上海
哪怕是一块小小的路牌、一个有触感的边框，或是一道柔和的灯光，在色部义昭手中，都会带有性格与情绪，在日常生活中悄悄发挥作用。
如果说这个夏天日本最火的视觉形象是什么，大多数人会回答——那个像细胞一样分裂、螺旋、繁衍的图形。
它几乎出现在所有公共空间的显眼位置：机场、高铁站、城市街头、电视广告，甚至成了社交媒体上的新潮流。这是2025年大阪世博会日本馆的主视觉，由平面设计师色部义昭操刀。
有人盛赞它象征了当代日本对未来社会的愿景，也有人质疑它太过抽象、缺乏亲切感。但不可否认，它已成为当下日本最具辨识度的国家级设计符号。而它的创作者，今年51岁的色部义昭，早已在日本平面设计界拥有极高声望。
如果在中国公众的认知中，原研哉代表着“设计的美学理想”，那么色部义昭则更接近“当代公共空间的视觉秩序建构者”。
为草间弥生美术馆操刀视觉
他是日本设计中心的艺术总监，多年来致力于打造涵盖导视系统、城市标识与展览空间的“系统设计”，其作品遍布日本城市日常。
为「Ginza Sony Park」展览、以及国立公园设计的视觉
他的设计，克制、精准、系统化，却又处处流露出诗意与关怀，潜移默化地影响着普通人的日常。
7月末的上海外滩，复星艺术中心人头攒动。来自北京、深圳、杭州的设计师、设计爱好者挤满了整个一楼演讲大厅。
而展览本体《一天世界：Graphic Design in Japan》正在二三楼展出，被称为中国有史以来最大规模的日本平面设计巡展，汇聚原研哉、北川一成等300余件作品。
作为开幕嘉宾之一的色部义昭到场演讲，现场掌声雷动。
他穿着一身“黑”，领口扣子扣到最上一颗，看起来安静又严谨。
在对话时，他纠正我说自己穿的其实是日语里的“绀色”（藏蓝色）。对于色部义昭来说，颜色、比例、字体、距离，乃至每一寸留白，都必须说得清楚。
在这个信息过载的时代，我们每天都在面对成千上万个图形与指引，却很少有人去想：这些信息如何抵达我们？
而这，正是色部义昭每天都在思考的。
大阪世博会日本馆
把细胞变成会动的logo
“生命与生命之间的连接”，这是2025年大阪·关西世界博览会日本馆提出的主题。对于这个略显抽象的命题，色部义昭接下的任务，是用视觉语言将其具象化，并传达给来自世界各地的普通参观者。
尽管这个形象从公布之初就伴随着争议，但它依然代表了他在国际舞台上的一次关键亮相。
“我最开始的想象就是，既然说的是‘循环’，那它就不该是一个静止的形状。它应该是会动的。”在他的设想中，“生命”并非一个平面符号，而更像细胞那样，有自我生长与变形的能力。
于是他从“分裂与融合”这个图像母题出发，设计出一个既像粒子也像生态网络的符号系统。最终呈现出来的日本馆logo，像是在不断呼吸，不断演化，带着一种看得见的“生命感”。
但这并不是一蹴而就的设计。Logo初稿一开始长得完全不同，他坦言：“图案运用到不同空间、不同媒介上，要反复试验。有的版本太平，有的放到展馆外墙上就不够清晰。我们经历了很多次‘不合适’后，才找到了这个形态。”
这个系统最终不仅成为日本馆的主视觉，也延伸至展厅内部的标识、宣传视频、社媒素材。
发布之后，这个以细胞状环形为基础的logo迅速在全球设计圈引发关注。有人赞叹它“打破了国家馆logo的一般刻板印象”，称其为“极富生命力的实验”，也有人提出质疑，认为它“让人联想到病毒”“不够庄重”，在社交媒体上，它一度成为最具争议的logo之一。
对此，色部义昭保持了相当克制的态度——争议并非坏事，总好过没有任何反馈。
对色部而言，这次项目的挑战不止图形创意，更在于他如何平衡城市形象与国家认同。
“我其实不喜欢太刻意表现日本的传统感。除非项目真的需要，我不会特别强调‘日本风格’。但因为我受到日本画的影响很深，比如那种扁平、留白的结构，可能自然就会体现出一些文化的底色。”他说。
这种理念在他和中国公司，比如goa大象设计以及江南布衣旗下女装品牌LESS合作时也有体现。
城市与人的对话
从一个路牌开始
如果你去过日本，大概率已经在不知不觉中见过色部义昭的作品。
大阪地铁、新宿中央公园、草间弥生美术馆......这些日常公共空间中的导视系统，很多都出自色部之手。经过他的设计，原本冷冰冰的路标、地铁图、指示牌有了个性，也有了情绪。
比如最具代表性的作品之一，大阪地铁的视觉系统。
他将“Osaka”和“Metro”两个元素结合起来，组成一个动感Logo，旋转着向前推进，如同地铁穿梭的节奏，也象征大阪这座城市的能量与速度。整个标志采用深蓝色，配上动画呈现，现代、简洁、但不冷漠。
有些项目则更注重细节与情感。
他为市原湖畔美术馆设计的导视系统，灵感来自湖面上的涟漪，所有的线条、箭头都由点串联而成，像一圈圈水波扩散出去。
为了与美术馆的清水混凝土呼应，标识统一使用白色与浅灰色，并随着建筑起伏做出凹凸的处理。这样的设计几乎“隐身”于空间，却在视觉上极富层次感。
这种语言也被延伸到周边文创产品中，让观众可以把一份触觉记忆带回家。
在涩谷，他为街头设计了一块镜面不锈钢路牌，镂空的孔洞像是把城市的风景细细分割开来。人们可以在它的反射中看到自己、也看到身边的人。“涩谷是个多元交织的城市，我想让这个标识既能提示方向，也能唤起某种人与人之间的感知。”
还有草间弥生美术馆项目，他以艺术家的亲签字体为灵感，涉及了整套视觉，让观众在草间弥生的世界里“难以自拔”。
这些作品之所以令人印象深刻，是因为他对标识注入的情感。他把标识比作“空间里的声音”：“在地铁里，这个声音就要大一点，让人一眼就能看到；但在美术馆，它可以轻一点，却依然得被感知。”
他的设计不强调“风格”，却总让人有种亲近感。他会把导视设计拟人化：“如果你设计的对象是个外向的人，它在空间里的表现就要开朗；如果是个内向的人，它可能更含蓄一点。”
哪怕是一块小小的工地路牌，经由色部义昭之手后，都会带有性格与情绪。
这些看似微小的变化，却在潜移默化中改变了人们对城市的感知，让冰冷的建筑物变得柔软，也让公共空间多了一点体贴和温度。
“把世界温柔地包裹起来”
在视觉语言越来越强调“抓人眼球”的今天，色部义昭显得有些格格不入。
他的作品多数时候都很安静，却能在不知不觉中浸润人的生活，让人意识到，原来“看见”也可以是如此细腻的事。
与北川一成那种充满张力、极具图像表现力的风格不同，色部更在意的是“关系”——人与物的关系、人与空间的关系、物与物之间的关系。
最近，他正在筹备一个以“包裹”为主题的展览项目，不过这个“包裹”指的不是商品包装。
“从设计角度重新思考‘包裹’的意义。比如一个手机，外壳当然重要，但更重要的是它和人接触的方式，是触感、温度、姿态所带来的体验。”
为美术用具品牌liquitex设计的颜料“包裹”，凸显了向下流动的状态
这种对生活细微处的观察，贯穿他的设计日常。
他说，如果一个厕所位于室外，那标识就要尽可能清晰明确；但若是建筑内部空间本身就有氛围，那导视就不该“打破”它的节奏，而应悄悄融合进去。
“不是每一个场景都需要一个醒目的符号，空间本身也应该拥有更多的决定权。”
色部设计的不同风格的导视系统
这次在上海复星艺术中心展出的《一天世界：Graphic Design in Japan》，提供了一个观察色部义昭与其他日本设计师的绝佳舞台。
作为日本平面设计协会（JAGDA）主办、首次系统引入中国的代表性展览，该展集合了原研哉、北川一成、植原亮辅等百余位设计师的300余件原作，涵盖包装、字体、影像、海报、空间视觉等多个维度。
不同设计方法论之间的“静与动”、“隐与显”，彼此对照，共同构成当代日本平面设计的复杂性。
技术在变化，媒介在更迭，但设计的本质，始终是人与人之间可感知的触感。
对于平面设计，你有哪些心得？欢迎留言分享。
我们会从留言中随机选取6位用户，邀请大家去参观展览。
展览时间：7月27日至8月23日
展览地点：上海复星艺术中心
文：海带
图片来自日本设计中心官网、《一天世界》官方
部分图片来自网络
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