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不知您是否经历过两种截然不同的观剧体验：
一边是灯火辉煌的大剧院，新编剧目正在上演。舞美恢弘，灯光绚烂，阵容强大，主题高远。台下专家领导正襟危坐，席间掌声礼貌而克制。这就是我们常说的“评奖戏”。
另一边是热闹朴素的基层剧场，台上正唱着《锁麟囊》《天仙配》《双玉蝉》。没有复杂的布景，只有熟悉的唱腔。台下观众如痴如醉，叫好声此起彼伏。这便是剧团赖以生存的“吃饭戏”。
这两类剧目，犹如行驶在两条轨道上的列车，构成了当今戏曲界一道奇景：割裂的“两张皮”。
一、 各走各的道
要理解这种割裂，先要看清“评奖戏”与“吃饭戏”各自的样貌。
“评奖戏”是政绩戏、工程戏。它的目标很明确，为奖而生。从立项之初，目光就紧盯着文华奖、“五个一工程”等重大奖项，所有创作都围绕着评奖标准展开。它的资源相当优越，甚至可以说不计成本。集中全院乃至全地区最优资源，重金聘请知名编导、舞美，动用顶尖演员。预算高昂，却几乎无需考虑市场回报。它的主题立意高远，往往紧扣时代主旋律、重大历史事件或地方文化名片，追求思想的深刻性。可惜的是，这些戏大多在完成首演、拿到奖项后，就因为巡演困难、商演无门而刀枪入库、马放南山。
“吃饭戏”是营业戏、观众戏。它为观众而演，观众爱看、愿意买票是它存在的理由。演出成本可控，舞美简洁，行头传统，便于下乡巡演，具有很强的灵活性。更重要的是，这些戏在一次次的演出中打磨，在与观众的互动中生长，与观众建立了深厚的情感纽带。剧目的故事家喻户晓，唱段耳熟能详，是剧团维持日常运营、保证基层群众有戏可看的根本保障。
这两类戏从创作理念、演出方式到评价标准，都活在两个平行的世界里，彼此隔阂，很少往来。
二、 无奈的生存智慧
“两张皮”现象的出现，不是艺术家们心甘情愿的选择，而是当前戏曲生态下无奈的生存智慧。
对院团领导和艺术家而言，职称评定、薪资等级、团体声誉，很大程度上与获得政府大奖的数量和级别直接挂钩。市场票房、观众口碑，在这套评价体系中占比甚微。这根强大的指挥棒，自然将创作力量引向了“评奖戏”。
在戏曲艺术相对弱势的今天，资源获取本就困难。一旦获得大奖，院团就能获得更多的财政拨款、项目扶持和媒体曝光，形成了良性循环。而默默无闻演“吃饭戏”的剧团，则可能因缺乏创新创作而被边缘化。这导致院团即便知道“评奖戏”不赚钱，也必须硬着头皮上。
在唯奖项论的压力下，创作不再是为了表达艺术理想或服务人民群众，反而变成了一场投机。揣摩评委喜好、紧跟政策风向，成为了比研究观众需求和艺术规律更重要的功课。
为了在评奖中脱颖而出，“评奖戏”往往倾向于堆砌技术、追求形式的宏大与新奇。大乐队、大制作、大场面成了标配，转台、景片挤占了表演空间，演员连跑圆场的地方都没有。戏曲最核心的“四功五法”、虚拟写意的美学精神，反而在眼花缭乱的过度包装中被削弱了。
三、 让艺术回归统一
长此以往的“两张皮”，危害巨大。它浪费了宝贵的公共文化资源，挫伤了艺术家的创作真诚，更让戏曲离它的衣食父母——普通观众越来越远。我觉得，戏曲综合评价体系需要重新建立。主管部门要改革评价机制，把演出场次、上座率、票房收入、观众评价等市场指标，提升到与奖项同等甚至更高的地位。让那些既能拿奖、又能卖票的好作品获得最大激励。
一部成功的“评奖戏”不应该止于奖杯，应该拥有更长的艺术生命。获奖后，院团需要主动对其进行瘦身改造，降低演出成本，推向基层和市场进行巡演，接受观众的检验，努力将其打造成新的保留剧目。如黄梅戏《徽州女人》，自1999年首演后，不仅夺得大奖，还拥有火热的票房，至今仍在上演。
当然，“吃饭戏”也不能停留在老戏老演。应该鼓励艺术家在尊重传统精髓的前提下，对剧本进行精炼，对节奏进行微调，利用现代舞美灯光进行适度提升，让老戏焕发新光彩，满足当代观众的审美需求。如评剧《花为媒》，作为骨子老戏，近年来又结合电影版和舞台版各自的特点，根据群众欣赏习惯进行了重新编排，在巡回演出中获得好评。
戏曲创作最理想的状态，是打破“评奖”与“吃饭”的对立，从创作源头就思考：我们排的戏，既要思想精深、艺术精湛，也要制作精良、观众爱看。这需要决策者、艺术家和市场三方达成共识，共同培育既能体现时代精神、又具备强大市场生命力的新的经典作品。
当然，说起来容易做起来难。不知大家对此有什么看法？欢迎一起探讨。
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