电影公开课-梁鸣丨导演的旅程：是热爱之旅、光影之旅、更是修行之旅

8月24日下午，第九届86358贾家庄短片周迎来第二场电影公开课。本届短片周本土力量单元终审评审、导演、编剧梁鸣围绕《导演的旅程：是热爱之旅、光影之旅、更是修行之旅》的主题，就他自己在演员与导演间人生选择、电影融资与制作、剧组工作、生活体验等方面的经历与思考，与现场观众进行了深度交流。

《导演的旅程：是热爱之旅、光影之旅、更是修行之旅》

15:00-17:00

主讲嘉宾：梁鸣

“我只是比大家多走了几步创作路，今天想把踩过的坑、攒下的经验，掏出来和大家聊聊。”公开课开场，梁鸣以真诚谦逊的态度拉近与观众的距离。他坦言，此次来到第九届86358贾家庄短片周，既是担任本土力量单元的终审评审，也是为了在这片没有外卖电动车、能静心闭关的景色优美的乡村环境里，推进卡壳多年的剧本创作，而这种在创作与生活中寻找平衡的状态，正是他理解的导演修行的起点。

在梁鸣看来，导演的旅程首先是热爱驱动的坚持之旅，这种坚持不仅体现在作品打磨上，更藏在职业转型的困境与突破里。他从自己的演员生涯讲起，他是表演专业的学生，曾拍摄一些影片时被要求45度转身掏手机的刻板表演，他提出剧本逻辑漏洞却遭驳回，成为机械执行指令的工具而非表演。直到进入一位第六代导演的剧组，他才第一次感受到演员的创作自主性，剧组不会强制要求演员化妆，让演员以自然状态到场；开机前带演员看景、试装，确保人物与场景的适配；甚至要求工作人员不得干扰演员表演，让摄影机主动捕捉真实状态，导演和演员说：“选了你，你就是这个人物了，你干什么都是对的。”梁鸣坦言：“那时候我就暗下决心，只演好电影。”

然而，热爱之路从非坦途。在这部电影中，他与另一位演员的故事线因资方限制被全剪，后续三年跑组送6寸照片，却无电影可拍。2014年，他又因跟腱断裂不得已推掉所有戏，康复期体重涨了20斤。两次挫折让他陷入迷茫，他想：“我是不是不适合做演员？”当演员收入不稳定，没有明确的方向和意识，他带着这份迷茫，逐渐开始自己写剧本。他从2012年开始照着梅峰的剧本来写《日光之下》的雏形，不算正规剧本，更像带情节的小说，只是为了跟角色对话，一写就是6年，故事背景改了无数次，但核心人物与情感关系始终未变。“现在回头看，那些看似浪费的时光，其实都是在为后来的导演之路攒力气。”

电影公开课现场

2018年，梁鸣凭借《日光之下》拿到了中国电影导演协会“青葱计划”的100万奖金，但对于电影制作而言，100万远远不够，他和制片人跑遍了北京大部分资方，得到的全是拒绝，他们都不信任新人导演。那段时间，梁鸣确实想过放弃，但每次翻开剧本，看到那些熟悉的角色，又觉得不甘心，借来一部分资金堪景后，兜兜转转进入到了拍摄与制作阶段。对于投融资，梁鸣鼓励年轻导演遇到问题就要去解决，在见到投资人的时候，还是要积极地展示自己的能力和才华。

梁鸣认为，导演的旅程更是与团队共生的协作之旅，好的作品不是导演的个人独裁，而是让每个创作者都能发光的集体成果。他以《日光之下》的创作为例，分享搭建良性创作环境的关键，即对团队的尊重，要落在具体的细节里。找剧组住宿时，他会亲自检查宾馆暖气够不够、房间是否宽敞，拍摄现场必须坐着吃饭。他开玩笑道：“折叠桌、小凳子花不了多少钱，但能给团队基本的体面。”拍山景时，制片组因睡过了没按时烧炕，他没有指责，而是让大家去车里吹暖风、去餐馆聊戏，等屋子暖和了再开工。“保护演员和工作人员的状态，就是保护作品的质感。”

电影公开课现场

信任，是突破困境的底气。拍摄《日光之下》时，他选择当时拍过《心迷宫》《暴裂无声》的何山担任摄影指导，梁鸣直言，“我相信他的审美和能力，这就够了，不用纠结他的履历够不够光鲜”。拍摄中遇到突发大雪，原定戏份无法推进，他临时加了演员在高台上俯瞰森林的情绪戏，全组一起铲雪、扛机器上山，“没有彼此的信任，没人会愿意陪你冒这个险”。

在与演员的协作上，梁鸣总结出保护与依赖的双重原则。他认为演员的情绪不能在走戏中浪费，走戏时只排调度，不要求演员带情绪，情绪戏开拍前，禁止工作人员临时整理演员衣服、发型。他的工作方法是在讲戏时会把演员拉到一边低声沟通，而不是用对讲机当众指挥，只有这样才能保护好演员的自尊和感受力。同时，他认为自己是依赖演员的导演，会关注演员早上睡没睡好、有没有起床气，需要时开开玩笑调动状态；也从不通过示范表演限制演员，而是给出“情绪再收一点”“这里更放松些”的清晰指令。

电影公开课现场

谈及导演的修行，梁鸣认为核心是对创作本质的持续思考。他认为，要从生活中挖细节，而非停留在表面。他提到自己学表演时的观察生活课，会看卖烤地瓜的大爷，不能只记军大衣、炉子的外在，更要想他从哪来？房租多少？这些人物的前世今生，才是创作的真正滋养。他用李安导演的早期作品举例，“李安导演的创作，不就是从生活里抠出来的感动吗？我们没理由忽视身边的素材。”

梁鸣还认为，“克制”不是形式，要贴合人物真实。文晏导演的《嘉年华》中，人物受到伤害的画面以“克制”的拍摄手法进行呈现，是因为人物处境需要，是为了更好地展现出人物的处境。他不认同“为了克制而克制”的创作误区，比如现在的很多作品中，如果人物本该爆发情绪，却硬要压着，反而不真实。人物没有人性，不像一个真实的人物，导演要做的，是找到最贴合人物的表达方式，而非套用流行的评价标准。

电影公开课现场

针对短片创作，梁鸣认为，短片很难盈利，核心是要被看见，要想清楚自己的抓手，到底是要视听形式更激进，还是要主题切口更独特？如果只是平淡讲故事，很难在影展中脱颖而出。同时，他也鼓励青年影人不要抗拒类型化，现在国际影展也青睐《寄生虫》《阿诺拉》这样的类型化作者电影，类型化不是无脑，而是用更成熟的方式讲好故事，作者表达和观众共鸣可以兼顾。

公开课最后，梁鸣将导演的修行落回到好好生活上来，“每天跑5公里，认真吃一顿青菜，规律作息，生活的滋养会反哺创作。”他还叮嘱在场青年影人：“不要羞于沟通，拍电影是集体创作，清晰的表达能少走很多弯路。另外，遇到困难别慌，每解决一个问题，就是向成熟导演迈进一步。”

电影公开课现场

Q&A

Q：现在很多影展都喜欢弱剧情、强视觉的作品，但我们上课的时候，老师总是从类型化角度来要求，会强调人物塑造、人物关系、事件冲突和剧情张力。想请教您怎么看待这个矛盾？

梁鸣：我特别理解这种割裂感，其实这个问题的核心与“整体性”有关。一部短片的故事、拍摄方法、空间氛围、剪辑节奏等必须是相互适配的。比如张大磊导演的作品，他的故事本身就偏向细腻、日常，用他那种独特的镜头语言、叙事节奏去呈现，是完全统一的。还有邱阳的短片，他的故事和视觉处理方式也高度契合，在影展受欢迎。你所说的割裂感，很可能是故事和呈现方式不匹配导致的，比如你的故事适合强剧情、类型化表达，却硬要学影展里弱化剧情的风格，或者反过来，故事本身偏日常，却强行加类型化冲突，这样自然会觉得别扭。创作里没有绝对的对与错，不管是影展偏好还是老师建议，都需要你自己筛选。别人提意见时，最好能要求附带具体解决方案，可能会更顺，而不是只说“你这故事没讲好”这种概念性的评价。如果意见没有实际指导意义，你听了可能也不理解，反而会干扰创作。当然，不是说要抗拒别人的声音，而是要学会有效聆听，判断哪些意见能刺激你调整，哪些不适合当下的创作。另外，这种困惑是创作的正常过程，有时候理解一个问题、做出调整，可能需要时间，甚至是漫长思考后突然顿悟，不用太焦虑，慢慢摸索、总结就好。

电影公开课现场

Q：您对使用非专业演员有没有什么建议或经验？怎么在现场保护好非专业演员的表演状态呢？

梁鸣：其实我自己的电影里，主角很少用非专业演员。如果一定要用，我觉得核心原则是用他这个人，而不是让他塑造角色。也就是说，你选的素人，要和角色高度适配，他的特质、经历、感受等都要和角色贴合。你要做的是挖掘他自身的东西，而不是要求他突破自己，去演一个陌生的角色。如果想让非专业演员去塑造完全脱离他本人的角色，难度很大，效果也未必好。重点是适配和挖掘，而不是改造。

电影公开课现场

Q：电影是集体创作，前期很容易出现各环节衔接不畅的问题。作为导演，您在前期会怎么协调统一，以确保后期制作顺利？

梁鸣：从写剧本开始，电影创作就是个逐步推进的过程。随着团队组建、资方确定、场景考察、演员选定，你的拍摄构想会慢慢清晰，这时你对电影未来的整体风格、大致感觉已经心里有数了。我个人不喜欢在脑海里先把电影拍一遍，再一板一眼复刻，反而特别希望在现场打破原有计划，激发新的可能性。当然，不是每次都有这样的机会。我可以跟大家分享我拍《逍遥游》时的小方法。每次拍一场戏前，先想常规拍法，比如不动脑筋会怎么拍、别人大概率会怎么拍，把这些基础方案都梳理清楚，当作保底选项。之后，再和摄影、演员等主创一起探讨，有没有新拍法、别的呈现方式。这样做有两个好处，一是能激发大家的想象力，二是有保底方案兜底。因为不是每场戏都能立刻有出色的新想法，真没有的话，就用之前梳理的常规方法拍，不会耽误进度。另外，沟通上有个关键点，即导演得让每个创作部门，包括演员、摄影，都明白这部电影到底是什么、我们要共同达成什么目标。比如，演员不能只盯着自己哪几场戏的演技炸裂，摄影也不能只追求单场戏的酷炫调度，大家都要站在整部电影的高度，思考自己的工作能为电影贡献什么，这样才能避免各环节脱节。