甘肃
大漠深处——敦煌
莫高窟的壁画
在时光中流转了千年
那些沉默的乐师、斑驳的古乐谱
藏着敦煌文化最动人的韵律
《乐动敦煌》
给出了极具创意的答案
谈及这部剧的诞生与创作
导演张华老师的分享
为我们解锁了传统
与现代碰撞背后的匠心与思考
张华：《乐动敦煌》的诞生，始于一项特殊的“命题作业”——中宣部交给甘肃演艺集团的核心任务，是活化敦煌的古乐器、古乐谱与古乐。最初，剧目定名为《敦煌音画》，但在我看来，这个名字未能完全契合敦煌文化的本质与当代艺术的表达需求。
张华：敦煌莫高窟本身就是石窟艺术的集大成者，壁画、藻井、彩塑无不自带沉浸式的特质，而当时市场上流行的沉浸式艺术形式，恰好与这种石窟艺术的内核高度契合。这种形式与内容的天然契合，让我们团队看到了创新的可能。在剧目名称的打磨上，我们追求直接且富有深意的传达力：“乐”不仅指代敦煌古乐相关的一切，更承载着千年音乐文化的传承；“动”则兼具双重寓意，既指观众在剧场内的流动观演，也期盼这份穿越千年的音乐能打动人心，引发情感共鸣。最终，《敦煌音画》正式更名为《乐动敦煌》，一个“动”字，既贴合了沉浸式的表演形式，也藏着我们对剧目传播效果的深切期许。
张华：沉浸式表演的核心，是打破舞台与观众的边界，而这也为《乐动敦煌》的创作带来了诸多挑战。我始终认为，这部剧的观演距离必须拉到极致——A区、B区的观众与演员几乎近在咫尺，尤其是B区的表演，更要打造出“活化的彩塑艺术”效果。
张华：伎乐师演员们会从类似彩塑的状态中慢慢“活化”，那种仿佛让静止艺术拥有呼吸的瞬间，我特意设计成让观众分不清是真人还是彩塑的效果。这对演员的代入感提出了极高要求：他们不仅要精准呈现角色状态，还要具备应对突发情况的能力。
张华：有些观众出于好奇会想伸手触摸试探，此时身边未必有工作人员，我要求演员必须通过眼神传递足够的震慑力，既不破坏观演氛围，又能维持表演秩序。而C区飞纱舞台的演员，面临的则是与“纱”的即兴互动。这段舞蹈我特意设定为半即兴性质，纱的“配合度”时好时坏，演员既要与纱自然交流，又要用余光关注其动向，及时将其拉回可控状态，还不能让观众察觉丝毫生硬。这些挑战，对任何有舞台经验的演员来说，都是全新的突破。
张华：《乐动敦煌》的创作灵感，并非局限于莫高窟的石窟与壁画，更源自藏经洞出土的文献、绢画等珍贵资料。但我一直强调，我们团队并未走“简单复原”的路线，而是选择了创造性转化与艺术提升。
张华：莫高窟的石窟、壁画、彩塑数量浩如烟海，要在70分钟内全面呈现其美显然不现实。因此，我们采用了解构核心元素、再进行艺术再造的方式：燃灯祈福篇章以220窟乐舞图为主体，我又在其中融入了其他洞窟的多元元素；B区的洞窟造型、藻井设计，也是多方元素的融合创新。剧中的“736窟”，更是我的匠心设计——它并非特指某一个真实洞窟，而是对所有敦煌洞窟的集体致敬，是浓缩了千年艺术精华的精神载体。我希望通过这种方式，既展现敦煌文化的丰富性，又传递出我们对传统文化的敬畏之心。
张华：在我看来，敦煌莫高窟的核心故事，始终是“传承与守护”。千年以前，无名画师们在洞窟中挥毫泼墨，用色彩与线条定格时光；如今，敦煌研究院的老师们潜心研究、默默奉献，守护着这份文化瑰宝。而《乐动敦煌》的创作，正是我和团队对这份精神的延续。
张华：我想用“活化”的艺术技术，让古乐器、古乐谱、古乐重新发声，让石窟艺术走出洞窟，以更贴近当代观众的形式呈现。这部剧对我而言，不仅是一项艺术创作，更是对敦煌莫高窟精神的敬畏、敬仰与传承——用现代艺术语言，让更多人感受到敦煌文化的魅力，让千年传承的守护精神在当代焕发生机。
从“命题作业”到口碑佳作
《乐动敦煌》的创作之路
是张华老师及其团队以艺术为桥
连接传统与现代的探索之旅
他们打破传统舞台边界
让观众与敦煌文化近距离对话
跳出单纯复原局限
让千年元素焕发新生
更以剧目为载体
传递着敦煌文化中
最珍贵的传承与守护精神
这部剧不仅让古乐“动”了起来
让石窟艺术“活”了起来
更让敦煌精神在当代有了更鲜活的表达
成为传统文化创新传播的生动范本
乐动敦煌微访谈 | 张华：《乐动敦煌》是为了传承与守护！
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