中剧崛起、守住“笨功夫”，2026春交会释出怎样的行业声音？

综编 | 宇宙

来源 | 看电视

2026年5月13日，“2026首都视听节目春交会暨首都视听产业协会成立20周年开幕式暨主论坛”以及“廿载薪火·剧向新程 剧集创作论坛”在北京会议中心举行。恰逢首都视听产业协会成立二十周年，这场聚焦行业趋势与未来发展的论坛，也成为观察中国视听产业新一轮变革的重要窗口。

从CVB发布的最新收视数据，到AI技术重塑内容生产逻辑；从长剧、中剧、微短剧的生态演进，到“长期主义”“精品创作”“内容价值”等关键词被反复提及，与会嘉宾围绕“技术浪潮下，视听行业如何守正创新”展开讨论。

行业正在经历一场深层次的系统性重构，但在快速变化的市场环境中，“内容为王”“创作初心”“人文价值”依然被视为行业发展的核心底座。这场论坛既是一次关于产业趋势的集中观察，也折射出中国视听行业对于“精品”“技术”与“未来”的持续思考。

以下为“2026首都视听节目春交会暨首都视听产业协会成立20周年开幕式暨主论坛”及剧集创作论坛环节部分嘉宾发言内容整理，本文在现场发言基础上进行了一定整理与删减，以下为论坛演讲实录节选。

总局广播影视信息网络中心副主任邓向冬：电视剧行业五年复盘与新趋势

我今天主要想通过CVB的数据，和大家分享近五年电视剧行业的发展趋势，以及今年以来剧集市场的新变化。

从整体数据来看，电视剧依然是全国卫视频道播出体量最大的节目类型。2021年至2025年间，全国电视剧年均播出量达到23.8万集，收视总时长持续增长。2025年电视剧收视总时长达到690亿小时，较2021年增长16.7%。这说明，尽管媒介环境不断变化，电视剧依旧是大众文化生活中的核心内容形态。

同时，我们也看到一些新的变化。2025年收视总规模同比增长9%，但单次观看时长有所缩短，反映出观众注意力和时间正在被进一步切分。在这样的背景下，行业更需要以精品内容稳住用户、激活市场。

从题材结构来看，目前剧集市场已经形成“主流题材引领、多元题材共生”的格局。都市、革命、刑侦、年代、历史等题材持续保持强势。

今年以来，年代剧表现尤为突出，《好好的时光》《小城大事》等作品，通过怀旧叙事和时代情感，激发了广泛共鸣；现实题材剧则聚焦生态保护、司法民生等议题，回应时代关切；历史正剧《太平年》更创下CVB历史正剧收视新高，带动了观众“追剧学史”的热潮，也形成了文化传播与文旅消费联动的新现象。

与此同时，微短剧和中剧等新业态也在快速成长。今年已有15家卫视频道播出微短剧，累计收视规模达到11.9亿人次，题材涵盖都市情感、非遗文旅、AI短剧等多个方向。

我们也注意到，中剧这种20分钟左右体量的新内容形态，正在成为连接长剧与短剧的重要接口，其精品化趋势值得行业持续关注。

AI技术的发展也为行业带来了新的可能。规划院和信息网络中心正在探索建立AI生成内容的评价体系，希望推动技术真正服务于内容创作，而不是替代创作本身。

总体来看，今年以来长剧精品云集，微短剧创新活跃，中剧开始崭露头角，各类内容共同构成了更加丰富的视听生态。

未来，CVB也将持续推进大小屏融合的全媒体评价体系建设，为行业精品创作提供更加科学的数据支撑。

中国广播电视社会组织联合会副会长李京盛：

明晰影视创作变与不变

今天行业最大的关键词，是“系统性变革”。

AI、大数据、全媒体传播正在深刻改变行业生态，创作模式、传播路径、受众习惯都在发生重构。面对这种变化，行业里出现了两种倾向：一种是“变革焦虑”，担心传统创作经验失效；另一种则是“技术万能论”，把AI和算法视为解决一切问题的钥匙。我认为，这两种看法都值得警惕。

技术革命从来不是对文艺传统的彻底否定，而是在原有经验基础上的升级迭代。真正有生命力的艺术，始终是在与技术融合中不断焕新的。影视行业今天最重要的，不是简单追风口，而是厘清“什么该变，什么不能变”。

我想重点谈四个“变与不变”。

第一，生产和传播形式在变，但内容创作的核心根基不能变。AI可以辅助剧本生成、后期制作、精准分发，但它无法真正塑造人物、创造情感、建立共鸣。内容为王、人物为核心、价值为灵魂，这些创作规律永远不会过时。

第二，受众的观看方式在变，但文艺共情人心的本质不能变。今天年轻观众习惯碎片化观看，审美更加圈层化、多元化，行业当然要适配新的传播环境，但观众对于真实情感、精神力量、人间烟火的需求始终存在。一部真正扎根现实、洞察人性的作品，依然能够跨越年龄和时代。

第三，行业业态和市场逻辑在变，但影视作品承担文化价值的功能不能变。今天评价体系已经从单一收视扩展到流量、热度、商业变现等多个维度，但影视作品不是普通快消品，它本质上是精神文化产品。行业必须坚守正确价值导向和审美底线，不能为了流量放弃文化责任。

第四，技术手段在变，但文艺创作最终依然依靠人的创造力。AI可以完成很多技术性工作，但无法替代创作者对于生活的观察、对于社会的理解、对于人性的感知。真正决定作品高度的，始终是人的审美、思想与情感。

所以我一直强调，行业今天既不能盲目守旧，也不能被技术和流量裹挟。要主动学习新工具、拥抱新技术，但更要坚守创作初心。精品创作没有捷径，深入生活、潜心打磨、精益求精，这些“笨功夫”永远不过时。

行业今天面对的，不是一次简单的产业调整，而是一场底层逻辑的重构。越是在这样的时刻，越需要保持理性和定力，在守正中创新，在变革中坚守。

爱奇艺高级副总裁王柯好内容是一场长期主义的长跑

过去二十年，影视行业经历了三轮重要的技术浪潮：胶片时代、数字时代，以及今天正在到来的AI时代。每一次技术革新，都深刻改变了内容生产方式和传播结构，但有一点始终没变——真正优质的内容，从来无法速成。

胶片时代是高门槛、高成本的专业时代，很多创意因为技术和成本限制无法实现；数字时代降低了创作门槛，互联网平台崛起，内容形态开始爆发式增长；而AI时代最大的意义，在于进一步降低生产成本和制作门槛，让更多过去难以实现的想象有机会落地。

AI能够帮助创作者突破实景、道具、物理空间的限制，也能够提升制作效率，让小团队完成过去大型团队才能完成的工作。但技术再先进，也只是工具。观众真正愿意为之停留的，依然是那些有情感、有共鸣、有价值表达的故事。

行业现在很关心AI会不会加剧内卷、取代岗位。我反而认为，AI可能会成为内容产业新的春天。过去行业长期受制于成本和产能，导致优质内容供给不足、题材高度集中。同质化严重，本质上是因为很多垂类内容“做不起”。

AI的发展，有机会让更多小众题材、垂类表达获得商业化空间，让行业真正实现内容丰富化。

但与此同时，供给越丰富，观众筛选也会越严格。未来行业竞争的核心，不是谁做得更快，而是谁真正具备长期打磨精品的能力。影视行业从来不是百米冲刺，而是一场长跑。

爱奇艺未来会继续坚持精品化路线。在长剧领域，我们会持续深耕年代、悬疑、爱情等赛道，更重视人物塑造与情感浓度；同时，中剧会成为平台重点布局的新方向。中剧兼具长剧质感与短剧节奏，制作周期更灵活，也更适配当下用户的观看习惯。今年爱奇艺也会推出专项扶持政策，希望孵化更多具有突破性的中剧作品。

无论技术如何变化，我认为内容创作始终要坚持三个原则。

第一，尊重观众时间。今天观众的耐心更加有限，创作必须提升信息密度和叙事效率。

第二，坚持以人民为中心。所有项目都要回答一个问题：到底拍给谁看，能否回应真实生活与真实情感。

第三，坚持工匠精神。精品内容拼的不是速度，而是打磨和耐心。AI可以提高效率，但无法替代创作者的审美、情感和判断。

所以我始终认为，AI不会替代真正的创作者，它只会淘汰机械化、重复性的劳动，而那些真正具备创造力、懂得使用工具的人，反而会被进一步放大价值。

华策影视集团创始人赵依芳：坚守匠心，也拥抱科技

这些年行业变化很快，大家都在谈效率、流量和技术，但我始终觉得，一个行业如果想真正穿越周期，最不能丢掉的，还是长期主义和创作者的匠心。

我今天特别想分享一句话：只有慢下来，经典才能真正活起来。

《太平年》我们做了十年。前期几轮研发都推翻重来，董哲老师自己就花了三年时间反复修改剧本。很多时候大家都会焦虑，觉得为什么这么慢，但最后我们还是选择尊重创作规律。

为了还原那段历史，团队大量查阅正史、野史、古籍和地方传说，美术、置景、导演团队都投入了极大精力。最终，《太平年》不仅取得了热度与口碑，也带动了吴越文化和相关文旅热潮。

《国色芳华》则是另一种方向。我们一直在想，中国文化如何真正建立全球辨识度。所以这部作品从一开始，就希望用盛唐美学向世界呈现中国文化。

剧组为了拍好牡丹，专门在温室种花、冷库储花，只为了镜头里那种真实自然的盛放状态。很多道具、器物也都是按照文物1:1复刻。我们希望观众感受到的，不是“塑料感”的古装，而是真正能够闻到长安花香的质感。

这些作品让我越来越确信，真正能够穿越时间的，不是快，而是创作者愿不愿意下“笨功夫”。

与此同时，我们也必须拥抱科技。

我并不认为AI会取代创作者。AI可以生成大海，但大海里的孤独、悲壮和情感，依然需要编剧、导演和演员去完成。《太平年》里我们大量使用了AIGC技术，包括疆域图、战争特效等，但真正打动观众的，依然是人物情感与创作者的表达。

所以我一直强调，AI应该成为艺术家的“副驾驶”，而不是驾驶员。

华策现在已经把AI作为核心战略之一，成立了AIGC应用研究院，布局影视垂类模型，并在剧本评估、虚拟制片、特效生成、短视频传播等环节全面探索AI应用。但所有技术的前提，仍然是艺术创作本身。

最近我们还在重点推进一件事，就是在桐庐建设影视科技产教融合基地。我们希望未来行业不仅仅是单一创作，而是形成“科技+人才+教育+产业”的新生态。

从AIGC产业学院，到精品中短剧基地，再到AI创作平台，我们希望搭建一个真正面向未来的大视听创作体系。

但无论技术怎么变化，我始终觉得，行业真正的核心竞争力，还是创作者本身。只有敬畏艺术、敬畏创作、敬畏人的情感与智慧，科技才真正有价值。

西嘻影业创始人杨晓培：用“笨功夫”重新赢回观众

今天观众的决策逻辑已经彻底变了。过去大家做剧，总在聊“大IP”“大制作”“大流量”，但现在这套逻辑其实已经失灵。观众打开一部剧，可能会因为演员，但真正决定他们留下来的，还是剧情、演技和情感共鸣。

现在最残酷的变化是什么？以前行业说“黄金7分钟”，现在很多平台的数据已经变成“黄金47秒”。如果内容抓不住人，观众马上就走。

所以我越来越觉得，行业最后还是得回到创作本身。

这些年我最大的感受，就是“笨功夫”其实比什么都重要。《梦中的那片海》我们搭了几百张藤席，在什刹海还原70年代北京的生活场景；《六姊妹》做了三四年，十稿，去搭建四世同堂的家族群像。我们在选演员的时候甚至明确说，不要让演员大于角色，而是角色大于演员。

因为今天观众最需要看到的，不是完美的人，而是真实的人。人物可以有阴暗面，可以有缺点，但一定要真实。

只有这样，观众才会真正共情，才会在这些人物身上看到自己的生活、自己的家庭、自己的情感经验。

《六姊妹》后来在淮南带动了文旅热度，在海外也有很多共鸣，其实这些都不是策划出来的，而是内容自己长出来的结果。

这也让我越来越确信，真正的好作品不是播完即弃的快消品，而是能沉淀成集体记忆，被一代代观众反复观看的内容。像《潜伏》《亮剑》《甄嬛传》《金婚》这样的作品，为什么多年之后还有人讨论？因为它们经得起时间。

行业一定会有周期，但真正能穿越周期的，最后还是内容本身。

北京电视艺术家协会副主席张永新：历史题材真正重要的是“人”

我一直在想，重大历史题材怎么才能真正和今天的年轻观众建立连接。

后来我越来越觉得，关键不在“宏大”，而在“微表情”。

历史真正能打动人的，往往不是那些概念，而是细节，是情绪，是人物身上的真实瞬间。

《觉醒年代》当时为了还原民国初年的北京风沙，我们专门从张家口运风沙到横店；为了设计鲁迅的出场，我们反复研究《药》《在酒楼上》这些文本，希望人物不是“被演出来”，而是真的像从那个时代里走出来。

包括毛泽东在暴雨里逆人流奔跑、怀抱《新青年》的那场戏，我们当时设计了七百多米长的街道，设置了260多个摊位。因为我们想呈现的，不只是一个历史人物，而是那个时代的精神状态。

后来播出的时候，我看到弹幕里很多年轻人写：“他来了，他看见了，他改变了。” 我当时特别触动，因为说明年轻观众其实是能进入那个历史情境的。

所以我一直觉得，历史剧最重要的，不是把历史讲“大”，而是把人讲“活”。

《八千里路云和月》里，我们用“八年九个中秋”去串联抗战；《伟大的长征》里，我们写那个不到14岁的小红军，牺牲前伸手去够一只青花瓷碗，手永远停在30公分之外。

真正打动人的，永远是这些具体的人。

历史不是冷冰冰的概念，而是一个个真实的人，在那个时代里的选择、挣扎和信念。

《太平年》编剧董哲：不要低估今天的观众

《太平年》刚开始做的时候，我们整个团队其实一直都在问一个问题：这样的历史剧，真的还有人看吗？

五代十国、复杂史料、人物众多、拟古风台词……说实话，我们所有人心里都在打鼓。

但真正播出之后，我第一次强烈意识到，今天的观众已经完全不是过去的观众了。

中文互联网三十年的发展，加上AI工具、信息传播方式的变化，让今天的观众拥有非常强的学习能力、认知能力和审美能力。很多时候，他们甚至比行业里的人更懂内容。

所以现在回头看，很多所谓“观众看不懂”“观众不接受”的判断，其实并不是观众的问题，而是创作者自己的畏难情绪。

今天已经是一个“信息平权”的时代了。观众获取信息的能力，不比创作者差；观众分析内容、讨论内容、二创内容的能力，也越来越强。

我们过去总习惯于站在“讲述者”的位置，但今天，观众其实也在用同样严苛的目光审视行业。

行业在研究观众，观众也在研究行业。所以我越来越觉得，未来影视创作最重要的东西，可能不是“信息优势”，而是真诚。

真正稀缺的，不是知识本身，而是创作者有没有真诚表达。

未来的创作，也不会再只是行业内部的闭门造车，而会越来越变成创作者和观众共同完成的一次交流。

著名编剧、导演郑晓龙：保持“老配方”，尊重真实和人性

这些年总有人问我，《甄嬛传》《金婚》当时拍的时候，有没有想过会火。说实话，我真没想过。我拍戏很少先想市场，我更多是在满足自己的好奇心，满足自己对人、对生活、对时代的一些表达欲望。

我一直觉得，所谓“经典新生”，其实不是把东西拍得多新，而是你能不能用今天的表达方式，把那些最真实的人性重新讲出来。

我拍《金婚》，灵感就来自我父母一次吵架。老两口都过了金婚了，还在拌嘴。我回去劝架，听他们讲年轻时候的事，讲婚姻里的委屈和依赖。我突然意识到，中国人的婚姻、家庭、时代变化，其实都在这些琐碎生活里。后来才有了“一年一集、五十年五十集”的《金婚》。

所以我一直觉得，真正好的创作一定来自生活。不是坐在屋子里凭空想出来的，而是你真正见过、感受过、相信过的东西。

还有一点我特别在意，就是细节。我一直说，细节比“脸盘漂亮”重要，很多时候，一个真实细节比十句台词都更能建立人物关系。《芈月传》里，小芈月第一次和姐姐建立关系，就是一个“你会放屁吗”的小孩玩笑；《甄嬛传》里皇家生孩子怎么拍，没人知道，我们最后是在现场临时抓了一堆花瓣撒进镜头里，那个细节后来甚至成了很多古装剧的范式。

观众为什么会信？因为细节会让人觉得“这是真的”。

现在行业都在聊AI，我其实没那么焦虑。我是一路看着行业从胶片走到数字时代的人。我不反对AI，它当然能帮助创作者提高效率、完成很多过去做不到的东西。但影视剧最终拍的还是人，是人与人的关系，是人性的复杂和情感，这些东西，不是AI能替代的。

还有现在大家总在问我怎么看短剧。我觉得短剧本身没问题，中国电视剧最早其实很多都是短剧。问题不在长短，而在创作者到底是在讲人，还是只是在制造情绪刺激。

我干这行很多年了，看过行业起起伏伏，也看过技术一次次更新。但我始终觉得，有些东西永远不会变——对真实的敬畏，对细节的较真，对人性的好奇。

只要这些东西还在，创作就永远有生命力。

长信传媒董事长郭靖宇中华文脉和观众审美不变

这些年行业变化确实特别大。

从舞台剧，到电影，到电视剧，到网剧，再到今天的竖屏、AI剧，我们这一代创作者其实一直在跟着技术变化往前走。我后来想了想，真正变化最大的，其实是三个东西：播出载体变了，市场环境变了，竞争关系也变了。

过去拍电视剧，只需要跟同期电视剧竞争；现在长视频面对的是短视频、游戏、切片内容的全面分流。很多观众甚至根本不是在平台上看完整内容，而是在短视频平台刷切片。某种意义上，我们正在被自己的“盗版传播”反向消耗。

但这些变化，本质上都还是行业外部逻辑的变化。真正没有变的，其实是内容本身。

我以前拍传奇剧，别人总总结我拍的是“忠孝节义”。后来我拍《唐朝诡事录》，再到现在做《烟雨神游记》，其实核心一直都没变，还是中国传统文化、东方审美、中华文脉。

我始终觉得，中国观众对这些东西是有天然情感连接的。而且今天的观众，审美其实比过去更强了。

以前行业总觉得观众不能接受太复杂、太“高门槛”的表达，但今天不一样了。信息获取越来越平权，观众的知识储备、理解能力、内容分析能力都在快速提升。很多以前觉得“小众”的文化内容，现在一样能找到大量知音，这一点其实让我对行业反而更乐观。

我一直特别支持AI。很多人担心AI会取代创作者，我不这么看。我觉得AI最大的意义，是让创作者拥有更大的想象力和更高的效率。

比如以前一些神话场景、古典幻想题材，因为预算和工业能力限制，根本没法实现。现在AI能帮助我们完成很多过去做不到的东西。《烟雨神游记》里很多蓬莱仙境、妖怪世界的设计，其实就是因为AI的发展，我才重新把它们写回来。

但技术始终只是工具。真正重要的，还是创作者脑子里有没有东西，有没有想象力，有没有文化根脉。

我一直觉得，中国影视真正最宝贵的东西，是我们自己的文化系统。唐诗、志怪、神话、传奇、评书，这些东西本身就是巨大的IP宝库。

只要创作者还愿意往里面扎，观众就一定会回来。

《三体》《太平年》导演杨磊
科技拓展想象力，情感感化用户

我一直觉得，我们这一代创作者其实挺幸运的。

因为我们刚好经历了中国影视工业变化最快的阶段。从数字化，到8K，到今天AI全面进入创作流程，技术几乎每几年都在重构行业。

但越是在这种时候，我反而越觉得，科技最终还是要服务于内容。

拍《三体》的时候，我们最大的目标其实是“真实感”。

刘慈欣老师说过，最好的科幻应该把最疯狂的想象写得像新闻一样真实。所以我们在拍摄时请了大量科学家做顾问。剧里的公式、实验流程、纳米中心场景，很多都是真实科研系统里的东西。我们甚至第一次进入国家纳米中心实景拍摄，就是希望观众真正相信那个世界存在。

而《太平年》则是另一种难度，我们全程采用8K制作，这意味着所有细节都会被无限放大。过去演员只需要处理中近景表演，现在连远景群众演员的妆容、服装线头都能被看见。很多历史细节都必须重新考据，甚至人物眼睛颜色、朝服纹样都要反复核实。

科技某种意义上，其实是在逼着创作者更认真。

现在很多人讨论AI，我自己的感受是，AI最大的价值是“辅助创作”。

比如以前一个复杂特效镜头可能需要几个月，现在AI能帮助我们大幅缩短流程。《太平年》里一些乌鸦、海浪、风暴镜头，过去传统CG要做很久，现在AI能快速完成大量基础工作。

但最后真正决定画面质感和作品表达的，依然还是人。

因为AI目前解决的是“量”和“效率”，而真正关于历史质感、人物情绪、审美统一这些东西，还是只能靠创作者自己。所以我一直觉得，科技和匠心不是对立关系。

《三体》里真正让观众记住的，不只是“古筝行动”的特效，而是史强说“虫子从来没有被真正战胜过”时那种人的精神力量。

《太平年》里真正让人感动的，也不是战争场面，而是乱世里那些人物对“太平”两个字的渴望。

技术可以帮助我们把世界拍得更大，但真正能进入观众内心的，永远还是人物情感。

主编：罗姣姣

文：宇宙

排版：宇宙