央华版《如梦之梦》2026北京站今夜华丽谢幕，我们杭州，宁波见！

今夜如梦如幻，感恩观众！

央华版《如梦之梦》北京站演出今夜华丽、温暖谢幕

央视频对艺术总监王可然、许晴、孟庆旸的采访：

（下文转自新京报）

央华版《如梦之梦》2026北京站首演，凝练时间更加“入梦”

新京报记者刘玮 编辑黄嘉龄

“放入近十年的中国话剧创作语境中看，央华版《如梦之梦》的特殊性愈发清晰。当大量作品趋向短时、高密度、强议题表达时，如梦始终保持着一种缓慢而稳定的更新节奏。”

如果回看近十余年的中国话剧舞台，央华版《如梦之梦》始终是一个绕不开的存在。它不是最新的作品，却持续被讨论；它不回应即时议题，却不断被重新进入。“如梦”不只是一次演出事件，而逐渐成为一个可以反复被观看、被比较、被重新理解的剧场母本。

2026年，央华版话剧《如梦之梦》迎来谢幕巡演收官，于1月1日至4日在北京艺术中心·歌剧院率先开演。从2021年开始，在艺术总监王可然与复排导演陈立美、张瑞的工作精进中，“如梦”逐年呈现新面貌。1月在北京新一轮的演出，与其说这是一次“谢幕首演”，不如说是央华版《如梦之梦》在持续十余年演出实践之后，一次阶段性的呈现。它所面对的，不再是“是否成立”的问题，而是：一部戏，究竟如何被时间留下来。

三代艺术家精准对位顾香兰三个人生阶段

在“如梦”的叙事体系中，顾香兰始终是最具纵深的人物。她不仅是个人命运的承载者，也是时代、记忆与选择的交汇点。在央华版的演出中，这一角色并未被固化为单一形象，而是随着演员配置与结构调整，逐渐形成一种清晰的“版本意识”——顾香兰不再只是一个结果性人物，而是被拆解为不同时间阶段的生命存在。

孟庆旸、许晴和徐俐分别饰演顾香兰的三个人生阶段。

2026年这一版，正是这种版本意识进一步明确的体现。十余年来，五号病人几经更迭，但舞台中央的盛年顾香兰始终是许晴。她是整部戏情感能量的心脏与美学标准的尺度，许晴如定海神针般让央华版《如梦之梦》成为剧场不可撼动的标志。

本轮演出中，新加盟的青年舞蹈艺术家孟庆旸饰演青年顾香兰。孟庆旸的表演，并不急于指向顾香兰此后的人生走向，而是将注意力放在尚未被命运完全塑形的状态上。她塑造的青年顾香兰，更像是在感知世界，而非回应世界——这种“起点意识”，使角色不再只是悲剧的前奏，而成为一个真实的生命起始。在首演中，孟庆旸也充分展现出身为舞者对节奏、空间、重心、停顿、呼吸的敏感，重新铸成话剧表演的内在结构——让台词不只是“说对”，更是“在某个动作与停顿里发生”，比如顾香兰第一次和王德宝见面，递上那一杯茶时的亮相和停顿，孟庆旸让情绪通过身体的细微变化抵达观众，手臂的延伸、视线的落点、重心的移动，这些细微被放进话剧的语言体系里，顾香兰随之呈现出更丰富的“生命纹理”：她的爱、她的骄傲、她的伤、她的自我辩护与自我坍塌，不止于台词的意义，也落在身体的“来不及掩饰”之处。

与青年顾香兰形成鲜明对照的，是由徐俐饰演的老年顾香兰。她的表演极其克制。她并不承担情节推进的功能，也不制造戏剧高潮，而是以一种稳定、低调的方式存在着。正是这种存在感，使整部戏获得了一种“被时间看过”的质地。

在这一版中，老年顾香兰不再只是故事的终点，而更像是整个梦境的锚点。此前所有关于选择、失去与命运的叙述，都在她的出现中被托住，而非被放大。这种处理方式，使时间不再成为戏剧的压力，而成为一种被安放的状态。

梦境从个人走向共同让观众更感同身受

在新角色带来结构变化的同时，央华版长期合作演员构成了演出的稳定基底。张翰、张亮、赵子琪、李宗雷、付兴、铁伟光等演员的持续参与，使作品在节奏调整中依然保持审美连续性。

其中，姚景元饰演的小王德宝，在这一轮中呈现出更为细腻、准确的状态。他不再强调角色的外在特征，而是更注重情绪逻辑的内在连贯，使这一角色在群像中显得尤为真实。

此次演出将所有个体的命运更紧密地包裹、融合。

音乐主题曲《走进你的梦》的呈现方式变化，是本轮演出中最具结构意义的更新之一。在此前由许晴与王维倩演唱的版本，承担的是人物内心独白的功能；而在2026年版中，这一段落被重新设计为群唱，她们演唱之后，五号病人、伯爵等人物陆续加入，演员从暗处走出，分布在环形舞台的四个方向。

这一转向，使主题从“个人命运的感叹”，走向“共同命运的显现”。这一改变，契合了艺术总监王可然始终秉持的理念：让戏剧拥有让更多人感同身受的生命力。此次演出将所有个体的命运更紧密地包裹、融合。声音不再来自单一中心，而是从四面包围观众，使梦境不再属于某一个人，而成为所有角色共同置身其中的状态。这一场戏，也被普遍认为是整部演出的华彩高光时刻之一。

从八小时凝练到六小时二十分更接近流动梦境

在很长一段时间里，“如梦”的八小时结构，几乎被视为其不可分割的组成部分。漫长的观看时长、环形舞台与观众围坐的形式，共同构成了一种近乎仪式性的剧场经验。而2026年版本中，央华版将整体演出调整为六小时（6小时20分，含2次中场休息共7小时）。这一变化并非源于文本删减，而是节奏、段落衔接与整体气息的重新组织。换言之，时间不再被当作“门槛”或“标签”，而被视为一种可以被重新分配的戏剧材料。

在长期演出经验的积累之上，这一调整显露出一种成熟判断：当故事与人物已经被反复验证，真正决定观看质量的，不再是“经历多久”，而是梦是否能够在有限时间内保持完整与连续。六小时版本，使整部作品更接近一种连续流动的梦境，而非由段落拼接而成的时间总和。

六小时版本，使整部作品更接近一种连续流动的梦境，而非由段落拼接而成的时间总和。

央华版并非简单的授权复排，而是在十余年的持续演出中，逐渐形成了一种稳定的生产机制。这种机制以单一作品为核心，通过长期共演、演员更新与结构校准，使作品成为一个不断被修订的“活体系统”。在强调项目更新速度与市场效率的行业环境中，这种生产方式本身，已构成一种鲜明对照。

六小时版本的出现，正是这一体系内部自我调整的结果，而非向外部压力的妥协。

放入近十年的中国话剧创作语境中看，央华版《如梦之梦》的特殊性愈发清晰。当大量作品趋向短时、高密度、强议题表达时，“如梦”始终保持着一种缓慢而稳定的更新节奏。它不试图回应所有现实问题，也不急于给出价值判断，而是允许观众在不同人生阶段，与同一部作品发生不同关系。

在这一意义上，央华版《如梦之梦》并非被时间“保留下来”，而是主动进入时间之中，与时间共处。