对话丘挺 | 在“读画”的基础上，重建“知行合一”的创作理论与实践体系

8月5日下午，徐惠泉《林泉高致》高士人物山水画作品展开幕活动暨艺术惠风“阳山艺潭”公益讲座在苏州高新区国画院徐惠泉艺术空间成功举行。丘挺教授在苏州开展的两小时公益讲座，干货满满、意犹未尽，让在场听众对中国画的创作理论与鉴赏逻辑有了全新认知。作为广东客家人，丘挺教授因夫人是苏州人，常笑着自称“苏州女婿”，骨子里早已深深爱上苏州的温婉、爱上江南的文脉气韵。也正是这份深厚的情感，让他对江南文脉、明四大家的艺术成就与特点有着格外深入的研究与独到的见解。

在讲座中，他多次结合自身研究成果展开分享，观点新颖、剖析透彻，句句贴合江南艺术语境，受到苏州观众的一致好评。作为深耕中国画领域多年的学者与创作者，丘挺教授始终致力于中国画语言的探索与理论研究，尤其在水墨探索中注重与不同文化“对话”，寻找传统的开放边界。讲座一开始，他就开门见山地指出：

水墨画是带有历史化的观念，在传统的知识系统里，它是精神生活的重要方式。无论是从古代或是在当代，它兼具日常性、生活性、行为性、仪式性，而超越性是水墨精神之旨归。传统雅集、送别、渔樵、行旅、问道、耕读等，无不有之。比如经久不衰的《潇湘八景》中去国怀乡的诗画吟咏，沈周画《墨牡丹》记录的挑灯夜赏的追写，落花诗中文征明、唐寅等人的吟咏唱和，石涛《黄砚旅诗意册》记游式山水等，不胜枚举。世俗情怀与诗性的超越精神相融相化，思古之情与求新之念错综生发。因此，深厚的中国画不仅仅是单纯的绘画，它的内容就是思想，是一种很有学问的人文之学。这些积极因子均是值得当代水墨艺术再挖掘，可以启发当代水墨画的地方。

近日，江南时报社原社长、总编辑，江苏省当代艺术创作研究会执行秘书长管云林结合丘挺教授的讲座，围绕“读画”意识、中国画创作理论的重构、当代创作困境等核心话题与丘挺展开深入交流，梳理其核心思想，为当代中国画的发展提供思考与启迪。

一、知行合一：当代中国画创作理论的“知”“行”割裂之困

管云林：丘挺教授，您好！您的讲座让我们深受启发，首先想请您谈谈，您认为当代中国画创作理论面临的最突出问题是什么？

丘挺：您好！在我看来，当代中国画创作理论最核心的问题，就是“知”与“行”的割裂。王阳明在《传习录》中曾言：“知之真切笃实处，即是行；行之明觉精察处，即是知，知行工夫本不可离。”这句话放在中国画创作领域同样适用。当下，我们的研究过度偏向物质史、文化史等外部视角，很多学者将中国画作品当作佐证历史、文化的“材料”，却忽略了绘画之为绘画的根本——笔墨、形式与创作生成过程。这种“知”脱离“行”的状态，让创作理论沦为空疏的议论，难以真正指导创作实践。

管云林：这种割裂具体体现在哪些方面？对中国画创作产生了哪些影响？

丘挺：最直观的体现就是，源自创作现场的“读画之学”日趋淡薄。现在很多关于中国画的研究，热衷于用跨学科的理论框架去解读作品，比如用社会史、哲学思想史的视角去分析，却很少有人静下心来凝视画面本身，辨析笔墨的提按、皴擦、点染，探究形式的生成逻辑。这种“观念先行”的研究方式，容易让我们陷入概念堆叠的误区，看似观点新颖，却无法触及中国画的本体价值。

五代董源《潇湘图》

这种割裂带来的影响是深远的。一方面，创作理论无法为创作者提供有效的指导，导致很多创作者在创作中缺乏明确的方向，要么盲目复古，要么一味迎合西方观念，难以形成兼具传统文脉与当代意趣的作品；另一方面，也让艺术批评失去了应有的判断力，很多批评文章流于泛化表态，无法针对作品的笔墨、气韵、语言表达进行专业辨析，难以回应笔墨失根、精神弱化等核心问题。这也是为什么当下中国画创作看似繁荣，却始终缺乏能真正体现时代精神、形成审美典范的“高峰”作品的重要原因。

二、读画为本：重建中国画创作理论的核心根基

管云林：正是基于这样的困境，您提出要重建中国画创作理论的“读画”意识，能否请您具体阐释一下，“读画”的核心内涵是什么？它为何能成为破解当前困境的关键？

丘挺：“读画”并非简单的观看，而是一种立足创作现场、回归作品本体的审美与研究能力，是创作者、鉴赏者与收藏者在具体的观看实践中，从笔墨、结构与画面的物质性线索中归纳而出的能力。它的核心，是将“形而上”的审美境界与“形而下”的笔墨章法紧密缝合，建立一套贴合中国画本体的品评体系。

元黄公望《富春山居图》（局部）

传统中国画学中，“读画”有着深厚的根基。苏轼言“味摩诘之诗，诗中有画，观摩诘之画，画中有诗”，郭熙用“三远”标举山水经营之法，赵孟頫复归“古意”，董其昌据笔墨排定山水“南北二宗”，这些经典论述，无一不是从笔墨理路、空间营造出发，将品评落实到具体的创作细节之中。这种知行相贯的“读画”传统，为中国画提供了丰富饱满、严谨系统的阐释，也确立了中国画作为独立知识对象的地位。

当下重提“读画”，本质上是要重新确立中国画创作理论立论的基础。我们需要通过“读画”，回应三个彼此关联的核心问题：一是“为谁创作”，明确作品在时代生活与现实经验中的对象意识与精神指向；二是“如何创作”，探索如何将现实经验转化为笔墨语言，让题材真正进入笔墨、形式与结构的生成过程；三是“应创作什么样的中国画作品”，建立可被时代检验的视觉创造、精神深度与文化品格尺度。只有回归“读画”，才能让理论真正扎根创作现场，破解“知”“行”割裂的困境。

三、观念革新：中国画除了写意、写实，更有写真

管云林：在讲座中，您旗帜鲜明地指出“中国画除了写意、写实，还有写真”，这一观点让人耳目一新，能否请您详细解读一下这一理念？它与“读画”意识又有着怎样的关联？

丘挺：这一观点的提出，正是基于我对中国画本体语言的长期探索与思考。长期以来，我们对中国画的认知往往局限于“写意”与“写实”二元对立的框架中，写意强调主观情感的抒发，写实注重客观物象的再现，但这种划分忽略了中国画最核心的特质——“写真”。这里的“写真”，并非简单的物象复刻，而是立足笔墨本体，将客观物象的内在精神与创作者的主观体悟相融合，追求“形神兼备”的艺术境界。

明沈周《牡丹图轴》

“写真”既区别于写实的机械复刻，也不同于写意的过度主观化，它要求创作者在深入观察物象的基础上，通过笔墨的锤炼，捕捉物象的内在神韵，同时融入自身的情感与思考，让作品既有物象的真实质感，又有精神的深度表达。比如传统山水画中，画家并非简单描摹山水的外形，而是通过笔墨的皴擦、渲染，展现山水的气韵与风骨，这就是“写真”的体现。

这一理念与“读画”意识紧密相连。“读画”的过程，本质上就是读懂作品如何“写真”的过程——读懂创作者如何通过笔墨语言，将物象的真实与内心的感悟相融合，读懂作品背后的精神内核。只有树立“写真”的理念，才能打破写意与写实的二元对立，让中国画的创作回归本体，在传统与当代的融合中找到新的发展路径。

四、边界与坚守：跨学科阐释中的“读画”立场

管云林：当下，跨学科研究成为艺术领域的重要趋势，这为中国画的阐释提供了更多维度，但也带来了一些问题。您认为在跨学科研究中，我们应如何坚守“读画”的立场，把握好阐释的边界？

丘挺：跨学科视角的引入，确实极大地拓宽了中国画阐释的边界，让我们能够从社会、历史、哲学等多个维度解读作品，揭示图像与制度、礼法、权力想象之间的关联，这是值得肯定的。但我们必须警惕“观念先行”的程式化倾向，不能让跨学科研究沦为概念的堆叠，更不能让外部理论遮蔽了中国画的本体价值。

比如，我们在解读《韩熙载夜宴图》时，不能仅仅将其置于“政治窥探”的叙事框架中，忽略其作为绘画的形式问题、媒介属性与内部关系——长卷特有的时空叙事逻辑、屏风建筑划分的多重空间、人物形象在线条疏密组织中形成的视觉享受，这些都是“读画”需要关注的核心内容。

再比如，晚清外销画的研究，不能简单套用“东方主义”的框架，而要关注本土画工在异域媒介模仿中带入的传统笔墨经验，那种跨媒介转换中的语言痕迹，才是艺术史应当守住的解释边界。

北宋郭熙《早春图》（局部）

在跨学科研究中坚守“读画”立场，核心就是要做到“外部方法为体，作品本体为核”。任何外部证据与宏观判断的引入，都必须以“读画”为落脚点，找到材料证据与作品本身的笔墨章法、位置经营间的逻辑互证关系。

我们可以借助跨学科的方法拓展研究视野，但最终的落脚点必须是作品本身，是笔墨、形式与创作生成的内在逻辑，这样才能保证中国画研究的独立性与专业性。

五、破局之路：以“读画”重建当代中国画的创作与批评生态

管云林：结合当下中国画的展览生态与创作现状，您认为我们应如何以“读画”意识为引领，破解当前的创作困境，推动中国画从“高原”走向“高峰”？

丘挺：当下中国画创作存在的诸多问题，比如题材同质化、笔墨空心化、风格套路化等，本质上都与“读画”意识的缺失有关。很多创作者缺乏对经典作品的深入研读，缺乏对笔墨本体的锤炼，盲目迎合展览与市场的需求，导致作品缺乏精神深度与艺术个性。要破解这些困境，必须从创作、展览、批评三个维度发力，以“读画”意识重建良性的艺术生态。

在创作层面，创作者要树立“读画”的自觉，既要深入研读传统经典作品，把握笔墨理路与精神内核，也要注重自身的实践锤炼，将传统文脉与当代经验有机融合，避免陷入“国展体”“工笔腔”等套路化创作。要坚守“写真”的理念，在深入观察生活、体悟时代的基础上，让题材真正转化为笔墨语言，让作品既有传统底蕴，又有当代气息。

在展览层面，要优化展览评价体系，打破单一的评价标准，更加注重作品的笔墨质量、精神深度与艺术个性，引导创作者回归创作本体，避免趋同的、相对安全的表达方式。无论是体制性展览还是市场化展览，都要坚守艺术初心，为真正有思想、有温度、有深度的作品提供展示平台。

在批评层面，要推动艺术批评重新回到“读画”的立场，批评者要提升自身的专业素养，深入作品内部，针对笔墨、形式、气韵等核心要素展开专业分析，避免泛化表态与宣传性总结。要建立兼具传统文脉与当代视野的价值尺度，直面传统与当代、本土与西方之间的关系，真正发挥批评引领创作、检验作品质量的作用。

管云林：非常感谢丘挺教授的精彩分享！您的观点不仅为当代中国画创作理论的重构提供了重要思路，也为广大创作者与研究者指明了方向。最后，想请您谈谈，您对当代中国画的未来发展有怎样的期待？

丘挺：我始终坚信，中国画有着强大的生命力与发展潜力。当代中国画的发展，关键在于能否守住本体、勇于创新，能否在“读画”的基础上，重建“知行合一”的创作理论与实践体系。我期待，未来有更多的创作者、研究者能够重视“读画”意识，回归作品本体、语言自身与创作现场，在传统与当代的对话中，在本土与世界的交流中，创作出更多兼具精神深度与文化品格的经典作品，让中国画真正走向世界，铸就属于我们这个时代的艺术高峰。

明沈周《写生册》

两个小时的讲座和后续深度对话，丘挺教授以深厚的学术积淀与丰富的实践经验，系统梳理了“读画”意识的核心内涵与当代价值，也为当代中国画的发展破解了诸多困惑。从“知行合一”的理论反思，到“写真”理念的提出，再到跨学科研究的边界坚守，丘挺教授的思考始终围绕中国画本体展开，为我们呈现了一幅清晰的当代中国画发展图景。相信在“读画”意识的引领下，当代中国画必将突破当前的困境，在传承中创新，在创新中发展，迎来更加繁荣的明天。

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（来源：永远的江南）

画家简介

丘挺，1971年生于广东。中央美术学院教授，中央美术学院中国画学院院长，中国国家画院研究员，清华大学书法研究所研究员，上海大学美术学院教授、博士生导师，浙江大学艺术与考古学院专业委员会委员。长期致力于中国画语言的探索与理论研究，注重各艺术门类的比较研究。

书画作品被故宫博物院、中国美术馆、波士顿美术馆、加拿大安大略省博物馆、法国布列塔尼联邦委员会、浙江美术馆、广东美术馆、中央美术学院美术馆等重要机构收藏。出版的专著及画册有《延月·梳风——丘挺作品集》《丘园养素——丘挺书法集》《山水画笔墨技法详解》《宋代山水画造境研究》《中国当代艺术家谈艺录——丘挺卷》《丘园养素》《丘园养素——桂林黄姚写生册》《山水之眼》等。