艺术家不一定能挣钱？艺术圈的残酷的真相，这位老师说了真话

欢迎来到小莫看国际，小莫这篇深度分享，主要拆解艺术生的真实生存现状，家长担心的“不赚钱”并非真相，真正的核心是多数人熬不过成名前的“沉默期”。

“学艺术以后能干嘛？”这是艺术教育者丘山被家长问得最多的问题。

在实用主义主导的教育认知里，艺术因缺乏明确的职业指向性，常被贴上“没前途”“浪费时间”的标签。

尤其是影像艺术这类细分领域，更是让家长忧心忡忡，他们能想到的最好出路，不过是让孩子当一名商业摄影师。

但事实真的如此吗？一线艺术导师的教学实践，加上顶尖艺术院校的就业数据，正在戳破这些刻板印象，还原艺术教育的本质与艺术生的成长路径。

“生活厚度”的教育

在我国教育体系中，编程、机械工程等应用类学科占据主流，它们的价值可以通过薪资、技能等级等明确标准衡量。

但丘山认为，艺术与哲学一样，属于纯教育范畴，其核心价值无法用功利指标量化。

哲学教会人如何思考，即便不思考也能生存，但学会思考能让人更清醒地认知世界，艺术亦是如此，不懂艺术不会影响正常生活，但懂艺术能让生活更有质感与深度。

这种教育更接近博雅教育的本质，不指向某个特定职业目标，而是培养人的感知力、表达力与创造力，这些能力看似“无用”，却能在长期生活与职业发展中持续发挥作用。

皇家艺术学院（RCA）2024年毕业生职业报告印证了这一点，该校74%的校友表示艺术教育帮助他们实现了职业抱负，60%获得了原本无法触及的工作机会，2/5的毕业生通过艺术学习完成了职业转型。

艺术教育的收益从来不是即时的金钱回报，而是个人综合素养的沉淀。

录取只是最低标准

很多人觉得顶尖艺术院校遥不可及，但丘山的教学经历给出了不同答案，过去五年，他辅导的学生基本都能拿到第一、第二志愿录取，涵盖英国皇家艺术学院、伦敦艺术学院，美国罗德岛设计学院、普瑞特艺术学院等世界名校。

丘山的招生范围很广，既有本科深耕艺术的学生，也有大量转专业申请者，影像艺术领域尤为明显，不少与艺术无关的专业学生，因生活中接触到影像创意内容而产生兴趣。

他的辅导逻辑很清晰，先通过类似心理咨询的沟通，挖掘学生真正关注的话题与经历，找到其内在表达诉求，再引导他们用文字、图像、材料等多元载体呈现，而非局限于单一的摄影形式。

但在丘山看来，录取只是最低标准。他的核心目标是培养学生独立且持续的创作能力，24岁艺术研究生毕业，到38岁左右达到职业巅峰，这中间的十年是关键。

尤其是影像艺术领域，几乎没有艺术家能在30岁前成名，长达六年的“默默无名期”，考验的正是这种持续创作的耐力。

艺术生的“真相

“艺术家是天生的吗？”这个问题没有标准答案。

艺术领域的“天赋”难以像运动员的身高、弹跳力那样量化，更多是对生活的敏感度与表达欲。

丘山发现，很多学生选择艺术，只是羡慕艺术家的“酷”，而非真正有表达需求，这就容易出现“考上名校后失去动力”的情况。

为了打破这种浪漫幻想，丘山的教学充满“反套路”：带学生参与商业时尚摄影项目，让他们亲身体验每天走10公里、背负沉重器材的高强度工作，明白艺术也是重体力劳作。

工作室里没有满地颜料、熬夜创作的场景，反而有规律的生活——每天下午3点半他会放下工作为学生做饭，晚上一起用餐，传递“艺术源于生活，不能替代生活”的理念。

要求学生每隔一天统一健身，因为艺术创作需要强大的体能支撑，这是很多人忽略的“劳作本质”。

最让人意外的是，他曾有一位学生，拿到所有目标院校录取后，却决定先gap两三年再入学。

这位学生坦言，通过辅导意识到自己还没到真正的创作阶段，需要先积累生活阅历——这种对自我节奏的把握，恰恰是艺术教育最成功的体现。

艺术生就业差， 家长担心的“学艺术没出路”，但在数据面前不攻自破。

RCA的报告显示，该校毕业生毕业后12个月内，2/3能通过艺术相关工作赚取收入，年均收入达57,000英镑，高收入者可达150万英镑。

他们的职业方向也远超家长想象，除了艺术家、摄影师，还包括企业设计师、自由职业者、艺术教育者等多元角色。

更重要的是，超过2/3的在职校友认为自己的工作产生了积极的社会影响。

艺术生的就业优势不在于“对口岗位多”，而在于创造力与感知力带来的职业适应性——这些能力让他们既能在艺术领域深耕，也能在跨界领域脱颖而出。