2027春夏伦敦时装周 | 前世今生伦敦梦

迎来品牌创立170周年的Burberry和时隔25年再度回归伦敦时装周的McQueen，举重若轻地写下《奥德赛》一般的返乡史诗。而在英国时尚协会（BFC）NEWGEN项目扶持下一鸣惊人的Francesca Lake、Geordie Campbell以及Gui Rosa等新锐力量则像是忒勒玛科斯一样开启成长的征途。

更奇妙的是，在被无限可能填满的伦敦时装周，大家在这一季不约而同地选择回望自己出发的原点，聚焦于时装的本质。经典与变革构成了神奇的互文，复刻与创造勾连成前世今生的脉络。往昔荣耀也好，前途无量也好，此刻人们都希望拾起初心，轻装上阵。

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H&M

再度登陆伦敦时装周的H&M，携手摄影大师Nick Knight和SHOWstudio，以“联结”的概念作为出发点，用“H&M&YOU&I”的主题思索时装带给人与人之间的情感交流。

巴西芭蕾舞者Ingrid Silva以一段特别编排的舞蹈揭幕，长40米、宽2.5米的秀道被逐步激活点亮。

秀道一侧铺陈弧形镜面，另一侧呈现艺术家Karyn Nakamura的视频装置，共同构筑虚实交融的视觉空间。

当强调鲜明线条与剪裁力量的H&M Studio系列登场时，Nick Knight打造的互动体验随之启动——将艺术家Cliff Warner的时装插画转化为动态影像，模特在行走过程中与身后的插画产生互动，以自身步伐、动作与姿态带动视觉影像随之变化。这意味着模特的身体不再只是服装的载体，而是成为实时生成视觉内容的工具。服装、身体与影像之间形成了一种动态的、不可复制的三角关系。

女装系列第二篇章则以利落廓形与雕塑感造型，呈现对当代极简主义的全新诠释。模特手持创新灯光装置行走于秀道之上，进一步丰富整体视觉表达。

H&M 2026秋冬女装系列第三篇章以“收藏家精神”为灵感，与剪裁考究的H&M Atelier男装系列共同亮相。

临近尾声，为本场大秀整体构思并制作音乐的Labrinth惊喜现身秀道，现场演绎《I Want to Know What Love Is》，将现场氛围推向高潮。

Fakemink、Grace van Patten、Jackson White、Audrey Nuna、Diya Joukani及Manu Ríos等嘉宾亮相秀场前排，沉浸式体验时装与科技交融的艺术灵感。

从灵感到影像、从服装到表演，H&M将“人与人之间的联结”这一抽象命题转化为一场可被感知、可被参与的沉浸式体验，这不仅提供了一种关于“展示”本身的激进思路，更赋予了时装发布前所未有的媒介自觉性。

2

Francesca Lake

入选今年NEWGEN阵容的Francesca Lake来自于牙买加，这位备受瞩目的新星有着跨越服装制作、陶艺、装置、电影与散文等多种不同媒介的艺术创作能量。在这一季，她带来的系列名为“Wake the Town”——取自牙买加祝酒歌中“Wake the town and tell the people”的表达，同时双关牙买加葬礼守夜（wake）作为生命庆典的传统。Lake以“新加勒比视角”重新审视牙买加着装形式，剥离开刻板印象中海滩椰林的热带度假意象，而是进入故土文化中更深刻的部分。

同样的表达在这件蕾丝夹克上得到了更为极致的呈现。这件白色以桌布蕾丝和钩编工艺制作，背部饰以马卡龙十字架。这件夹克的意义远超一件服装本身。桌布蕾丝（tablecloth lace）是一种典型的家庭手工艺，通常由女性在家中完成，与殖民时期加勒比地区的家庭劳动密切相关。将其转化为男装外套的面料，意味着将一种被归入“女性领域”的工艺重新编码为男性身体的穿着。而背部的马卡龙十字架，则将宗教符号与一种近乎戏谑的柔软感并置——十字架不再是沉重的信仰宣言，而成为一种可以被穿戴、被展示、甚至被轻松对待的装饰。

3

Burberry

在执掌Burberry的最初，Daniel Lee有着重塑品牌英国性在当下表达的勃勃野心。在Burberry 2027夏季系列里，Trench Coat在轻量的尼龙和丝绵材质与明媚清新的色彩中生发出愉悦惬意的氛围。Daniel Lee用长短比例的变化和抽绳的收放解构着这款经典单品的形态，甚至将它作为一种可以反复引用的设计符号——风衣上的肩章、口袋和腰带被拆解、放大后以编织和错视手法“拼贴”在不同的单品上，是整个系列中最有趣的创意之一。

英国纺织艺术家Celia Birtwell的印花设计在这个系列中成为最直白的视觉线索，带来春夏的轻盈和明快。她标志性的图样设计在Burberry一贯的优雅简约中增添了更为生动自然的笔触。诙谐风趣的手绘格纹和人像笑脸，以钉珠和刺绣呈现的绚烂花卉，是凝聚匠人手工温度的妙艺，也带来令人赏心悦目的欣喜。这种洋溢着活力和欢愉的状态，让人恍惚间看到了Christopher Bailey执掌时期“烈火烹油，鲜花着锦”的经济上行期美学。

4

Oscar Ouyang

在上一季的伦敦时装周带来首秀之后，Oscar Ouyang再度回归。作为BFC NEWGEN主合作伙伴Pull&Bear “Canvas for Creativity”倡议的一部分，欧阳牧秋将他在北京与伦敦之间成长的经历转化为一个关于“服装作为社会语言”的系列，并推出与Pull&Bear合作的联名产品。新系列取名“Cygnet”——天鹅的幼鸟。不是天鹅，不是丑小鸭，是那个介于两者之间的、无法被定义的阶段。欧阳牧秋试图将这种少年时的迷茫又恣意的心境用对于经典单品的解构重组进行表达。荷叶边衬衫、猎装夹克以及晚宴马甲等等高识别度的英伦风格符号被扭曲、拆解和层叠，按照非常规的形态穿着——就像是那个迫切渴望长大的孩子在父母衣橱里胡乱翻找，搭配出自己心目中的理想模样。

如欧阳牧秋所说，这个系列有着“精致中微妙的混乱感（chic with a little chaos）”。裸露的肌肤、截短的廓形和性别流动的造型带来一种身份和表达上的“未完成感”，消解了那些经典单品背后源自既定的社会规则的权威——那些金银线刺绣、丝绸和天鹅绒都是为了正式场合而准备的华丽登场，但少年们还不熟悉成人世界的社交礼仪，只想按照自己的想法盛装一番。于是既有的词汇组成了在全新的语法下写就新的篇章，少年用自己的方式向世界介绍着自己。

5

Alexander McQueen

创意总监Seán McGirr显然也在期望着带领品牌找回设计师本人执掌时期的锋芒，于是整个系列发布的诸多选择都让人嗅到一丝熟悉的味道—秀场位于林肯律师学院教堂的地下墓穴，与Lee合作过的萨维尔街名店Huntsman为新系列打造了三款男装定制廓形，Lee的挚友 Shaun Leane为新系列创作身体装饰，更复刻了两件McQueen档案作品……对于品牌根源的回归是由内到外的。

对于品牌的忠实粉丝而言，这个系列显然也不难读懂。Seán McGirr以“暗夜天使”为主题，将萨维尔街的精准剪裁与伦敦地下反文化精神交织在一起。锋利夸张的肩膀和高而窄的腰线剪裁通过对轮廓的极端处理呈现出一种强烈的戏剧张力，宗教肖像画的调色盘与地下锐舞派对的水洗酸性色调印花则将这种冲突带向更高的维度。

用精湛的学院派工艺去表达特立独行的反叛乖张，用古典主义极致的美去描绘少数群体的异端棱角，这是描摹McQueen最为粗简的风格公式，也最能满足人们的预期。在这一点上Seán McGirr一直颇为出色，从他上任以来他一直懂得如何灵活提取McQueen档案库中如今已经被“神化”的经典元素转译到当代的审美语境当中。但一个核心的问题是模仿和再造似乎只能成为一个优等生，但是人们对于Alexander McQueen的期待是一个天才，二者之间最大的区别在于前者始终努力的方向是告诉世界“我即将成为谁”，而后者则是无视规则和期待地表达“我是谁”。如果没有后者这样天生的无畏与反叛，那些特立独行的不合常理的表达就会成为一场匠气的表演。

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Ahluwalia

Ahluwalia SS27系列“Revel”将社群的欢聚提炼为一种反抗世界动荡不安的确定性能量。从黑豹党成员的生活照片到FESTAC ’77呈现的泛非洲艺术狂欢，Priya Ahluwalia开始意识到比起单纯的反抗，制造欢乐和人与人之间的联结同样有着势不可挡的力量。于是奶油色和棕色构成了温暖的泥土基底，红、蓝、绿的跳跃色彩从中跃出，构筑起节日般欢悦的氛围。Priya Ahluwalia有意弱化了自己一贯擅长的密集印花和装饰，转而将焦点放在了剪裁和结构的打造上。带有环绕式拼片的牛仔裤、以腰封式下摆收尾的缎面上衣以及双层门襟的利落西装外套都在构造上缔造视觉亮点，巧妙地将庆典的仪式感和非洲文化色彩熔炼于时装之中。

本季Puma也继续与Ahluwalia进行联名合作，在系列中出现了重新演绎的 T7 运动夹克、针织足球上衣与针织连衣裙，以及换上新配色的 Ahluwalia Speedcat 鞋款；另有一款首次推出的鞋履新廓形，以黑银配色呈现。除与 PUMA 的合作外，Ahluwalia还首次推出了与饮品品牌 poppi 的新联名，以玻璃与宝石珠制成限量包挂系列。

7

Yaku

Yaku在伦敦时装周上已然成为了最受期待的秀场之一。与其说人们在期待一个新系列的发布，不如说是在期待设计师Yaku Stapleton又为他以家族成员为灵感的角色扮演游戏 (RPG)创作出来怎样的新章节。新一季延续了一贯的非洲未来主义美学风格，但故事场景却一扫此前荒芜沧桑的末世氛围，而变成家宅后院的一场烤肉派对。“Can't Rush Cooked Food”的主题温馨而有趣，这次Yaku不再为虚拟世界中的战士打造铠甲，而是为家族中的亲友们描画速写，记录那些令人会心一笑的轶事。

夸张的廓形和动物纹样延续着Yaku一贯的视觉元素，明亮的色彩和诙谐幽默的道具则带来更为轻快的叙事——现场有3D打印的泡沫音箱、Xbox手柄、巨型iPad、一只三头犬造型的包以及数不胜数的其他道具。Yaku Stapleton从自家的旧照片中寻找灵感，他希望用这个系列来回顾每个家人在大家族赋予的身份之前又有着怎样奇妙的经历，为这些近在眼前的人物创作属于他们的故事。

8

Charlie Constantinou

Charlie Constantinou将实用主义的机能美学与历史典籍中的古代服饰相结合，探索传统形制与现代美学之间的融合，让服饰的文化色彩和戏剧张力得以自然而然地融入到当下的生活场景。这位塞浦路斯裔英国设计师在2027春夏系列中以塞浦路斯传统服饰档案为研究起点。聚焦19世纪塞浦路斯从奥斯曼统治向英国殖民过渡时期——一个文化碰撞与融合最为剧烈的历史时刻。他将这一时期服饰上独特的褶皱和层叠形态提炼出来，让面料在不寻常的节点处自然聚集、堆叠，使衣物介于防震防护装备与天然有机体之间。Constantinou用更为放松的比例赋予衣物更多的呼吸空间，却依旧保持着自己的节奏——宽松却有结构，收紧却又肥大，剪裁利落但不僵硬。

面料层面的碰撞是这一季最突出的特征之一。以高性能防撕裂面料重构经典西装外套，天然亚麻和棉质面料与高技术合成面料形成鲜明的对比。这种有机与合成的对话贯穿整个系列，创造出一种既熟悉又陌生的质感。传统的花呢和亚麻让人想起英国的男装传统，但防撕裂面料和模块化构造则指向一种更具功能性和适应性的未来。色彩方面，系列从原始石墨色过渡到深靛蓝——呼应塞浦路斯传统Vrakas的染料缸与身份象征——再到代表地域景观的橄榄色，以节庆感的洋红、亮粉和手工染色渐变打破传统基调。而搭配的鞋履则与Nike Re-Create团队的合作，将Nike鞋款进行染色和涂层处理，精确匹配服装的色调与做旧质感.

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Yuhan Ao

Yuhan Ao的SS27系列“No Longer Guided”从一个很具体的地方开始：亚麻纺织厂。他在江西长大，早年的记忆里充满了祖母手工纺亚麻的画面——把原始的纤维拉出来、捻成线，一种冥想式的精确。这种安静、重复的工作给他留下了一个根本性的认知：一件衣服的背后，有大量看不见的时间和劳动。这个认知后来成了他整个品牌的方法论基础。在男装的设计语言上，最直观的体现是被置于服装表面的白色缝线，它揭示着衣服本身的结构，让一件衣服精湛剪裁背后的每一步操作都留下痕迹，把制作过程本身变成了服装的美学内容。

“No Longer Guided”这个系列名来自Arthur Rimbaud的诗作《醉舟》——船从曾经决定航向的力量中挣脱。材料也是一样：从既定的功能、历史和社会身份中解放出来，转而由自身的重量、质感、张力和运动来引导。后台向观众开放，试衣、调整和劳动的过程本身成为展示的一部分。整个系列不追问“材料能变成什么”，而是追问“当它不再被引导时，能成为什么”。

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_J.L-A.L_

_J.L-A.L_本季系列名为“Möbius”，以拓扑学中的莫比乌斯环为思维模型。在具体构造上，莫比乌斯的概念被转化为一系列精密操作：腰带环延伸并螺旋，纽扣改变方向，收尾扭曲打结。Breton 条纹被重新诠释，搭配以修复的维多利亚时期 17 Guinea 缝纫机编织的草帽。银质胸针使用 π 的不同因数控制圆上样条点来弯曲和扭曲，把数学的精确性和珠宝的手工感放在一起。_J.L-A.L_和PUMA第三次合作推出Cell Telion鞋款，也同样以莫比乌斯环图案贯穿新轮廓。

秀场以低压钠灯营造单色氛围，观众被包裹在黑白日落的物理感知中。_J.L-A.L_对色彩的处理方式值得特别留意：色彩并非通过后期图像处理移除，而是因为波长的缺失而自然消失。在单色光照射下，服装的纹理、结构和轮廓变得比色彩更加显著。这不是视觉上的简化，而是一种感知上的转移——当色彩的干扰被移除，观众被迫以更本真的方式观看服装的形式。