【人物访谈】孙鹏 | 2026留声机国际音乐比赛弦乐组评审、西安音乐学院管弦系大提琴教授

孙鹏 西安音乐学院管弦系大提琴教授、硕士研究生导师、俄罗斯大提琴博士

西安音乐学院管弦系大提琴教授，硕士研究生导师，俄罗斯大提琴博士，西安音乐学院交响乐团大提琴首席，曾任管弦系室内乐教研室主任。中国音乐家协会会员，中国音乐家协会室内乐学会理事，中国大提琴学会会员，陕西省音乐家协会第四次代表大会代表，陕西交响乐协会理事。本人在第四届陕西省青年文艺创作奖评比中荣获“青年音乐家奖”；所教学生曾在全国比赛中获少年组二等奖及中国作品演奏奖，亦在“爱琴杯”及各类比赛中获奖。

个人经历

毕业于西安音乐学院。2002年受西安音乐学院委派，曾赴德国随吕贝克国立音乐学院Tischbirek 教授学习大提琴教学法及演奏，期间随柏林汉斯·埃斯勒音乐学院Weltz教授学习室内乐演奏；并作为交响乐团大提琴首席参加德国全德音乐院校指挥比赛。先后参加德国莱比锡音乐学院与美国茱利亚音乐学院联合举办的夏季音乐学术研究会，德国汉诺威音乐学院室内乐研究会以及Oberstdorf夏季音乐节。2022年-2024年在俄罗斯莫斯科攻读大提琴演奏博士学位。

作为交响乐团大提琴声部首席，2005、2006年作为CISMA交响乐团大提琴声部首席与世界指挥大师夏尔·迪图瓦，钢琴大师玛尔塔·阿格里奇合作演出；2019年10月，在西安音乐学院70周年校庆庆典音乐会上担任西安音乐学院交响乐团大提琴首席。2019年11月，在西安音乐学院70周年校庆系列音乐会——叶小纲作品音乐会上担任西安音乐学院交响乐团大提琴首席。2024年10月，演出德国作曲家马勒《第二交响曲》（复活）参加西安音乐学院建校75周年庆典音乐会。12月，参加2025年陕西省新年音乐会，以及《艺术与科学的交汇—绿色的呼唤》交响合唱音乐会。2025年1月1日、3日，参加《艺术与科学的交汇》上海同济大学新年音乐会以及浙江省科协新年音乐会。2025年3月，参加陕西省文化厅资助项目《大河之魂》系列演出。5月参加西安音乐学院《纪念中国人民抗日战争暨世界反法西斯战争胜利80周年》专场音乐会。2026年6月6日周玲教授从教四十周年教学汇报音乐会。

在室内乐领域:2011年受聘担任第八届中国音乐金钟奖弦乐四重奏比赛复赛评委会委员；曾经作为西安四重奏成员出访巴哈马、古巴及美国鲍顿音乐节。2018年10月受邀担任第七届河南省专业声乐器乐大赛“文华奖”暨第四届河南音乐“金钟奖”评委。11月，作为。国家艺术基金专项资助“秦派二胡艺术—室内乐表演”项目成员成功演出结项音乐会。2020年8月，作为主持人获批陕西省文化旅游厅《舞台艺术创作-小型舞台艺术创作项目》。并于2021年9月结项。2020年11月与西安音乐学院“秦” 三重奏受邀参加中国音协室内乐学会与四川音乐学院联合举办的纪念贝多芬诞辰250周年音乐会。作为西安音乐学院管弦系室内乐教研室主任，连续组织四届管弦系室内乐艺术周，邀请国内外著名室内乐专家数十人来院演出、教学、座谈，有效的扩大室内乐演奏影响力。并且组织两届管弦系室内乐比赛，极大地调动了广大同学们参与室内乐学习的积极性，建立了良好的室内乐学习氛围。受邀参加天津音乐学院弦乐艺术节。多年担任青岛“大提琴的家”及历届“西安国际弦乐艺术周”专家，以及2021年、2025年“爱琴杯”第十一届暨第六届国际大提琴比赛评委，2025俄罗斯普罗科菲耶夫国际比赛（亚太赛区）评委。

访谈录

（以下内容根据访谈整理。组委会简称Q，孙鹏简称A）

Q ：您取得俄罗斯大提琴博士学位，俄罗斯大提琴学派在世界范围内享有很高声誉，这套演奏与教育体系，带给您最重要的启发是什么？ 在俄罗斯攻读博士阶段，无论是演奏训练还是学术研究，有哪些教学理念，回国之后被运用到您日常的教学当中？

A：俄罗斯大提琴学派带给我最核心、最深远的启发，是演奏技术、音乐表达与教育方法三者的高度统一。

在俄罗斯的系统研学中，我彻底跳出了“器乐训练只为精进技术”的固有认知。大提琴学习从来不是单纯打磨动作、追求音色亮度、演奏力度或舞台视觉效果，核心是让演奏者厘清本质：技术为音乐服务，音乐为表达赋能，而教育的终极意义，是引导学生建立完整、独立、专业的艺术判断体系。

俄罗斯学派极度重视声音的完整性、乐句的自然呼吸、乐曲结构的逻辑闭环，以及演奏者对作品时代风格、创作内核的精准解读。它培养的从来不是“只会快、准、响的演奏机器”，而是基本功扎实、思维独立、懂逻辑、有审美的成熟音乐人。

这套体系重塑了我的教育理念：大提琴教育绝非机械化的技能训练，而是对人的全方位培育。技术是立足的根基，音乐是学习的终极目的，科学的教学方法是贯穿全程的桥梁。优质的教学，最终是帮助学生养成可持续的练习能力、独立的审美判断能力与稳定的舞台表达能力。

在读博期间深耕的演奏训练与学术研究体系中，有三大核心教学理念，是我回国从教后始终坚守、落地践行的准则。

第一，深耕基础，却不局限于基础。

俄派教学将基本功视为一切演奏的核心根基，对持琴姿势、运弓逻辑、左手技法、音准节奏、音色控制等基础能力有着极致严苛的要求。但它最大的优势，是拒绝孤立化、碎片化的基础训练，始终将所有技术练习置于音乐作品中检验、打磨、优化。

因此我在日常教学中，会打破学生“音阶、练习曲、协奏曲、乐曲分开练习”的固化习惯，构建一体化的训练体系。左手技术服务于音准精准度与音乐线条的流畅性，右手运弓服务于音色层次变化与乐句情感表达，面对技术难点，不再依靠机械重复堆砌时长，而是深挖动作原理、找准问题核心、用科学方法高效突破。

第二，坚持先思考、后练习，拒绝无效练琴。

博士阶段的学术训练，让我深刻意识到，演奏是研究性、思辨性的艺术，而非单纯的模仿与复刻。优秀的演奏从不照搬老师的示范、盲从网络录音，更不盲目机械重复，核心是主动分析乐谱、解读作品、研判风格、校准自身演奏状态与身体动作。

我在教学中始终严格要求学生，建立“思考先行”的练习习惯：练前明确核心目标，遇困先剖析问题根源，摒弃“用时长换效果”的无效练习模式。每一次练琴都要清晰界定“练什么、为什么练、如何优化改进”，核心培养学生的自主学习、自我纠错、独立解题能力。毕竟学生无法永远依赖老师，成熟的专业学习，必然是自我驱动、自我迭代的过程。

第三，融合演奏训练与音乐认知，做到知其然、更知其所以然。

俄罗斯高阶音乐教育，早已打破“单一舞台演奏”的局限，融合了音乐史研究、作品深度分析、风格流派研判、舞台表演实践等多维内容。这让我明白，演奏者不能只纠结“怎么拉”，更要读懂“为什么这样拉”。

日常教学中，我会持续引导学生跳出单纯的技术层面，深耕作品创作背景、作曲家艺术风格、乐曲句法结构与情感内核。对待一首作品，不止打磨速度、力度等表层指标，更注重梳理情绪层次、段落关系、整体架构，让学生的演奏脱离机械的音符输出，成为有思想、有温度、有内核的音乐表达。

总而言之，俄派艺术体系让我坚守初心：让技术服务于音乐表达，让教育服务于人的成长。深耕系统性、研究性、完整性的艺术培养，实现基础训练、音乐理解、独立思考、科学练习与舞台表达的全方位统一。

Q ：作为西安音乐学院交响乐团大提琴首席，长期参与乐团排练、音乐会演出，乐团首席这份工作，对个人独奏能力、合奏协作能力带来哪些历练？现在很多学生重视独奏练习，但乐队合奏、室内乐能力相对薄弱，独奏演奏思维和乐团演奏思维，主要区别在哪里，应当如何转换？

A：多年乐团首席的舞台历练，是我艺术成长路上不可或缺的养分，实现了独奏能力与合奏素养的双向赋能、双向提升。在独奏能力提升层面，乐团实践实现了全方位反哺。

首先是锤炼了极致的舞台稳定性与专注力。交响乐团排练强度大、曲目覆盖面广、舞台演出标准高，长期在高压、高强度的艺术场景中打磨，能够有效提升演奏者的体能储备、心理抗压能力与临场状态把控力，让个人独奏演出更加从容、沉稳、自信。

其次是拓宽了音乐视野与审美格局。乐团曲目贯穿巴洛克、古典、浪漫、现代等各个时期，覆盖不同流派、不同作曲家的创作风格。海量的曲目积累与舞台实践，丰富了我的音乐语汇，沉淀了多元的审美认知，潜移默化地让独奏表达更具层次感与包容性。

最后是构建了全局化的作品认知。在交响乐团中，大提琴声部承担着和声基底、节奏支撑、旋律对位、独奏铺垫等多重核心角色。长期的声部协作与作品打磨，让我能够精准把控整部作品的整体架构、声部关系与音响平衡，跳出独奏的单一视角，让个人演奏更立体、更饱满、更贴合作品本意。

在合奏协作能力层面，乐团经历完成了全方位淬炼。

一是培养了敏锐的听觉与极致的融合意识。作为声部首席，需要时刻聆听全团音响动态，精准调整自身音色、音量、节奏与呼吸，适配声部节奏、贴合整体声场，练就了敏锐的“内在听觉”，深谙集体艺术中“分寸感”与“适配性”的核心要义。

二是提升了艺术沟通与团队引领能力。首席是指挥与声部之间的核心桥梁，既要精准解读指挥的艺术意图，完整传递给每一位声部成员，也要统筹统一声部弓法、指法、音色、呼吸，协调解决排练中的各类问题，极大锻炼了艺术沟通、统筹协作能力。

三是塑造了严谨的职业纪律与责任意识。乐团合奏讲究绝对的统一、精准与默契，个人的随意发挥、节奏偏差、音色失衡，都会破坏整体音乐质感。长期的乐团实践，让我深刻明白集体艺术中“服从、配合、坚守初心”的重要性，养成了严谨、敬业、负责的职业素养。

当下很多青年学习者存在“重独奏、轻合奏”的误区，核心症结在于无法完成独奏思维与乐团思维的切换，两种思维模式有着本质区别，也是弦乐学习者必须掌握的核心能力。

独奏思维的核心是“自我表达”，以个人演奏为核心，聚焦个人技术呈现、个性化音乐解读与独立舞台输出，优先打磨个人音色、乐句处理与情感表达。而乐团思维的核心是“集体共生”，以整体音乐效果为核心，强调声部平衡、节奏默契、音色融合、相互成就，讲究克制、适配与奉献。

想要实现两种思维的灵活切换，需要做好四点核心转变。

第一，心态转变：从“自我”到“共生”。进入合奏、室内乐、乐团场景时，需放下独奏家的个人表达执念，将自身定位为团队的一份子。相较于极致的个人展示，倾听同伴、适配整体、服务全局更为重要。

第二，听觉转变：从“只听自己”到“兼顾全局”。独奏时，听觉核心聚焦自身演奏的音准、音色、乐句；合奏时，需打开全域听觉，同步监听自身声部、其他声部、整体声场与指挥律动，时刻保持与团队的同频共振。

第三，表达转变：从“极致释放”到“有度克制”。合奏的力度、音色没有绝对标准，只有相对平衡。即便乐谱标注强奏，若与主旋律声部冲突，也需主动克制；即便标注弱奏，也要保证声音的支撑力与清晰度，通过大量合奏实践，建立精准的声场平衡认知。

第四，认知转变：从“只练分谱”到“通读总谱”。主动研读总谱，清晰认知自身声部在整部作品中的定位，明确何时主导旋律、何时铺垫和声、何时支撑节奏、何时对位呼应，精准拿捏演奏分寸，实现与团队的完美融合。

总而言之，独奏与合奏是弦乐演奏者的立身两翼，缺一不可。独奏锤炼个人艺术深度与个性，合奏拓宽艺术广度与格局。真正成熟的演奏者，必然能够在两种思维中自由切换，既有独当一面的艺术锋芒，也有兼容共生的合作智慧。

Q ：作为西安音乐学院管弦系大提琴教授、硕士研究生导师，本科学生与硕士研究生，在培养方向和训练侧重点上，会有哪些不同？

A：本科与硕士阶段同属大提琴专业系统化培养体系，但培养目标、核心定位、训练重点截然不同。本科是夯实根基、搭建体系，硕士是深化专业、走向成熟，分层培养、精准赋能，才能适配不同阶段学生的成长需求。

本科阶段：全方位筑基，构建可持续的专业能力体系

本科是大提琴专业学习的地基阶段，核心目标不是攻克高难度曲目，而是建立规范、稳定、科学的完整演奏与学习体系，为后续深造筑牢根基。训练侧重点集中在五大维度。

一是系统化技术筑基。全面打磨左手技法、右手运弓、音准节奏、音色控制、换把衔接、各类弓法等核心基础，规范每一个演奏动作，杜绝技术漏洞与不良习惯，拒绝盲目追求曲目难度。

二是广谱性曲目积累。广泛接触不同时代、不同风格、不同技术类型、不同体裁的作品，拓宽艺术边界，避免过早固化风格、局限曲目范围，形成多元的曲目储备与审美认知。

三是基础性音乐表达训练。引导学生读懂乐谱、梳理乐句逻辑、认知作品结构，摆脱“只会拉音符、无情感、无层次”的机械演奏，建立基础的音乐审美与表达意识。

四是常态化舞台能力培养。通过独奏、室内乐、乐队合奏、考试展演、公开演出等多种场景，让学生逐步适应舞台氛围，克服临场紧张，建立稳定的舞台心理素质与临场发挥能力。

五是科学化学习方法搭建。本科阶段最重要的成长，是摆脱“被动完成作业”的学习模式，学会自主规划练琴时间、精准排查技术问题、高效自我纠错、主动分析作品，养成终身受用的专业学习习惯。

硕士阶段：全方位精进，从学习者向职业音乐人转型

硕士阶段绝非本科学习的简单延续，而是在扎实根基之上的提质升级，核心目标是推动学生从“专业学习者”，成长为成熟的演奏者、教育者与研究者，训练侧重点更偏向专业化、深度化、职业化。

一是塑造成熟的个人演奏风格。硕士生需跳出模仿学习的阶段，摒弃照搬老师示范、复刻录音的固化模式，能够结合作品内涵、时代风格与个人理解，形成独立、完整、有辨识度的艺术表达，对每一首大型作品都有专属的专业研判与处理逻辑。

二是深化作品学术认知。不再停留在表层演奏，而是深耕作曲家创作背景、流派特征、作品结构逻辑、表演艺术传统，让每一处演奏处理都有学术支撑、有理论依据、有风格依据，实现“以学促演、以研赋能”。

三是打磨完整的舞台艺术呈现。对标专业音乐会演出标准，训练学生对整套曲目的整体把控能力，涵盖作品情绪层次设计、技术合理分配、舞台心态调整、整场演出的节奏把控，打造完整、成熟、高质量的舞台呈现效果。

四是培育专业教学与职业能力。结合学生未来职业发展方向，针对性培养教学思维、语言表达、作品分析、课堂把控等核心能力，适配高校教学、艺术培训、乐团演奏、文艺研究等多元职业场景，打破“只会演奏、不会教学、不会研究”的局限。

五是提升专业研究与思辨能力。引导学生学会主动发现专业问题、查阅文献资料、梳理研究思路、总结实践方法，形成独立的专业观点与研究能力，具备一定的学术研究与艺术创新素养。

Q:本次受邀担任留声机国际比赛弦乐组评委，结合教学、乐团实践，您认为国际音乐赛事对于青年大提琴演奏者，具备怎样的价值？

A：在我多年的教学、舞台实践与赛事评审经历中，国际音乐赛事的价值，从来不是一张获奖证书、一个比赛名次，而是青年演奏者阶段性的专业质检、高水平的艺术交流平台，更是驱动自身全方位成长的核心动力。

首先，赛事是高压场景下的全方位专业质检。

日常上课、练琴、排练均处于相对安全、熟悉的环境，学生有充足的时间反复调整、修正问题。但国际赛事是高强度、高压力、公开化的专业考核，要求选手在限定时间内，完整、稳定、高质量地呈现整套曲目。

这种极致的舞台场景，能够精准暴露日常训练中隐蔽的问题：音准节奏的稳定性、音色质感的抗检性、乐句呼吸的逻辑性、作品风格的统一性、舞台心态的成熟度，以及整套曲目演奏的体力分配与专注力把控。私下的优质练习状态，不代表舞台的稳定输出，而成熟的演奏能力，必须经得起公开、高压、专业的检验。

其次，赛事是打破认知壁垒的高端交流平台。

国际赛事汇聚了不同地域、不同教学体系、不同文化背景的参赛选手与专业评委。对青年学习者而言，比赛的核心不是与他人竞争，而是与优秀同龄人交流成长。通过聆听、观察、对比，学生能够看到多元的作品处理方式、差异化的技术优势、丰富的艺术表达风格，读懂不同教学体系的核心特点，明晰国际专业舞台的审美导向。

这能够有效打破单一课堂、单一环境形成的审美闭环，拓宽艺术视野，让学生清晰认知自身优势与不足，跳出固有学习惯性，实现突破式成长。

再者，赛事倒逼学习者完成系统化、高质量的能力升级。

完整的备赛周期，是一次全方位、高强度的专业打磨过程。备赛绝非简单练熟曲目，而是系统性梳理曲目体系、攻坚技术难点、规划乐句层次、深挖作品风格、优化体力分配、调整舞台心态，实现从“碎片化练琴”到“体系化备战”的转变。

这个过程能推动学生跳出“完成作业式”的被动学习，建立“音乐会级别的专业标准”，将技术、音乐、舞台、心理四大维度深度融合，养成系统化、精细化的专业素养。

最后，赛事助力青年学子建立职业化艺术认知。

国际赛事是职业音乐道路的预演。选手需要直面专业评委、公开观众、标准化流程与专业评价体系，真切理解职业演奏的核心要求：演奏不止取悦自己，更要有说服力、感染力；舞台状态必须稳定可控；作品解读要有专业依据；个人风格必须贴合作品内核，让学生提前建立职业音乐人素养与认知。

评审核心维度：分层研判，聚焦完整、稳定、可信的艺术呈现。

Q ：在评审打分的时候，您会重点关注选手哪些维度，音准、音色质量、技术完成度、作品风格把握，还是舞台整体表现力？

在评审打分中，我不会单一评判某一项能力，而是分层、综合研判选手的整体艺术素养，核心围绕五大递进式维度展开，各维度各司其职、相辅相成。

第一，音准与节奏是参赛底线，是专业演奏的立身根本。

音准、节奏是最基础、最核心的考核标准，也是评委打分的首要依据。部分选手过度追求舞台效果与技术亮点，却忽略基础功底，音准飘忽、节奏不稳、律动混乱，即便音乐想法再好，也无法形成可信的艺术呈现。评审中重点考察的，不是单次偶然的失误，而是整体音准体系的稳定性、内心节奏脉动的统一性，以及乐句推进的自然流畅度。

第二，音色质量决定音乐质感，彰显演奏功底。

优质的音色绝非单纯响亮、悦耳，而是干净通透、层次丰富、可控性强。评审过程中，我会重点关注发音质感、长音稳定性、换弓自然度、强弱对比的层次感、音色与乐句的适配度。很多青年选手技术娴熟，但音色僵硬、单薄、缺乏变化，过度用力追求舞台效果，丢失了音乐的松弛感与质感。真正的高分音色，是自然、通透、有支撑、有情绪、贴合作品内核的。

第三，技术完成度重在“有效落地”，拒绝徒有难度。

技术完成度不看曲目难度高低，也不单纯以“零失误”为标准，核心看技术是否有效服务于音乐表达。我会重点考察难点段落的稳定性、快速段落的清晰度、慢速段落的把控力、复杂技巧的自然度，以及整套曲目的完整度。盲目选择超能力范围的高难度曲目，反而会暴露功底短板，唯有适配自身能力、高质量完成、精准服务音乐的技术呈现，才是优质的演奏。

第四，作品风格把握彰显音乐修养，区分演奏层次。

风格把控是普通演奏与成熟演奏的核心分水岭。评审中会精准研判选手是否读懂作品的时代属性：巴洛克作品的句法规整与结构清晰、古典作品的平衡克制与形式美感、浪漫作品的情感层次与张力变化、现代作品的节奏精准与音响特质。坚决摒弃“千曲一面”的固化处理模式，能够精准区分作曲家风格、贴合作品时代内核，是高水平演奏的核心标志。

第五，舞台整体表现力决定最终呈现质感。

优质的舞台表现力绝非夸张的肢体动作与刻意的情绪渲染，而是真诚、沉浸式、完整的音乐输出。我会关注选手上台状态、演奏专注力、音乐方向感、乐句呼吸感、情绪自然度与整场作品的结构完整性。舞台微小的技术瑕疵可以包容，但机械僵硬、缺乏思考、没有交流的演奏，无法打动评委。高分演奏的共性，是各项能力均衡稳定，拥有完整、真诚、可信的音乐表达。

Q :在越来越多的赛事增设重奏组别，您如何看待独奏比赛与重奏项目，分别对于大提琴人才成长起到的作用？

A ：当下越来越多国际赛事增设重奏组别，是行业人才培养的重要进步。独奏与重奏项目定位不同、侧重不同，二者互补共生，是青年大提琴学习者成长的两大核心载体。

独奏赛事，锤炼个人核心能力与独立艺术人格。

独奏比拼的是选手的综合个人素养，全方位检验个人曲目储备、技术难度把控、个性化音乐表达、独立舞台心态、作品研判能力与艺术判断力。独奏舞台的压力集中于一人，所有技术、心理、音乐问题都需独立解决，能够快速打磨个人演奏锋芒、夯实专业功底、塑造独特艺术风格。

但独奏训练也存在一定局限：长期单一聚焦个人表达，容易让学生过度关注自身音色与演奏，忽略声部平衡、听觉适配与团队协作，形成封闭的艺术认知。

重奏赛事，培育听觉思维与音乐共生能力。

重奏的核心价值，是培养学生的聆听能力、协作能力与音乐对话能力。重奏不是多人演奏的简单叠加，而是全员共生的艺术创造。参与重奏训练与比赛，能够帮助学生养成主动聆听、适配声部、把控平衡、默契配合的能力，读懂主次关系、懂得取舍让步、学会音乐交流。

这对大提琴学习者尤为重要。大提琴在重奏、室内乐、交响乐团中承担着旋律、和声、节奏、对位等多重角色，唯有深耕重奏，才能真正读懂大提琴的乐器属性与艺术价值，跳出“只会独奏、不懂适配”的局限。

独奏塑造“独立的我”，重奏成就“共生的我们”，二者相辅相成、互不矛盾。扎实的独奏功底，能为重奏提供清晰的音乐判断、稳定的技术输出；丰富的重奏经验，能让独奏演奏更具层次感、呼吸感与全局观。

同时，重奏能够分散舞台压力，帮助学生在协作中建立自信，培养尊重、倾听、配合、沟通的职业素养，为未来艺术道路奠定坚实的人格基础。真正优秀的大提琴人才，必然是既能独立绽放艺术光芒，也能从容融入集体声场。

Q ：请为本次留声机国际比赛全部弦乐参赛选手，以及全国广大大提琴学习者送上您的寄语。

A ：音乐之路，是一场贵在坚守、敬于热爱、成于踏实的漫长修行。比赛从来不是终点，学习也不为一瞬的舞台荣光、一时的掌声荣誉，而是在日复一日的深耕中，不断贴近音乐的本质，成就更完整的自己。

致本次参赛的所有弦乐选手：请珍惜每一次站上专业舞台的机会。比赛的意义，从来不止于名次与奖项，更在于你全力以赴的备赛过程、勇敢真诚的舞台表达、从容笃定的自我突破。能够克服压力、完整呈现、大胆表达，本身就是最珍贵的成长。

希望大家在舞台之上，保持专注亦保持松弛，坚守自信亦常怀谦逊。放下功利心，以最纯粹的状态呈现平日的积累，让音乐替自己发声，坦然接受每一次成长与蜕变。

致全国所有深耕大提琴的学习者：学艺之路，最忌急于求成。不必追逐速度与难度的浮华，要深耕基础、敏锐听觉、沉淀思考、坚守初心。用心打磨每一个音准、每一处节奏、每一段音色、每一次呼吸，读懂每一首作品的内核，沉淀属于自己的艺术审美。

真正能在艺术道路上走得稳、走得远的人，从来不是进步最快的人，而是始终回归本源、脚踏实地、持续精进的人。

愿大家始终保持纯粹热爱，兼具清醒与笃定；勤于深耕苦练，亦懂科学求索；坚守个人艺术个性，亦敬畏作品本源；精进独奏表达能力，亦修炼合奏协作格局。

愿每一位琴者，都能在琴弦之间沉淀本心、收获成长，在音乐长河中汲取温暖而持久的力量，步履不停、行稳致远。

最后，预祝本次留声机国际比赛圆满成功，愿所有参赛选手不负耕耘、不负热爱！