逾越出创作边界的前提下，舞者的体感和编舞的思考可以互相滋养，反哺舞台呈现。

和梁景宇兼具编创的经历不同，龚锦程的职业轨迹扎根院团舞台，作为南方歌舞团青年演员，浸泡在舞剧、音乐剧的叙事体系里，出演过《万家灯火》《黑凤梨》等诸多成熟剧目。大量具象化角色的表演经验，也让他在面对《猜想》这类抽象短篇时，需要完成一套表演逻辑的转换，作品更偏向营造一种氛围，把想象的空间交到观众手上。“我认为对于舞蹈来说，肢体是载体，想要表达的东西才是核心。跳舞该用什么样的情绪、你的力是该收还是该放，都是需要思考的。在这个小作品里，用有限的时间去塑造人物和想要表达的东西还是很难的。它不是要演‘发生了什么事’，而是演一种状态、一种情绪碎片、一种存在本身。角色塑造方面，从‘具象人物’变成‘意象载体’。”

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身体出发的旷野

梁景宇与舞蹈的相遇，始于小学一次校园节目选拔，偶然被选上之后断断续续接触跳舞，直到备考专业院校，才正式开启系统化的舞蹈训练。一路走来，舞蹈已经从一次偶然的机会，变成可以安身立命的事业。依靠舞台与相关工作获得收入，即便酬劳不算丰厚，他依旧对当下的生活状态感到知足。龚锦程走上舞蹈道路，则源于肢体本身带给他的触动，身体能够承载言语难以诉说的复杂情绪，这份力量深深吸引了他。职业舞者的生活并不轻松，奔波排练、反复打磨的煎熬时常伴随左右，但能够借由身体完成表达，依旧是他内心向往的生活方式。

正是抱着这样对舞蹈的期待，他们报名参与了正在国际舞蹈节Next Pulse竞创单元，展演机会和开放的交流氛围共同吸引着他们。在这里，把舞者所思所想传递给现场观众，目标会变得更加简单纯粹。阿那亚整个园区弥漫的艺术氛围也让他们印象深刻，各处分布着展览与演出，很多人专程来到这里感受艺术，坐落在海边的剧场，也更容易打开表演者自身。同时他们也意识到，短篇当代舞本身存在创作上的难度，要在有限的十几分钟内完成表达，需要持续做取舍与收敛，这对创作者和表演者都是持续的考验。

梁景宇

龚锦程

Q&A

mu：龚锦程常年出演叙事完整的音乐剧、舞台剧，依靠剧情、台词辅助塑造人物，这部作品更多依靠爬行、下腰这类纯粹肢体，你如何用身体去建立人物感？

龚锦程：所有肢体都对应一组本能：向往——受挫——退守。不需要发生一件什么事，不需要对手伤害它，身体自己完成这份拉扯。正是这份本能的拉扯，让空洞的技巧变成有生命的形象。重构动作质感，不做技巧外形。爬行可以是试探拖拽；下腰可以是被力量撑开，结束后塌落消散，而非漂亮收势，用身体习性塑造这个意象。把人物交给重量、呼吸、张力，面部表演做减法。身体时而沉重拖拽、时而虚浮，肌肉松紧的矛盾感，呈现它半幻半虚的特质。角色有舒展、探寻的渴望，也受自身局限，动作不必闭环圆满，可以伸手落空、力量中途溃散，契合《猜想》不确定的内核。

mu：对梁景宇来说，大湾区的舞蹈环境，给对你的舞蹈实践和创作表达带来了哪些影响？

梁景宇：我觉得大湾区的舞蹈环境有许多可以呈现、表达自我的机会，整体也相对开放包容，鼓励我在作品里大胆尝试。这里也有不少本土元素，我会试着把它们融入创作。身处这样的环境，我内心很舒适，也更敢放开手脚去表达。

mu：现在会有许多普通观众走进剧场观看当代舞的演出，你们希望你们的演出会给观众留下怎样的感受？

梁景宇：我希望观众看完我们的演出之后首先是觉得是好看的，是满足眼睛的，觉得不无聊的，再之后是能感觉到被传达了什么信息的，从而让观众有某些感受，再之后就是希望能让观众思考某些事情。

龚锦程：不希望给观众灌输标准答案。希望大家走出剧场，能够想起自己心里那一份关于现实与自由的细碎猜想就足够。

mu：本届正在国际舞蹈节的主题是“方寸旷野”，你们如何理解这个主题？

梁景宇：我认为是舞蹈与世界的关系，也是自己和世界的关系。舞蹈很小，世界很大，值得探索的还有很多；也可以说舞蹈很大，大到容纳得下全世界不同的人。理解了舞蹈，可以说就理解了世界，理解了世界，也就认识了自己，最终仍是为了将更清晰的自己投置在世界中。所以我解读到的“”方寸旷野”“就是体现了这样的关系。

郭爵恺与陈郁錡共同创作的《衡》，以接触棍作为媒介，去观察自我与他人之间的关系。他们在舞台上反复体会靠近、远离、偏移，感受平衡本身是短暂且不稳定的。编舞与舞者在排练中持续调整身体的重心，在一次次晃动里感知人和人之间的拉扯。

《衡》

郭爵恺&陈郁錡：在失衡之中靠近彼此

理想的平衡遥不可及，人与人真实的相处，大多发生在持续不断的失衡状态里。这也是双人舞《衡》想要传递给观众的现实观察。

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棍下流动的双人关系

十三分钟的《衡》，舞台上没有繁复布景，三根接触棍成为贯穿全程的核心载体。两个赤裸上身的舞者，依托细长的棍状物完成拉扯、支撑、避让，身体不断偏移、摇摆，试图寻得稳定，又一再滑向失衡。《衡》并不去描摹一个既定故事，而是把人与人相处之中靠近、疏离、回应、摇摆的种种状态，借由道具变得可视化。在这套身体逻辑里，平衡只是脑海里构想的理想终点，现实之中，人们只能在不断的晃动里找寻短暂共存的可能。

在两位舞者郭爵恺与陈郁錡的解读中，接触棍在舞台之上拥有多重身份。郭爵恺提到，需要放下武术套路里对抗式使用棍的思维，在道具带来的限制之中，摸索全新的身体表达。陈郁錡这样看待这件道具：“接触棍对我来说有时像一位伙伴，有时像水平仪，有时又像拐杖，它正在用不同的角色帮助我们找到平衡，或破坏这个平衡。”二人自幼都有武术训练基础，对棍类器械并不陌生，但排练的核心难点恰恰在于挣脱固有认知。

排练的过程，也是他们和这套全新身体逻辑不断磨合的过程。“物件都有它们自我的‘身体性’。排练时最大的难点在于：我能不能不要用传统武术的枪棍方式去使用它？当我们刻意抛开既有的套路与对抗思维，在此限制之下去探索、发展新的身体语汇，这个过程反而是最有趣且迷人的。”郭爵恺解释道。不同于多数从人的肢体出发开展创作的作品，《衡》的大量探索，都建立在人与物件的想象之上。排练场里，追求平衡却持续失衡，并非只存在于舞台文本，也常常发生在两位搭档真实的配合之间。

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身体出发的成长轨迹

作为作品的编舞同时也是表演者，郭爵恺需要在两种视角之间来回切换。早在创作《衡》这个作品之前，他就已经开始把玩、实验接触棍这个物件，积累了大量身体与道具的即兴素材，概念成型之后，整套作品的搭建才顺势推进。身兼编舞与舞者，他可以第一时间切身感知动作带来的身体反馈，却又需要时常从沉浸的双人互动中抽离，站在编导视角审视整体舞台效果。

同样是舞蹈实践者，郭爵恺与陈郁錡走上这条路的起点并不相同。郭爵恺因为家族环境，孩童时期便走进舞蹈教室。“后来我慢慢发现，年幼的自己与其说是热爱舞蹈动作，不如说是热爱‘表演’与舞台本身。在后续接受专业科班训练的漫长岁月里，我也逐渐触碰到舞蹈与表演背后更深层、更本质的精神，那种永无止境的探究感让我深深着迷至今。”现在全心投入创作与跳舞的状态，正是他所热爱且持续前行的模样。

陈郁錡的舞蹈起点，只是对身体运动朴素的喜爱，早年接触多种多样运动，之后才意识到舞蹈可以同时打开身体与精神两个维度。他曾在德国的职业剧场度过五年时光，与诸多国际编舞家合作。海外的职业经历，让他不断向内追问跳舞的本质，思考身体和自我之间的连结。这份思考没有止步于剧场舞台，回到家乡之后，他将一部分精力投入面向普通大众的身体觉察工作坊，把剧场里沉淀的身体认知，分享给没有专业舞蹈背景的普通人。二人一同作为“身体不止”的共同创办人，也在持续推动这类跨越剧场边界的身体实践。

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舞蹈不止于剧场舞台

舞蹈可以维持二人的生计，但这份职业并不轻松。支撑他们继续往前走的，除了内心对身体表达的信念，也来自一份分享的意愿，希望把自己多年积累的身体经验传递出去，给更多人带来启发。在他们看来，舞台表演本身并不因为是竞创单元就发生本质改变。无论面对评审还是普通观众，舞者都无法掌控外界的审美判断，能够把握的只有自身的呈现。“只要是在舞台上，就需要把全身的毛细孔打开，感知身边的伙伴、观众还有空气。”陈郁錡说。

对他们而言，剧场竞技演出和面向普通人的身体工坊，并不是两套割裂的事物。剧场只是身体实践的其中一个场域，而身体感知的探索，可以拥有很多不同的入口。也正是抱着这样的想法，他们带着《衡》来到了正在国际舞蹈节Next Pulse竞创单元，期待借由这次机会，和国内的创作者彼此看见、互相交流。他们也在思考，当代舞该如何卸下距离感，让普通观众能够从作品之中照见自己的生活经验。

编舞家

郭爵恺

表演者

陈郁锜

Q&A

mu：郭爵恺的创作融合了武术、马戏、翻滚等很多多元身体技术，这些训练经历，让你对舞蹈的理解有了怎样的改变？你怎么看待非传统科班舞蹈训练对于当代舞者的价值？

郭爵恺：我很喜欢学习新事物，那种从无到有摸索机制的感觉非常让人上瘾。我认为除了非科班传统舞蹈训练之外，身体更需要的是面对不同环境的“适应性”，爬山的身体、冲浪的身体、竞技的身体，广泛吸收非典型舞蹈的多元经验，会打破身体常规的动作惯性，为身体甚至大脑带来更多不可预期的刺激与养分。

mu：陈郁锜有多年欧洲职业剧场的演出经历，同时也在做面向普通人的身体觉察工作坊。一边是竞创舞台带有竞技属性的剧场表演，一边是非表演向大众身体实践，这两件事对你来说是什么样的关系？

陈郁锜：在欧洲职业剧场的工作时期，更多的是疑问，为何我喜欢跳舞以及我如何喜欢跳舞，去发现跳舞如何与身体连结，我觉得这是大众需要的东西。一边是竞创舞台，一边是大众身体实践，对我来说它们都是让所有人有不同的入口进到对身体产生兴趣的途径。

mu：现在会有许多普通观众走进剧场观看当代舞的演出，你们希望你们的演出会给观众留下怎样的感受？

郭爵恺：在踏入职业环境的过程中，我一直听到“当代舞难以与一般观众亲近”的说法，而我一直想去的方向，就是做出让一般观众也能产生共感的作品。这次带来《衡》，希望透过舞者与物件、人与人之间动态失衡的关系，能引发大家对日常人际关系产生更多层面的反思与思考。

陈郁锜：共鸣，并连结到自己生命里的片段。

mu：本届正在国际舞蹈节的主题是“方寸旷野”，你们如何理解这个主题？

郭爵恺：“方寸”是创作者自身所处的微小立足点，也是我对日常细微生活的凝视。当我把生活里的观察与感知转化进作品，再透过剧场里不同观众的视角与生命经验折射出多元的共鸣时，那个原本源于私密经验的“方寸”，便在相互映照中延展成了“旷野”。

陈郁锜：“方寸旷野”这个主题我觉得很有趣，对我来说舞台就是一个旷野，虽然不一定是方寸，但所有的作品在舞台上都是在塑造自己的世界，藉由肢体、音乐还有灯光。