欧亚数字艺术在广州展开对话

策展人之一顾振清在现场进行导览。

如果屏幕里的图像会自己生长、变化，甚至回应你——它是一件作品，还是一种新的“生命”?走进这个展览，你看到的也许不只是作品，更是一群正在生长的“数字物种”。

近日，“数字物种:第12届欧亚MEDIATIONS数字艺术双年展”在广州美术学院大学城美术馆开幕。展览汇集来自中国、德国、波兰、蒙古国和意大利的34组(位)艺术家及艺术组合，以数字媒介、模拟媒介、静态影像、动画、声音和互动装置等多种形态，讨论人工智能加速发展背景下，生命、智能、尺度、感知与物质之间正在被重新书写的关系。

本届双年展由广州美术学院主办，广州美术学院大学城美术馆、广州美术学院绘画艺术学院、广州美术学院数字艺术科技研究所承办。范勃担任总策划，顾振清、托马斯·温德兰、哈罗·施密德担任策展人，洪荣满、朱自杰担任执行策展人。展览既呈现中国艺术家对算法、人工智能与数字生活的持续探索，也引入德国、波兰、蒙古国、意大利艺术家的多样实践，使不同文化背景、媒介方法和技术观念在同一现场相互映照。

据介绍，MEDIATIONS双年展的国际交流脉络可追溯至1993年开始的“Inner　Spaces”艺术节，以及2007年在波兰波兹南举办的“亚洲—欧洲:MEDIATIONS”展览，2008年正式形成双年展。

广州美术学院大学城美术馆馆长陈晓阳认为，“MEDIATIONS”包含着沟通、转译和在差异之间建立联系的意思。此次“数字物种”延续了这一问题意识，并将讨论推进到数字技术与人工智能深度介入生活的当下:当技术参与图像生产、影响判断乃至改变人际交往，人们应如何重新理解人的位置?

　　两条策展线索，从生命边界走向身体感知　　

展览以“数字物种”为总体命题，并通过“尺度”与“物质的共振”两条策展线索展开。三个主题分别从新型存在、观看方式与身体经验进入同一个问题:技术越来越深地参与创造与认知之后，人如何重新确认自身与机器、环境之间的关系?

策展人顾振清将“数字物种”置于AGI文明临界点的语境中。当代码冲破屏幕边界，算法不再只是完成指令的工具，也开始生成图像、行为和叙事。他表示:“每一件作品都是艺术家与机器对话的结晶。”展览由此把“物种”作为一种开放的艺术设问，审视数字形态的演化、人机共生的新秩序，以及技术加速背后的文明风险与价值困境。陈晓阳也指出:“这里的‘物种’首先是一种艺术性的设问。”重要的并非急于判断这些形态是否属于生命，而是借此重新思考生命、智能和创造之间原本看似稳定的边界。

“尺度”把问题转向人凭借什么认识世界。策展人托马斯·温德兰从微观量子世界到宏观宇宙的尺度跨度出发，将静态图像与动画、模拟媒介与数字媒介并置。他在前言中提出:“通过改变图像的尺度，我们改变了感知视角。”当图像脱离人体与日常经验建立的比例，熟悉的事物可能变得陌生，观众也由此意识到，人的观看只是理解世界的一种方式，身体未必是衡量宇宙的唯一标准。

“物质的共振”则让讨论回到身体。策展人哈罗·施密德关注光与能量如何在空间中传递，又如何通过反射、振动、反馈和残像在材料与身体中继续发生。他认为:“展览空间本身也成为了一个共振体。”光不只是可见现象，也是触发物质、空间与时间反应的媒介；作品之间由此形成信号与反馈的网络。观众站在哪里、停留多久、怎样移动，也会改变对作品的感受。数字经验并未离开物质，而是始终需要设备、材料、空间和人的感官才能成立。　　

在广州落地，让展览成为开放的美术馆课堂　　

双年展来到广州，也进入珠三角具体的生产与城市语境。这里制造、设计与日常生活联系紧密，材料怎样加工、产品如何生产、技术如何被使用，都是艺术家与学生可以在现实中观察的问题。与此同时，广州的口岸历史使艺术观念长期在人的迁徙、图像传播和教育交流中变化。陈晓阳说:“我更愿意把岭南经验理解为一种在交流中回应现实的方法。”国际艺术家的问题与本地制造经验、城市生活相遇，也让数字艺术的讨论从抽象技术落到材料、工艺、劳动和使用经验。

作为高校美术馆，广州美术学院大学城美术馆更关心展览如何继续转化为教学、研究与创作。此次展览由美术馆、绘画艺术学院和数字艺术科技研究所共同承办，具备跨专业合作基础。学生不仅可以研究作品为何选择某种媒介、技术与观念是否互相支持，也可以在条件允许时参与安装、调试与记录，理解作品从构想进入公共空间所经历的判断与协作。相较于PPT或手机屏幕，数字艺术的时间、声音、空间关系，以及身体进入其中的感受，更需要在原作现场获得。

人工智能快速更新，也让艺术教育重新面对“培养什么人”的问题。工具的掌握固然重要，但观察现实、提出问题、理解他人经验和作出独立判断的能力，无法被技术替代。作品技术文献、艺术家访谈、工作坊记录以及学生提出的问题，也可以成为展览结束后的教学研究资料。陈晓阳期待，美术馆能够成为“一个新类型知识生产与传播的发动机”，让展览不只提供观看，也持续推动新的学习、创作与合作。　　

南都专访

　　广州美术学院美术馆馆长陈晓阳:

　　数字艺术进入广州与大学课堂

南都:“欧亚MEDIATIONS”已经举办至第12届，该展览品牌最初从何而来?此次“数字物种”与此前历届展览有着怎样的联系?

陈晓阳:这个展览有一个持续发展的国际交流背景。MEDIATIONS双年展的脉络应该可以追溯到1993年开始的“Inner　Spaces”艺术节，以及2007年在波兰波兹南举办的“亚洲—欧洲:MEDIATIONS”展览，2008年正式形成双年展。它的一个重要出发点，是从中欧的历史文化经验出发，推动不同地区艺术家之间的对话，为理解全球变化提供不同的感受和视角。因此，我理解“MEDIATIONS”这个名称，包含着沟通、转译和在差异之间建立联系的意思。它关注不同文化如何彼此理解，也关注艺术如何让我们接近那些尚未被充分认识的经验。

此次“数字物种”延续了这样的问题意识，只是将讨论进一步放到了数字技术和人工智能正在改变生活的当下。当技术开始参与图像生产、影响我们的判断，甚至改变人与人之间的交往，我们如何重新理解人的位置?对广美美术馆而言，这个展览也延续了我们“立足区域艺术，关注全球对话”的学术思路。国际交流的价值，在于让不同经验进入同一个讨论现场。来自波兰、德国等地的艺术家对技术、物质与感知的理解，与中国艺术家的实践相遇，也能帮助我们重新认识自己身处的变化。

南都:“数字物种”“尺度”和“物质的共振”这三个看似不同的主题，如何放在同一个展览叙事中?你希望观众在参观过程中逐步理解怎样的问题?

陈晓阳:可以把它们理解为进入同一个问题的三个角度:

“数字物种”提出总体问题。当数字形象能够生成、变化、回应我们，甚至使人产生情感上的联系时，我们如何理解这些新的存在?这里的“物种”首先是一种艺术性的设问，它让我们重新思考生命、智能和创造之间的边界。

“尺度”则是进一步追问，我们凭借什么认识世界。人的身体和日常经验，构成了我们判断大小、远近和时间长短的基础，但技术使我们能够接触超出日常感知的微观和宏观世界。当图像的尺度发生变化，原本熟悉的事物可能变得陌生，我们也会意识到，人的观看只是理解世界的一种方式。

“物质的共振”把这些问题带回身体。光、声音、振动和残像，都会在空间中发生，也会在身体里留下感受。数字经验并没有脱离物质，它依然通过设备、材料、空间和人的感官才得以成立。观众在展厅里停留多久、站在哪里、怎样移动，都可能影响他对作品的理解。

所以，我们希望观众可以从对陌生形态的好奇，逐渐转向对自身观看方式的观察:在数字时代，我们看到的到底是什么?技术帮助我们看见了怎样未知的世界，又怎样改变了我们的感受?这种意识可能比记住某个技术名词更有意义，艺术总是能够让一些抽象的问题转化为可具身感受的作品。

南都:能否以展览中的一件作品/一位艺术家为例，解读它/他如何回应人与技术之间的关系?

陈晓阳:我想以既是策展人也是参展艺术家的哈罗·施密德为例。他具有美术与地质学、古生物学的双重学习背景，科学观察和艺术实验在他的实践中有很具体的联系。例如，他此前的《Crossing　the　Universe》系列，把投影设备、水和运动中的物体组织为一种可以进入的实验情境；由此生成的影像，可以让人联想到分子结构、几何纹样，也可能像宇宙中的空间站。

这类实践让我们意识到，一个图像如何被理解，与装置的运作方式、观看所处的位置和观众已有的知识都有密切关系。技术参与了我们对世界的认识，艺术则让这个认识过程变得可以被观察和思考。这也有助于理解他此次提出的“物质的共振”的概念，关注光和信号如何传递，又如何在材料、空间和身体中产生回应。

另一位策展人温德兰的实践也有相近之处。他长期跨越影像、声音、装置、绘画等媒介，关注人如何通过感官接近“未知”世界。他们都在尝试把技术放回感知和物质经验之中。模拟媒介与数字媒介可以共存，细微的声音、光线和空间变化也能成为作品的重要部分。当然，波兰与德国的艺术实践各有背景，不能简单归结为一种统一的“欧洲风格”。对我们而言，更有启发的是这些具体的方法，以及艺术家怎样通过技术提出问题，怎样让观众重新认识自己的身体和经验。

南都:广州的制造业基础、科技产业、城市文化和岭南经验，是否为此次双年展在广州美术学院大学城美术馆展出提供了独特条件?

陈晓阳:当然有关联，而且这些条件不只体现在作品制作和技术实现上，也体现在我们理解作品的经验之中。把广州放在珠三角的区域联系中看，制造、设计与日常生活之间的关系非常密切。材料怎样加工，产品怎样生产，技术怎样进入生活，对这里的艺术家和学生而言，都是可以在现实中观察的问题。这种条件使艺术与技术的讨论能够落到具体的材料、工艺、劳动和使用经验上。广州的口岸历史同样重要。一直以来，我们很重视研究粤籍海外艺术家、华侨艺术与美术教育，就不断看到，艺术观念是在人的迁徙、图像传播和教育交流中发生变化的。今天的数字艺术虽然面对新的媒介条件，但我们仍然需要理解，技术进入不同地方之后，怎样被吸收、转化，形成不同的表达。因此，我更愿意把岭南经验理解为一种在交流中回应现实的方法。此次展览来到广州，值得期待的是，国际艺术家的问题能够与本地的生产经验、城市生活和教育实践发生联系；我们也能够从自身经验出发，对这些共同问题作出回应。

南都:作为一所高校美术馆，你如何看待这类国际数字艺术展在馆内的定位?它除了面向公众展示前沿艺术，还能如何进入学校的教学与研究，为学生提供课堂之外的学习和创作机会?

陈晓阳:大学美术馆有一个很重要的条件，就是展览背后有持续开展的教学和研究。我们引进一个国际展览时，会考虑它能够为师生带来什么问题，这些问题能否继续转化为课程、研究和创作。上次接受南都采访时，我介绍过我们有一个长期的“开放的美术馆课堂”项目，邀请老师和学生多来到美术馆的原作现场开展课程学习，这与他们在PPT上看作品图片有很大的不同。对于数字艺术，这种差异更加明显。作品的时间、声音、空间关系，以及身体进入其中的感受，很难通过手持屏幕完整传达。展厅可以成为一个共同观察和讨论的现场，让不同专业的学生围绕同一件作品，提出各自的问题。

此外，这次展览由美术馆、绘画艺术学院和数字艺术科技研究所共同承办，本身就具备跨专业合作的基础。我们希望进一步把这种合作落实到学习过程里。例如，让学生从一件作品出发，研究它为什么选择某种媒介，技术与作品的观念是否相互支持，再通过小型实验检验自己的理解。条件允许时，也可以让学生参与作品安装、调试和记录，理解一件作品从构想到进入公共空间，需要经历怎样的判断与协作。人工智能的发展确实给艺术教育带来了紧迫的问题。但技术更新越快，我们越需要想清楚要培养学生什么。除了掌握工具，学生还需要形成观察现实、提出问题、理解他人经验和作出独立判断的能力。身体经验、材料感受和与人交往的能力，也需要在具体实践中持续培养。

同时，对美术馆而言，我们也会及时把这些变化的过程留下来。作品的技术文献、艺术家访谈、工作坊记录，以及学生提出的问题，都可以成为后续教学与研究的资料。这样，展览结束之后，它所带来的讨论仍然能够继续。我希望美术馆像一个新类型知识生产与传播的发动机，让展览成为推动新的学习、创作和合作的开放平台，也让师生的参与反过来丰富美术馆新的实践。

本版采写:南都记者 朱蓉婷

图片由广州美术学院大学城美术馆提供