从英国女王到西太后，2026年的时尚展览也太重量级了吧！

在刚刚过去的 2025 年，Giorgio Armani 老先生的离去，或许是时尚爱好者们感到最为不舍和难过的事情之一，也让时尚界陷入集体的怀念与沉思

虽然在心中已经预设了很多遍，但这位时装大师的不辞而别，就像是真正意义上的“告别”到来时，依旧是会让大家有些措手不及。毕竟，这也是属于那个时尚界的众神时代的真正落幕。

他的名字曾经代表着对高级时装的极致优雅的追求，也是意大利时尚的当代象征。

作为 Giorgio Armani 本人参与设计的最后一个品牌展览，也是米兰布雷拉美术馆（Pinacoteca di Brera）所举办的第一个时尚展览。

让这场名为“GIORGIO ARMANI: MILANO, PER AMORE” 的主题展览，仿佛是写给这位时装大师的一封充满艺术格调的告别情书。

布雷拉美术馆作为意大利最为严肃、最具学术传统的美术馆之一，馆藏以文艺复兴及之后的重要绘画、雕塑为主。当 Armani 的作品被安置在这样一个空间中，它所完成的并不仅是一次回顾， 而是时尚与艺术的交融。

展览以 “Armani/Archivio” 项目为基础，从品牌数十年的档案中挑选出逾 120 件典藏作品，去呈现 Giorgio Armani 这些年所积累的创意积淀与艺术杰作，这些精心挑选的服饰与拉斐尔、卡拉瓦乔等文艺复兴时期名画同处一室。

精湛的剪裁，奢华的面料与兼具东西方色彩的印花，同与古典画作间的色彩平衡、构图韵律相辅相成，模糊界限，也更加突出了 Armani 设计下，时装作为可穿戴艺术的存在，无声地诉说着同一种对和谐、比例与优雅的追求。

其中涵盖男女成衣、高级定制以及定制舞台造型，展陈方式并不是那种强烈戏剧效果，而是刻意保持克制，这确实也与老先生一贯的设计语言高度一致。的确，他标志性的优雅线条与奢华隽永，定义了一个时代的意式审美。

最近，品牌也是宣布了这场原本定于 2026 年 1 月结束的展览延长至 5 月 3 日。

这个决定为大家留出更长的告别时间，让更多观众有机会亲身感受，这些载入时尚史册的经典之作。即便那些辉煌岁月已成往事，但这些设计与灵感，毫无疑问依旧也在影响着现在和更远的未来。

在过去这些年里，不难发现时尚展览越来越多，规模也越来越大，但其实真正能引起讨论，称得上是重量级的并不多。

而在接下来 2026 年里，从策展规格到展览主题，还有哪些时尚爱好者们不得错过的重量级展览呢？

今天不妨磅礴一起抢先了解一下，一起重回那一段段时尚黄金岁月。

Westwood | Kawakubo

维多利亚国家美术馆

2025.12.07-2026.04.19

在澳大利亚维多利亚国家美术馆（NGV），你可以看到来自东西方的两位大神级别的女设计师“同框”，这就是在 2026 年持续展出的 “Westwood | Kawakubo”。

该展其实是将英国时装朋克女王“西太后” Vivienne Westwood 和日本先锋设计师“玲姐”川久保玲（Rei Kawakubo）的作品进行共同展出。

不是传统意义上，某个单独设计师或是设计主题的回顾展，虽然说 Vivienne Westwood 和川久保玲在风格和美学上，但其实她们都代表着时尚行业里重要的女性力量，同样也是反叛精神的代表，对整个高级时装的发展，都有着突破性的意义，也因此两位也都有“时尚教母”的美誉。

该展览以四大主题展开，分别是“朋克与挑畔”、“撕裂”、“重塑”以及“身体与服装的力量”，其中汇集了来自维多利亚与阿尔伯特博物馆、大都会艺术博物馆、巴黎服装博物馆，以及私人藏品和品牌档案库里超过140件展品，还有大量的摄影、档案资料及秀场影片，阵仗属实强大。

其中你可以看到来自 Vivienne Westwood 在上世纪 70 年代所设计的，带有极强朋克风格的撕裂T恤、流行文化胸针、格纹裙单品，与来自川久保玲的那些充满艺术感，不对称性、具有破坏性的“逆时装”设计。

它们彼此展开碰撞和精彩对话，最终这些设计都指向同一件事，那就是对既定秩序的反叛，以及对艺术表达与创作自主权的坚持。

Vivienne Westwood 与川久保玲其实都并非学院体系培养出的设计师，但她们都以彻底颠覆行业规则的方式，重新书写了当代时装的语言。

一个扎根于伦敦街头的朋克文化，将反体制的能量注入服装之中，另一个则从反西方审美和“不完美”的哲思出发，提炼出极个人化的创作路径。

文化语境虽不同，却在核心立场上彼此呼应。她们拒绝顺从单一的审美规训和标准，去通过不断破坏、拆解与重构，让时装成为一种思想实践，而非仅仅服务于穿着功能的设计。

这是一场跨越地域与文化的时装对话，也是一段关于时尚如何被不断推翻、重建，并持续向前的生动表演。

The Antwerp Six

安特卫普时尚博物馆

2026.03.28-2027.01.17

如果说上面两位设计师的“同框”，是策展人的天才想法，那么这个在安特卫普时尚博物馆，呈现六位设计师作品的展览——“The Antwerp Six”，便是一次顺其自然的历史回溯，它所讲述的就是这六位设计师是如何一次集体行动，去改变了时尚的风貌。

安特卫普六君子这个团体，喜欢时尚，热爱时装的朋友们想必再熟悉不过了，它所代表的是上世纪80年代，几乎同时走出安特卫普皇家美术学院的六位设计师，包括Ann Demeulemeester、Dries Van Noten、Dirk Bikkembergs、Dirk Van Saene、Marina Yee 与 Walter Van Beirendonck。

1986年，这些毕业不久的年轻人，合租了一辆货车将自己作品带到伦敦走秀，并一举震惊了整个时尚界。从此，安特卫普系也成为这个行业里面的一股重要力量，因此也被冠名为“The Antwerp Six”。

如今四十年过去了，依然散发着强大的影响力。而安特卫普时尚博物馆也在这个周年程碑之时，即将举办这首个专门聚焦这六位设计师的大型展览，以致敬这个改变了时尚版图的传奇团体。

他们并不是代表则某种统一的风格，更像是一种高度分化却彼此呼应的创作能量。

比如 Ann Demeulemeester 带着充满哥特风格的廓形和剪裁，那游走在诗意与阴郁之间的暗黑美学；Dries Van Noten 以近乎奢侈的方式驾驭面料与图案，去古典和当代共同被高度掌控。

或是像 Walter Van Beirendonck 则用高饱和色彩与实验性造型，以一种顽童的激进去带来前卫想象，不断挑战时装边界。 这次展览也是希望以更加完整和系统的方式，将他们的创作轨迹共同呈现，从学院时期的风格探索，再到奠定声誉的作品呈现。

观众可以在同一空间完整看到它们彼此的形成、分化和呼应，以及“The Antwerp Six”和这六个名字所代表的，那不同于传统时装奢华叙事，而是更概念化、更艺术化，并脱离巴黎和米兰为主流的欧洲时尚路径。

Queen Elizabeth II

Her Life in Style

白金汉宫国王美术馆

2026.04.10-2026.10.18

比起安特卫普六君子以及解构主义、实验性剪裁再到文化哲思的时装实践，带来划时代的创新力量。

在白金汉宫国王美术馆（The King’s Gallery, Buckingham Palace）的这场“Queen Elizabeth II: Her Life in Style”，则是呈现了一段真正被载入史册的历史光景，也是带你走进真正的“女王衣橱”。

据悉，这将会是迄今为止规模最大、最全面的伊丽莎白二世服装回顾展，围绕这位英国女王的着装为线索，结合大量珠宝、配饰和甚至是鲜少公开的设计手稿和原始布料，许多都是英国国宝级的藏品。

时间跨度涵盖了那些她人生中的重要时刻，从那场皇室世纪婚礼、各个阶段的加冕礼再到几十载的国事访问……

其中包括了像是大众所熟知的，1947年 Norman Hartnell 设计的婚纱和 1953 年的加冕礼服，以及她在巴尔莫勒尔堡（Balmoral Castle）度假时会穿的休闲格子裙，或是被大家称作是调色盘的日间套装。

展览中所呈现的不仅是所谓工艺、品味和美学风格，更多是一套高度精密、长期运作的形象建构体系。在这里，服装更多是作为一种被穿戴权利语言。从色彩的选择、廓形的尺度，再到面料与工艺的取向，其实都留有清晰，且能被具体解读的社会与政治意图。

展览中还加入了大量档案、影像与实物资料，去更好梳理伊丽莎白二世在位时间里，是如何借助着装策略，持续塑造出稳定、克制且极具辨识度的公众形象，甚至你可以将其看成现代君主制运作方式的重要侧面。

一方面是回溯了伊丽莎白二世鲜明而标志性的个人风格，而另一方面也让公众更好了解皇室与其所处时代的演变。

在其漫长而卓越的在位生涯中，她的着装无疑已是高度象征性的公共形象，成为时代记忆的一部分，一种经过精密计算，承载着外交礼仪与文化呈现的时尚标签。

Schiaparelli

Fashion Becomes Art

维多利亚与阿尔伯特博物馆

2026.03.21-2026.11.01

如果要说最早，也是最全面打通时装和艺术间的壁垒的存在，或许许多人都会想到传奇设计师 Elsa Schiaparelli。

或许你对她跨界先驱的名号有所耳闻，但伦敦维多利亚与阿尔伯特博物馆（V&A）将于 2026 年 3 月 28 日推出的英国首个大型 Elsa Schiaparelli 回顾展——“Schiaparelli: Fashion Becomes Art”，就是你去以完整体系去近距离了解她，以及她对于时尚界和艺术界影响力的最好去处。

展览共展出 200 余件藏品，包括品牌各个时期的档案珍藏、还有珠宝以及香水，以及来自同她合作过的艺术大家的作品。

作为 20 世纪最早开始与超现实主义艺术家展开深度合作的设计师之一，Elsa Schiaparelli 在 1920 至 1950 年代间，以充满想象和趣味的设计，不断冲击高级定制的边界和规则，大胆地推动时尚与艺术的结合。

展览以通过她与 Salvador Dalí、Jean Cocteau 、Pablo Picasso、Man Ray 等等艺术家的合作为核心线索，清晰呈现出这段开创性且多元化的创作阶段中，高级时装是如何从量体裁衣，迈向更艺术的创作媒介。

当龙虾、抽屉、甚至是伤痕都成为她超现实主义时尚美学的一部分，让服装成为艺术大师的载体时，带给传统时尚圈层的冲击力，几乎可以用离经叛道和震撼人心来形容。

艺术被转译为大胆的服装语言，挑战着上流社会对高级定制的期待，也诞生了诸如龙虾裙这些最具代表性的作品，也包括同样与 Salvador Dalí 合作完成的骨架裙以及那顶如倒置高跟鞋造型的帽子等等，这些经典作品也都会在这次展览同大众见面。

不仅是出自 Elsa Schiaparelli 的这些艺术级别古董珍藏，这次展览同样也呈现品牌现任创意总监 Daniel Roseberry 的作品，包括他为Beyoncé、Kim Kardashian 等明星打造的红毯战袍，这也凸显了品牌如何在不同时代语境中，对品牌其艺术色彩和超现实主义DNA的延续。

既是对品牌创始人与艺术大师合作成就的致敬，也是在回看时尚如何以跨时代的方式，被持续视为一种艺术表达。完整呈现着 Elsa Schiaparelli 这位时尚艺术融合家，如何以服装去与艺术水乳交融，为当下跨界趋势提供了清晰的历史脉络。

Costume Art

纽约大都会艺术博物馆

2026.05.10-2027.01.10

Met Gala 作为时尚界每年的最大的盛事，素有时尚奥斯卡之称，这也让与之“配套”推出的时尚主题展览受到空前关注，你用“年度时尚展览”去形容也毫不为过。

前不久，今年 Met Gala 主席名单联合主席名单也是得到公布，那阵容简直绝对重量级，包括奥斯卡影后Nicole Kidman、著名网球运动员 Venus Williams 以及阔别十年后首次回归 Met Gala 的天后Beyoncé。

今年的展览主题，同样也得到公布——“Costume Art”。不同于以往的宗教、科技、中国风格等主题，这个“服装艺术”显得是特别大，且十分学术性，让人不得不好奇，它究竟是要讲述什么？

这次展览也是为了庆祝全新的 Condé M. Nast Galleries 正式启用，这个展厅位于大都会艺术博物馆大厅旁、专为时尚艺术而设置，这是大都会博物馆首次将如此核心的位置给予时尚展示。

据策展人 Andrew Bolton 所解释，“Costume Art”展览会通过服饰与博物馆收藏的绘画、雕塑等作品共同呈现的形式，去表达服装艺术的最本源，也就是身体如何被服装塑造，以及服装如何反作用于身体。

以身体作为叙事原点，同时也是对身体所有形态的庆祝，展览将划分为多个章节，包括裸体、生育、衰老、身体解剖，以及抽象与再生的身体形态。

这种以身体形态而非线形时间或风格线索的结构，无疑是带来了一种有别于传统时装展览的观看路径。其实时尚本身就是艺术，而它之所以独特，其实正源于与真实身体之间不可分割的关系。

这次规模也可以称得上历代级，由大都会艺术博物馆各个策展部门联合参与，从馆藏中横跨五千年的艺术作品出发，梳理不同时代文物与艺术品中关于“身体”的描绘方式，从而建立起历史与当代、艺术与时装间的完整对照。

可以预见，此次新展不仅重新划分时尚在大都会艺术博物馆的展览版图，同样也会在更广泛的层面上，引起大众对时尚与身体、艺术之间关系的讨论。

2026 年的这些重量级的时尚展览，并不是简单的怀旧叙事，而是在回望与前瞻之间搭建起一条清晰的时间轴。

既向那些塑造过时代审美的创作时光致意，也将目光投向尚未到来的未来。

从 Armani 克制而精准的优雅，到 Vivienne Westwood 与川久保玲的对话间的彼此反叛。无论是英国王室服饰中严谨有序的礼仪美学，还是 Schiaparelli 那超出她所处时代的艺术实验。

每一场展览，都是一段过往岁月或是一种时代精神，高度总结后的表达。这也让那些传奇故事并未真正告别，而以展览形式被重新呈现、反复讨论，并去影响之后更多的人和作品。

2026年里这些或是已经到来，或是即将开启的展览，也许也能够让你用全新视角，去了解和感知你所熟知的以及想要深入的时尚故事。

人们口中的黄金岁月或许已经谢幕，但它所沉淀下来的精彩和传奇，也在通过这些展览，持续闪着光。

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本期文字助理：Milo