雕塑巨匠罗丹与他的无限素描

法国艺术巨匠奥古斯特・罗丹（Auguste Rodin，1840—1917）作为雕塑家享誉世界，但他同时也是一位充满热忱的画家，“道理很简单：我的画作是我作品的密钥。”

罗丹的绘画作品体量庞大，他一生大约创作了1万幅作品，其中7000幅被博物馆珍藏。《艺术澎湃》获悉，12月13日，“罗丹：无限素描”在法国罗丹博物馆开幕，精选了该珍藏中的近70幅作品，揭示其如何用素描为雕塑创作打下草稿，以及其鲜为人知的绘画探索。

“罗丹：无限素描”海报 展期：2025年12月13日 - 2026年3月1日 地点：巴黎罗丹博物馆

罗丹在其工作室

绘画成为罗丹的 “实验场”

展览以六个主题板块串联，既按时间脉络、也依风格特点展开。这些板块将探索罗丹从早年创作到成熟时期的 “光影画作” 中所运用的技法 —— 其中既包含受《神曲》启发的 “黑色画作”，也涵盖他晚年在色彩上的实验性尝试。

拼贴手法、碎片艺术、创作痕迹的外露、对动态的追求，尤其是他始终坚持的 “重绘” 创作方式，共同构建出一种纯粹的形色语言，让罗丹跻身现代艺术的先驱之列。

《人与爬行动物的搏斗（又名 “人类向爬行动物的蜕变”）》，约 1880 年，石墨铅笔、墨水与水粉绘于方格纸上

《轻纱中的裸女》，1890-1896 年，墨水绘于带水印的纸上

罗丹的绘画极少是为雕塑或纪念碑创作做准备，而是成为艺术的 “实验场”。这些画稿大多没有标注日期，有些甚至在创作数年后被重新修改，因此难以精准追溯时间线，但仍能从中清晰看到他艺术生涯的重大转变：早年作品深受古典文化熏陶，随后是充满阴郁与痛苦的 “黑色画作”，1890年起又转向以真人模特为原型的创新创作，通过捕捉动态、追求自发性与简化形态，开辟出全新的艺术路径。

罗丹自画像

六大板块勾勒艺术生涯

1854年至1857年，罗丹在法国国立应用美术学院学习期间，古典文化便是他的核心学习内容。这所学校主要面向工匠，教学模式借鉴了培养专业艺术家的 “大学院”（法国国立高等美术学院）模式，解剖学研究、临摹大师作品、凭记忆作画是核心课程。

罗丹曾四处写生，精心绘制人体习作、在帝国图书馆临摹古典花瓶版画、频繁出入卢浮宫。在学生时期的作品中，他已开始尝试 “移植画法”—— 临摹某一古典人物形象，将其裁剪下来、上色，再移植到更大的画纸上，作为绘画创作的原型。希腊罗马文化的影响深深植根于他的雕塑创作中，即便在成熟期的绘画作品里，也能隐约看到古典元素的痕迹。

《仿古典花瓶的酒神节场景》，1870 年前创作，石墨铅笔、水彩、剪纸贴于羊皮纸。本文图片来源：罗丹博物馆，让・德・卡朗摄影

罗丹早年带着本子游历法国，探索中世纪与文艺复兴时期的建筑。每一次旅行，他都会到访各地教堂，无论规模大小、名气高低。他曾说：“每次旅行，我都会坚持参观沿途所有能看到的大教堂。”直到去世前，他已在数百页纸上画满了檐口、柱子的草图，还细致描绘了光影效果，尤其对线脚格外关注。他的底座设计灵感就源自这些线脚，女性人物的轮廓设计也受其启发。

直至生命尽头，罗丹始终保持着对建筑的热爱，并在1914年出版的《法国大教堂》中将这份热爱凝练成 “艺术遗嘱”。

《亚眠大教堂立面（索姆省）》，羽毛笔与墨水

1880年，法国政府委托罗丹为计划新建的装饰艺术博物馆设计一扇纪念性大门，主题定为但丁的《神曲》。在这部13世纪的史诗中，但丁描述了自己穿越九层地狱的历程，以及罪人们因不同罪孽而遭受的逐级加重的惩罚。

罗丹满怀热忱地研读《神曲》，边读边画，由此诞生了 “黑色画作” 系列。这一系列并非为了图解《神曲》，也不是为特定雕塑做草稿，而是罗丹对 “地狱” 的个人化诠释——画面中充斥着巨人般的躯体与哀伤的影子。

雕塑家安托万・布尔代勒将这一系列命名为 “黑色画作”，其特点是色彩局限于暗沉色调，且对比强烈。躯体的扭曲与物质的 “痛苦” 相互呼应：罗丹通过层层叠加石墨、墨水与水粉，历经数月反复修改，甚至将画稿贴在新载体上继续创作，刻意保留 “未完成感”。

《坐立男子的影子》，石墨铅笔、墨水、水粉绘于方格纸

19世纪90年代，罗丹的版画创作发生深刻转变。他开始以真人模特为原型，进行写生创作。他摒弃了学院派的传统规范与刻板的姿势套路，模特不再保持固定姿势，而是在工作室里自由活动。罗丹追求 “能诠释完整动作的精准姿态”，捕捉动作的连贯过程，以及姿势前后的瞬间动态。

画面中的人物轮廓简化，不再有鲜明细节，粉色与黄色水彩充斥画面。图像的组合如同 “逐层剥茧”：服饰与发丝交融，非但没有遮蔽躯体，反而更凸显其形态。渐渐地，模特们呈现出大胆的性感姿态，这与当时沙龙中常见的 “端庄维纳斯” 形象截然不同。

这些 “过渡时期的画作”，既体现了对现实的观察，也包含了形式上的实验，为他成熟期 “光影画作” 的诞生奠定了基础。

《裸体站立女子，双手举过头顶》，约1890年创作，石墨铅笔、墨水、水彩绘于水印纸

19世纪90年代末，罗丹专注于绘画创作。与雕塑实践类似，他会围绕同一形象尝试各种可能性：如同用黏土或石膏反复翻模，他会临摹最初的速写稿；女性裸体形象常被裁剪下来，以便灵活翻转或与其他形象组合。传统绘画中的参照物与构图逻辑被彻底打破。

《正面跪姿裸体女性》，石墨蜡笔、水彩与剪纸（绘于羊皮纸上）

罗丹将雕塑中对 “局部形象” 的探索延伸到绘画中。例如，没有头部与四肢的躯干可让人联想到古典花瓶。

罗丹曾说：“追随自然，便能拥有一切。当我有一位身材优美的女性模特时，从她身上获得的画稿，会让我联想到昆虫、鸟类与鱼类的形象。”

《密涅瓦》（Minerve），石墨铅笔、水彩绘于羊皮纸

晚年的罗丹将色彩视为独立的实验领域。他所用的色彩不再以还原现实为目的，而是通过水彩的流动性与创作中的偶然性，形成色块、色流与光晕，将现实转化为富有诗意的语言。

在部分作品中，色彩如同模板般环绕人物，使其从背景中凸显；在另一些作品中，色彩几乎完全覆盖画面，甚至模糊了形象本身。他选择用单一色彩填满整个躯体的 “满涂法”，预示了单色画作为独立绘画类型的发展方向。

罗丹不断重复绘制同一形象并尝试变体，赋予其有时甚至相反的含义。有时形象被透明水彩的叠加所 “淹没”，有时又被几笔明亮的色彩所 “点亮”。在这些色彩斑斓的画面中，作品始终强调自身的 “物质属性”—— 它首先是纸与颜料的结合。也正因如此，罗丹无疑是现代主义造型艺术探索的重要先驱。

《裸体女子，单腿抬起》，石墨铅笔、水彩绘于羊皮纸

值得一提的是，在上海罗丹艺术中心（原上海世博会法国馆），展览“罗丹：现代雕塑的启承”将展览至2026年3月26日，展出百余件罗丹原作，包括《思想者》《青铜时代》《夏娃》《巴尔扎克》《加莱义民》等6件法国罗丹博物馆镇馆之宝。为艺术爱好者提供了一次深度了解罗丹的机会。

上海罗丹艺术中心展出的《思想者》

如果你想在巴黎深度了解罗丹，这个展览和罗丹博物馆都非常值得专程前往。巴黎罗丹博物馆位于比隆宅邸，这座洛可可风格建筑是罗丹的工作室，其本身也是一座艺术遗产。馆藏极为丰富，除了罗丹捐赠的雕塑，还有其个人收藏的梵高、雷诺阿等画家作品。

参考资料来源：巴黎罗丹博物馆