AI学不会的，是他们“手搓”的春晚

在2026年中央广播电视总台《春节联欢晚会》的舞台上，徐浩伦、谭湘文再次亮相。这是两人第二次登上春晚舞台。今年，他们带来的节目是对口白话《谁的菜》。

作为晚会第8个登场的节目，两人以标志性的快节奏对话迅速掌控舞台，凭借“鲍鱼配football”的无厘头谐音梗、“海鲜加啤酒等于痛风套餐”等接地气笑料引爆全场，掌声与笑声此起彼伏。相较于去年的青涩，此番二人台风更显松弛稳健，在密集包袱中自然托出“真诚才是最好的手艺”这一温暖内核，尽显成长。

而这份亮眼的舞台表现，背后藏着这对00后喜剧人对创作的“坚持”。在登台前夕接受媒体采访时，两人被问及当下热门的AI创作话题，回答格外干脆：

“AI这个东西暂时不会利用到。”

“AI永远学不来‘邓超’，老艺术家选择‘手搓’。”

所谓“手搓”，在网络语境中是对“纯手工打磨”的一种调侃式表达，意思是不依赖算法生成，而是靠创作者自己反复修改、排练、推翻、重来。至于“AI学不会邓超”，则是近年来流行的一句玩笑话——演员邓超以舞台上的即兴状态和极强的现场感染力著称，许多观众认为这种临场张力难以被技术复制。两人用这句话回应AI话题，本身就带着喜剧演员特有的节奏与包袱。

玩笑之外，是态度。

在生成式人工智能快速进入内容生产领域的当下，越来越多文本、段子甚至笑点可以被算法“生成”。而徐浩伦和谭湘文却依然坚持从生活中提炼素材，在联排中打磨节奏，在字句间反复推敲。第二次登上央视总台春晚的舞台，他们依然选择慢下来，把作品一点点“磨”出来。

谈及段子的打磨方式，徐浩伦给出的答案同样简单：“享受生活，观察生活。很多素材都是从生活里来的。”

这并非刻意营造的创作姿态，而是一种日常习惯。对口白话的节奏建立在生活细节之上，笑点往往来自具体场景的再现，而不是概念化的拼贴。素材的来源不是数据库，而是日常经验；笑点的打磨从不是套用固定的喜剧公式，而是把真实生活里的对话与情绪，放到舞台的特定情境中进行艺术化的提炼与放大。

所谓“手搓”，不只是排练环节的反复推敲，也包括前期素材的积累过程——在生活里观察，在舞台上验证。

让南方声音被更多人听见

2025年第一次登上春晚时，两人并非毫无顾虑。

对口白话源自线下剧场，语言节奏鲜明，表达带有明显的南方口音。谭湘文曾坦言，他们一度担心，“南方的语言形式，比如湖南话，会不会让北方观众或者全国观众‘水土不服’。”

春晚是全国观众共同守候的文化年夜饭，其语言类节目承担着最大范围的传播任务。如何在保持个人风格的同时被广泛理解，是摆在每一位演员面前的现实考验。彼时的担心，既是年轻演员面对国家级舞台的敬畏，也是对表达方式的谨慎试探。

但舞台给出了答案。真正跨越地域差异的，是生活本身。作品从现实切口进入，从日常细节展开，观众在笑声中找到共鸣。口音不再是障碍，反而成为辨识度。喜剧是否成立，最终取决于内容是否好看，是否触及真实的生活体验。

今年再度登台，谭湘文的表达明显更加松弛：“这个舞台熟悉了一点，我们还是保留自己的南方声音。”

从“担心被听懂”到“主动保留表达”，这是创作信心的转变，也是新喜剧形态在主流舞台上逐渐站稳的体现。南方表达没有被削弱，而是在更大范围内被理解与接纳。这种接纳，既来自观众，也来自舞台本身对多元表达的包容。

在更大的舞台上完成表达

从小剧场到春晚舞台，并不是简单的“规模升级”，而是一种表达维度的拓展。

徐浩伦在采访中提到，真正需要思考的，是如何让线下作品在更广阔的观众面前成立。小剧场依赖熟悉的氛围与即时反馈，而春晚面对的是全国观众，是不同年龄、不同地域、不同生活经验的交汇。表达如何既保持自身节奏，又能够在更大语境中被理解，是创作中必须面对的课题。

谈及这一转换带来的难度，两人并不避讳。谭湘文坦言，真正困难的地方，在于“如何把一个在线下剧场里成立的作品，变成全国大众向的演出”。

小剧场面对的是熟悉语境与相对集中的观众群体，而春晚面对的是不同年龄、不同地域、不同生活经验的全国观众。受众结构的变化，意味着表达尺度与内容选择都需要重新衡量。

“尽可能不冒犯任何职业，不讽刺社会上的某些人。”谭湘文直言，为此做了“挺多删减”。一些在线下被认为有灵气的段落，在更大舞台上被主动舍弃。

这种删减，并非妥协，而是一种语境判断。在更广泛的公共空间中，喜剧需要承担更高的共情门槛。如何在保持锋芒的同时不过界，或许正是他们在主流舞台上逐渐摸索的表达边界。

近年来，脱口秀与对口白话等新喜剧形式逐渐进入更广阔的公共空间。从综艺舞台到地方晚会，再到央视春晚，不同平台之间的转换，构成了表达方式的不断调适。在更年轻的语境中，可以锋利一些；在地域性更强的舞台上，可以更贴近乡音；而在春晚这样的国家级平台上，则需要更广泛的共鸣与更稳定的表达。

面对这种多维度的舞台环境，两人并未急于为自己设定标签。当被问及是否已经在主流舞台“站稳”时，谭湘文的回答反而显得格外克制：“站稳还没吧，站稳还得几年。”

这份判断并非谦辞，而是对舞台分量的清醒认知。去年首次亮相时，他们在不少观众眼中仍是“两个小年轻”。对于一门相对新鲜的喜剧形式而言，一次亮相并不足以完成位置的确认。

徐浩伦则进一步淡化了“角色”的意义：“我们代表不了什么。我们和大家是一样的，只是有机会把生活中的共鸣变成作品分享出来。上春晚之前，我们也是看春晚的人。”

这种回答并没有强调先锋或开创者的身份，而是把创作重新拉回生活本身。不是“代表”，而是“表达”；不是承担标签，而是持续打磨作品。在更大的舞台上，他们更愿意把自己放在创作者的位置，而非象征的位置。

对口白话不再只是小剧场里的新鲜尝试，而是在主流语境中逐渐找到自己的位置。在一次次舞台实践中，他们的表达被检验，也被扩展。成长，不是改变自己，而是在更大的空间里站稳。

面对不断扩展的舞台，两人对未来的规划依然保持克制而清晰。当被问及对2026年的期待时，谭湘文给出的回答并不宏大——“希望自己越来越好吧，可以开专场。”这句朴素的心愿，并非简单的目标设定，而是指向更完整的创作形态。与一次舞台亮相相比，专场意味着更长时间的表达、更系统的创作结构，也意味着对个人风格更成熟的把握。从春晚舞台到未来的专场构想，这条路径所延展的，不只是舞台规模的变化，更是表达能力与创作自信的持续积累。

在加速的时代里慢下来

人工智能的迅猛发展，为内容生产打开了新的路径，也不断刷新创作方式的边界。算法可以生成文本，可以分析节奏，甚至可以模拟表达，但舞台上的呼吸、观众席间的笑声回响、搭档之间眼神的默契，却依然无法被预设与复制。那些在现场产生的即时判断与细微变化，构成了喜剧最鲜活的部分。

“手搓”这个听起来带着几分玩笑意味的词语，背后指向的，其实是一种创作姿态。观察生活的耐心，对细节的敏感，对节奏的反复推敲，以及在一次次排练中不断修正的自觉，都是创作者与舞台之间最真实的连接。笑声不是公式推导的结果，而是生活经验在公共空间中的再次相遇，是不同背景的人在同一个瞬间达成的理解与共鸣。

从长沙的开放麦到春晚舞台，这条路径并非偶然。它建立在长期积累之上，也建立在对舞台分寸的把握之上。第二次站上除夕夜的舞台，他们的松弛并不来自轻松，而来自更清醒的判断——在更大的舞台上，如何既保留自我，又被更多人听见。

在技术不断加速的今天，创作的方式可以更新，但创作的选择依然掌握在人手中。所谓“手搓”，不是对时代的回避，而是在时代浪潮中对表达质量的坚持。它是一种节奏，也是一种态度。

当灯光亮起，笑声响起，舞台最终留给观众的，并不是创作方式的讨论，而是那一刻真实的共鸣。对徐浩伦和谭湘文而言，这或许正是他们的“手搓”意义所在——在快速变化的世界里，把生活一字一句打磨出来，把笑声稳稳地交到观众手中。