一个好莱坞科幻导演的技术平权实验｜专访Alex Proyas

「我们正身处科幻小说般的时代」，在Alex看来，随着AI及相关技术的持续发展，世界正以前所未有的速度变迁。这使得科幻创作在当下具有超越以往的现实意义。

作者 | 陆娜（北京）

「如果你看过《星际穿越》，可能只是个影迷，但是否看过《移魂都市》是检验骨灰级科幻迷的一个标志。」著名电影人、《流浪地球》系列监制王红卫如此评价道。

1998年上映的《移魂都市》，由好莱坞导演亚历克斯·普罗亚斯（Alex Proyas）执导。影片通过对记忆操控、虚假现实等科幻母题的深刻探讨，以及融合表现主义的视觉风格，不仅成为科幻迷心中的「邪典经典」，也被认为影响了《黑客帝国》等后续科幻佳作。

今年九月，《移魂都市》在第二届中国（宁波象山）北纬30°科幻电影周上进行了学术放映，策展人马贺亮也特邀Alex担任国际科幻大师班嘉宾，分享其创作心得。此次活动是北纬30°科幻创造营课程体系的有机延伸，旨在为青年创作者提供多元化的思维启迪和国际视野。

「拍电影就是建造一个世界。」这是Alex与王红卫在映后交流中的高度共识。在《移魂都市》中，Alex几乎全程于庞大的摄影棚内构建了一个不见天日的封闭宇宙。其沉浸感之强，令整个剧组都仿佛「活在了那个世界里」。

建造世界的创作动力，也驱动着他在技术上不断突破边界。在其另一代表作《我，机器人》（又称《机械公敌》）中，面对「制作上千个机器人」的巨额成本难题，他的团队开创性地将35毫米胶片摄影机与实时联动的计算机模型结合，实现了镜头移动时虚拟场景的同步变化。

这项在新世纪初令人惊叹的技术，成为了虚拟制作的重要开端之一，影片也提名了77届奥斯卡最佳视觉效果奖。

在2014至2015年执导的《神战：权力之眼》中，Alex已开始全面采用虚拟拍摄技术，但仍未脱离传统绿幕/蓝幕的范畴。而在其最新作品《罗素姆万能机器人》中，就已转向完全基于LED屏幕的虚拟制片流程，通过「所见即所得」的虚拍技术，极大提升了拍摄效率与决策精准度。

基于这些前沿实践，Alex在2021年创立了虚拟影像工作室「异基地」，其使命十分明确：在西方，此类尖端技术多被预算雄厚的大型制作垄断；而「异基地」旨在打破这一壁垒，让独立制片与小成本项目也能享受到技术革新的红利。

「我们正身处科幻小说般的时代」，在Alex看来，随着AI及相关技术的持续发展，世界正以前所未有的速度变迁。这使得科幻创作在当下具有超越以往的现实意义。

Alex强调，阅读科幻小说是他毕生的热爱，也是其电影创作最重要的灵感源泉。作为人机对抗题材的标杆之作，《我，机器人》就改编自美国科幻小说鼻祖阿西莫夫的经典作品。阿西莫夫提出的「机器人学三定律」，至今仍是人工智能题材叙事的重要框架。

这次来到中国，并且看到北纬30°科幻电影周上多部以优秀科幻文学IP为创作基础拍摄的短片，他感叹中国年轻创作者展现出多元的专业素养和勇于探索的创新精神。

与此同时，Alex坦言，好莱坞电影产业正陷入「生存之战」，原创作品的生存空间日益收窄，科幻片由于盈利难度更是失去投资方青睐，导致了这一类型的式微。面对这一困境，一些如Alex这样坚持创作的电影人不得不寻求新的发展路径，「未来的关键在于探索可能性」。

将电影创作比作一场马拉松，Alex道出了其中的真谛：「从构思到完成，一部作品可能需要数年光阴，面对各种挑战。你必须找到一个对自己极具感染力的主题与故事，精准捕捉时代精神，才能让更多的人心中共同闪烁火花。」

以下是《新声Pro》（微信公众号ID：xinsheng-pro）和导演Alex Proyas的部分对话：

新声Pro：如今全球科幻创作更关注气候变化、疫情、社交媒体等现实议题，你认为科幻叙事的核心使命发生变化了吗？

Alex：我所遵循的科幻传统，是源自几百年前的科幻文学。比如儒勒·凡尔纳、H.G. 威尔斯，还有那些黄金时代的英美科幻作家，像阿瑟·C·克拉克、艾萨克·阿西莫夫，还有 J.G.巴拉德这些优秀的创作者。

科幻从来都是在探论当下议题。它并非关乎动作场面或预言未来。它的作用是将我们投射到未来，讨论我们作为人类现在关切的问题。所以电影中的科幻叙事从未真正做到这点。科幻文学涉及的哲学思想与概念，通常不太容易转化为商业电影制作。

所以你提到的那些议题一直都是科幻关注的重点，现在甚至比以往更重要，因为我们现在就生活在一个科幻小说般的时代，对吧？世界变化如此之快。正因如此，我认为这个类型的创作比任何时候都更具现实意义。

新声Pro：所以你目前最关注的也是和当下非常相关的主题。

Alex：一直如此。我所有的电影，所有的科幻领域作品，讲的都是与我们当下生活有关的内容。故事必须能和观众产生共鸣，观众坐在电影院里想看到的是自己的生活。我只是通过科幻手法将其放大：或将其极端化，或赋予象征意义，而非创造一个完全虚构的世界。

当下人们很容易受不同立场影响，若在聚焦现实议题的电影中评论社会与政治，很容易引发因立场差异而产生的抵触。但将现实问题转化为象征性的科幻故事后，观众可依据自身理解自由解读，既不会受限于当下的立场，也不会因导演的观点而感到被冒犯。

新声Pro：你观察到全球范围内科幻电影领域出现了哪些新的风格和趋势？

Alex：每次回答这类问题，我都想把中西方电影制作结合起来说，但这很难，因为两者差异太大了。虽然这段时间也在学习了解中国电影，但目前所知还比较有限。

新声Pro：可以先聊聊好莱坞的情况。

Alex：当下在好莱坞，科幻片并非热门类型。没错，它不火了。原因是好莱坞电影正处在「生存之战」中，处境愈发艰难，电影人想将作品落地变得越来越难。

拿我自己举例：十年前，只要有原创构思，不管是基于中短篇小说还是漫画改编，只要能为电影市场带来新鲜内容，即便要拍高预算科幻片，且既不是翻拍，也不是系列续作，我都能在好莱坞找到投资。可现在完全不可能了，原创电影在好莱坞已经失去了市场。

科幻片不受投资方青睐，本质是这类作品难以带来足够收益，而投资方的核心诉求就是盈利。所以我们这些偏爱科幻的电影人，只能想办法降低制作成本。我目前正在收尾的电影就是这么做的：尽量压缩预算，但依然要构建完整的世界观——这是我一直坚持的创作追求，而技术发展也在帮我们实现这一点。

如今好莱坞更受欢迎的是恐怖片，因为成本低、易回本。不过我始终抱有期待：随着AI及相关技术的普及，科幻片的制作成本会进一步降低，希望未来也能拍出更多科幻作品。

新声Pro：在中国，我们看到了一些新趋势，比如很多作品会融合不同类型，像科幻和喜剧、动作、惊悚结合。好莱坞现在还常见这种类型融合吗？

Alex：现在好莱坞很少尝试类型融合，跨类型创作既罕见又充满挑战。我最近刚拍了一部集科幻、爱情、喜剧与音乐元素于一体的电影，但这也正是我筹资困难的原因。

好莱坞行业观念保守，那些掌控预算的人极其傲慢，总自认为深谙电影盈利之道，可事实是，没人能真正摸透市场规律。有些人的电影能成功赚钱，更多是靠运气罢了。

能否抓住「时代精神」（zeitgeist）才是关键。作为创作者，若能精准捕捉一个时代的核心氛围、大众情绪，作品就能打动千百万人。影视圈有不少这样的案例：有些电影刚上映时无人问津，十年后却成了经典，风靡全球。

我的《移魂都市》就是这样，上映时没人能看懂，也没多少人走进影院，如今它已成为风靡全球的邪典电影。这部片子最近刚在中国首次放映，希望中国观众也能喜欢它。

新声Pro：这次参加第二届北纬30°科幻电影周，有什么印象深刻的科幻作品或年轻创作者？

Alex：从整体来看，所有作品质量都十分出色，技术层面与视觉呈现尤为亮眼，完成度很高。对我而言，这类作品或许还可以在「讲故事」上多下功夫，整体叙事能力仍有进步空间。

我错过了第一部短片《同尘》的完整放映，不便全面评价，但仅从后半段来看，其视觉效果十分出色，给我留下了很好的印象。而且这是位女性导演的作品，单这一点就让我格外关注。当然，所有参展作品都各有亮点，整体水准很高。

此次展映中的AI生成影片也很有意思。AI本身是电影领域的重要发展方向，未来必然会改变电影制作的核心逻辑，因此能看到创作者对这项技术的运用探索很有意义。

具体来看，《麦浪》的创意想法很有趣，但作为观众，我未能与故事产生共鸣，难以投入其中。尽管它在技术层面完成度高，角色设定也保持了一致性——这对AI创作而言已属不易。但我始终没有感觉到我在看真实的人。不过客观来说，电影本身就不存在 「真实的人」。即便真人演员出镜，呈现在银幕上的也只是过去的影像。

《登月》我觉得会更成功，因为它的风格定位更偏向动画，就像日式动漫那种质感，而不是真人实拍。我觉得这种风格选得很好，呈现效果更出彩。

新声Pro：你提到新片会采用虚拟拍摄技术，这会为你当下的创作带来了哪些自由和新的挑战？目前好莱坞在虚拟制片方面有哪些新进展？

Alex：虚拟制作简单来说，就是借助LED屏搭建场景，摄像机与计算机系统联动。摄像机移动时，屏上虚拟环境的视角会同步变化，让演员仿佛真的身处实景之中。这种制作方式优势很明显：无需搭建大型实体布景，环境可在电脑中建模，如今我们还越来越多地用AI构建场景，效率大幅提升，且一人即可操作，无需传统CG技术那样多人分工的耗时耗力流程。

另外，虚拟拍摄无需辗转各地外景地，也不用申请多地拍摄许可，只需要一个摄影棚就行。在同一个棚里，按个按钮就能切换灯光和虚拟环境，拍摄效率极大提高。

我刚完成的影片仅用9周就拍完了，若按传统多场景搭建模式，至少需要3到4个月，耗时是现在的2到3倍。这种高效模式不仅降低成本，也给我这样的创作者更多自由，不用再求着别人给几百万美元投资，小预算也能拍。

新声Pro：你之前还有哪些作品用过虚拟拍摄？

Alex：其实早在2003年拍《我，机器人》时，我就首次尝试将摄像机与计算机模型联动，实现了镜头移动时虚拟场景的同步变化，算是开创了这类技术的先河。从那以后，我就越来越多地应用这种技术。

2014到2015年拍的《神战：权力之眼》，全片都采用了虚拟技术，但仍依赖绿幕或蓝幕。而我最新的这部电影，则完全采用 LED屏的虚拍技术。LED屏能让群演表演更自然，还能在监视器上实时看到拍摄效果，即时判断拍得好不好，流程更顺畅。

新声Pro：你组建了虚拟影像工作室「异基地」（Heretic Foundation），希望这个工作室具体在哪些方面改变电影制作的游戏规则，互相怎么合作配合？

Alex：「异基地」的定位十分明确：西方当下的影视新技术，大多只服务于预算充足的大制作与资方，而我成立这个工作室，就是想让这些技术触达独立电影人，助力小预算项目。

因此我们采用精简模式运营：团队人员少、运营成本低、场地规模小，也不配备自有LED屏。核心业务集中在虚拟环境搭建，以及合成、CG制作等传统视觉特效（VFX）。需要用LED屏时，我们会从专门的公司租赁，再在摄影棚内搭建设备推进项目。

我们专注于产业链的顶端环节，结合AI技术实现高效快速的制作流程，将由此节省的成本转化为优势，帮助独立制作团队用有限预算做出更好的作品。

新声Pro：工作室会发掘、扶持新人吗，或让更多人参与到「革新实验」中的计划？

Alex：我们正在积极开展多方合作，不仅与其他创作者协作，也与企业建立伙伴关系，比如戴尔电脑。近期还刚和专注AI开发的平台Leonardo AI团队启动了合作，并将举办一个AI创作竞赛：参赛者运用AI技术制作影片，由我担任评委。最终五位艺术家将获得1万美元奖金，用于支持后续创作。

所有合作的核心目标始终一致，都是让影视新技术不再只服务于大公司、大制作，而是推动技术「普惠化」，让各个层级的创作者都能接触并使用。

对我而言，这既是在帮扶下一代愿意接受新创作方式，却缺乏实践资源的电影人，也是在「引导」老一辈从来没接触过这些技术的传统派创作者。我曾邀请许多澳大利亚同行来到工作室参观，向他们演示「摄像机移动时虚拟场景同步变化」的效果，他们都十分惊叹，并跃跃欲试想在项目中运用这项技术。

新声Pro：你近年通过一系列短片进行了一些影像实验，与你早期的大型商业片相比，通过短片进行了哪些创作新尝试？

Alex：我一直都很喜欢短片，也始终在坚持创作短片。对我来说，长片就像乐队的一张专辑，而短片就像一首单曲，形式更灵活，充满乐趣，能尽情尝试各种实验。

我最近拍的所有短片，核心都是技术实验，要么用虚拟拍摄，要么用AI，或者两者兼用。最妙的是，拍短片想到创意就能立刻实践，不用去筹钱，我自己就能承担成本；团队也愿意一起参与，想办法把片子做出来。所以短片是测试新技术的绝佳方式。

新声Pro：你是否已尝试全AI生成的影像，全流程AI制作和传统生产模式最大的差异是什么，会带来怎样新的美学风格？

Alex：我既是传统主义者，也是未来主义者。我最初爱上的就是大银幕上的大制作真人电影，这也是我一直想创作的方向。

但我也拥抱技术，欣赏它为创作带来的优化，它们让作品呈现更出色、制作流程更完善。但该用AI、数字技术，还是传统胶片技术，理应让创作者自主决定，而非被商业利益左右。

我现在所做的，就是为创作者争取这份选择权，让他们不因为AI成本低，就被商业逻辑逼着只能用AI。正因如此，我正努力开发其他生产模式，探索多种创作方式，让这些前所未有的混合技术得以融合运用，为创作者提供更多可能。

对我而言，与演员合作、和人一起工作至关重要，这是我创作流程的核心。我会独自在房间里完成剧本，但故事真正拥有生命，是从演员念出台词、与我讨论剧本开始的。这种互动无比珍贵，我绝不会舍弃这个环节。因此，我不可能跳过与真人的合作，直接从剧本跳到AI生成式长片。

不过，「混合模式」是可行的：先和演员完成拍摄，再将素材导入AI进行画面调整。这样一来，演员的外形不再是限制。年轻人能演老人，男性可演女性，甚至能演外星生物，但演员的表演细节与灵魂，会通过AI传递到最终画面里。这种模式既能降低成本，又能让我这样的创作者继续与人类协作。这是我非常看重的。

新声Pro：那你认为未来真人实拍和线下电影院会消亡吗？

Alex：我希望不会。就像我刚才说的，创作者应该有权决定「保留哪些传统方式，采用哪些新技术」。而且你看，电视发明后，广播并未消失；电影发明后，戏剧也没消失。

因此我不认为人工智能和新技术会威胁替代传统方式，它们更接近一种补充品，我称之为增强智能。它借鉴了人类智能的某些方面，同时又在拓展我们的认知边界。这很正常，本质上是延续而非替代。而人们之所以恐惧，正是源于这种被取代的想象。

新声Pro：说不定未来去影院看电影会变成一种「复古潮流」。

Alex：真的有可能。但也可能出现另一种情况，就像现在伦敦戏剧界目前正焕发着前所未有的活力，经历着一场真正的复兴。我认为这在一定程度上反映了人们对虚拟体验的某种倦怠，他们渴望看到真实的人在舞台上表演。这种趋势在中国或许尚不明显，但我相信，随着人们对「真实」的渴望日益增长，类似的情况也会出现。

以我17岁的女儿为例，她和同龄人一样，热衷于手机和短视频，但她同样对戏剧和现场表演充满热情，甚至到了痴迷的程度。她自己或许无法完全解释原因，但我认为关键在于：当各种屏幕——无论是大银幕还是小屏幕——充斥生活之后，真实发生在你面前的事，依然具有独特的、无法替代的魅力。

新声Pro：目前已经有AI工具能根据观众反馈实时调整剧情走向，未来还会可能有什么趋势？

Alex：未来无疑会涌现出更多我们目前难以想象的、由AI驱动的艺术形式。我有美国的朋友，现在正在利用AI为电视剧构建完整的世界观和角色基础，观众未来甚至可以在既定框架内进行互动。类似的技术已经存在，比如个性化电影：用户上传自己的照片，等一杯咖啡的时间，一部以你为主角的电影就生成了。

但我还是觉得，这些新技术更多地是创造了新的选择和市场，构成了额外的产业维度，而非简单地取代传统的创作模式。所以我对未来持乐观态度，因为这会为观众提供更丰富的多样性。

AI肯定能做出更多更酷的东西，但最核心的部分——能够真正打动人心的故事，必须源自人类的视角和经验，由人类来讲述，这是机器无法替代的。除非未来进入由机器人完全主导电影制作的时代，那将是另一回事了。

新声Pro：我们什么时候能看到你的下一部电影？

Alex：我也说不准。希望明年能上映吧。不过这部片子野心很大，我们还在继续筹钱，所以进度比较慢。