《崩坏3》圣痕【克里姆特】有哪些鲜为人知的设计彩蛋？

他的一生纵情声色，但绝不浪得虚名，他最出名的那些画作，总是先用黄金吸引你的注意，再用张扬的情感让你叹息。

他，就是古斯塔夫·克里姆特。

提到近代艺术界真正的“氪金大佬”，我想，【克里姆特】当之无愧。

因为论用黄金作画的手艺，这位艺术家可谓是登峰造极！

【克里姆特】的代表作之一，是作于1907年的《阿黛尔画像一号》（又名为《阿黛尔·布洛赫-鲍尔肖像Ⅰ》，英文名：Portrait of Adele Bloch-Bauer I），它被誉为《奥地利的蒙娜丽莎》。

这一年，【克里姆特】45岁。

这幅画中除了几何图形、装饰花纹和女主角的脸、手臂等写实部分，其余都是香灿灿的黄金！而画中的三大元素：女人、黄金、装饰花纹，也几乎会出现在【克里姆特】所有作品中！

上位圣痕，所致敬的就是这样一幅画。

当我们仔细对比圣痕与原画，你会发现，主色调都是闪亮的金色，裙子上都有类似眼睛一样的装饰纹案，以及三角形、正方形等元素，2位女主角都戴有精致的颈环，而画中女主角那奇特的发型，则像是戴了一顶帽子。

小众电影《Woman in Gold》，讲述的就是围绕这幅画的故事，据说画中的这位阿黛尔女士，因为是犹太人，最后死在集中营里。

这份历史的厚重感，与美妙绝伦的画面交织，让其成为了不朽的名作。

中位圣痕致敬的，则是【克里姆特】的另一幅代表作【达娜厄】，【达娜厄】是希腊神话中的一个经典故事：著名糟老头子、天神宙斯，某天看上了凡间小妞达娜厄，于是化身一阵黄金雨降下人间，与她发生了“不可描述事件”！

话说，如果以现在的俗世观来定义，宙斯也算是老色胚，绝世渣男，私生活那是各种乱。

我个人还是比较喜欢这种古典主义风格的油画，虽然看上去比较刻板和规矩，但是比较写实，属于看多了也不会厌的款。

是的，请你先不要吐槽“这怎么可能”！

希腊神话就是有太多这样的“乱来”！

你或许应该说“好腻害的样纸”！

又或者是“你怎么能穿品如的衣服”？

这个题材很“敏感”，许多艺术大师都以该【达娜厄】进行过创作！但可能还没人像【克里姆特】这般前卫而大胆。

怎么表现“缠绵”？

画家用的自然是真正的黄金雨！而【达娜厄】那卷起的身姿，凌乱的长发，紧闭的双眼，微张的小嘴，泛着绯红的脸颊等细节（也就是俗称的“climax”），已经将一切不可明说展现的一览无余！

我们再回过头看中位圣痕，这位傲娇小俏妞，身着金色百褶裙套装，长发飘飘，十分窈窕。她的身姿、金币之雨和背后像床单一样的布，这综合的意象，都明明白白写在了画里。

回忆起约10年前第一次看古斯塔夫笔下的女人时的那种感觉，当时只是觉得真心好看，因为线条感真是无可挑剔。

而以现在的角度再来看，会觉得只有深爱一种“物件”，才能将美丑精准表现。

装饰画的首要目的是【装饰】，好看是第一位的，至于内涵与寓意，其实并不是那么重要。古斯塔夫的作品，由于画家经历的事儿多了，中后期的作品才觉得的确久看不厌。这应该也就是艺术作品能超越时代的根源吧！你觉得呢？

衍生的一个问题是：为什么你会喜欢克里姆特？or为什么你不喜欢克里姆特？

最初，我也很好奇，这【克里姆特】为何总是喜欢在画中反复展现装饰纹案、黄金和女人？这或许要和他的身世说起。

古斯塔夫·克里姆特，1862年的7月14日生于奥地利。他的父亲是一位来自波西米亚的金匠，这个家庭拥有7个孩子，生计全都依仗父亲的黄金手艺，总的来说比较拮据。

于是，克里姆特自小就熟识并热爱这种贵重的金属，并在余生，将其融入自己的艺术创作，发挥到了令后人难以企及的高度。

1876年，年仅14岁的克里姆特获得了维也纳艺术工商学校奖学金，由于天赋异禀，19岁的他就已加入权威美术协会，数年的校园岁月将其塑造为一名建筑学画家，这也为日后其画作中别具一格的装饰纹案埋下了伏笔。

从克里姆特的早期画作中，我们能看出他拥有极高的学院派绘画基本功，他的写实无可挑刺，构图也完全符合古典主义强调的均衡，即使未来不“剑走偏锋”，克里姆特也至少是一流的学院派画家。

同时，俗话说“穷人的孩子早当家”，为了分担家中的经济压力，克里姆特很早就开始了“创业”，凭借扎实的绘画功底，念书的时候，他就与亲哥（好像是亲弟弟）和另外一个同学成立了“工作室”，专门为大型机构创作装饰壁画，还曾拿下维也纳国家歌剧院的订单，据说赚了不少钱。

如果一切就这么风调雨顺下去，克里姆特可能就不是后来那个为人所知的那个“坏男孩”了。

1892年，克里姆特的父亲与兄弟先后去世，而立之年的他必须承担家中所有的经济责任。而他那位一直梦想着当音乐家的母亲（上图），因为承受不住打击，患上了抑郁症，进而精神失常。

没人知道这些家中的重大变故对于克里姆特的刺激有多大，但我相信，这位艺术家应该是猛然看透了很多事，不管是人生，还是情爱，亦或是女人。

从那以后，克里姆特的画风开始慢慢改变，人生的轨迹也越发“妖娆鬼魅”起来。

很快，克里姆特便进入到一个名为“金色时期”的巅峰年代，前面我们聊到的《阿黛尔画像一号》和《达娜厄》，都是这期间的作品！

这里很值得一提的是1894年，克里姆特受托创作3幅画来装饰维也纳大学大厅的天花板。

但作品《哲学》、《医学》与《法学》（上图），因主题过于激进而遭遇公众强烈抗议，最终不仅没能放上大厅的天花板，当时的教育部长还因此辞职。这件事对画家本人应该也有极大的伤害，此后，克林姆特再没接受过任何公众任务。

1945年5月，这3幅画被党卫队销毁，如今我们只能用照片来观赏这3件作品，想想都觉得遗憾。

1897年，鉴于“印象主义”在法国正搞的风风火火，克里姆特认为维也纳的艺术也需要一些“新空气”，并率领一票志同道合的小伙伴，包括画家、雕刻家、建筑师等，成立了维也纳分离派（Vienna Secession），旨在传播、分享国内外的优秀艺术理念和艺术作品。

而克里姆特自己，则是杠把子的老大哥，当之无愧的“无冕之王”。也是分离派宣言“将艺术献给它所在的时代，将自由献给它所在的艺术”——坚定不移的信仰者和实践者。

有趣的是，与印象派不同，分离派获得了维也纳官方的支持，还在维也纳市中心给他们批了一块地建立“会所”。话说，对比印象派的那些人来说，分离派的处境真的是一个天一个地。

克里姆特所领导的【分离派】，十分强调运用几何形状，尤其是正方形和矩形。这种风格体现在他的很多作品中，上位和中位圣痕也有对这种风格的致敬。

那段时期，如《吻》、《真相》、《友第德》等作品带来的视觉震撼，无一不是克里姆特对传统艺术理念的大胆冲击。或许这一切，都可以用他写在《真相》顶部的这段话来解释吧！

“如果你不能以你的成就与艺术满足所有人，那么，就满足少数人吧。满足全部，便是坏事！”

那么，我们该如何品味克里姆特中后期的这些画作呢？

下位圣痕，又藏了哪些隐喻呢？

他与无数女人间的风流韵事，真的那么传奇吗？

说起来，虽然古斯塔夫风流成性，但好歹人家一生未婚，所以谈不上什么对情感的忠贞。

似乎历史上不少有名的大人物在私生活上都比较混乱，古斯塔夫、毕加索、海明威，甚至爱因斯坦、薛定谔等这种，一个人的成就，或许与之世俗眼光下的道德表现要分开来看吧——

不管你是否承认，这就是古往今来的现实。

古斯塔夫·克里姆特成为了“维也纳分离派”的带头大哥，而且开创了自己的“黄金时代”！

所以，原画师为了表现这种意象，给圣痕原画中的【克里姆特】引入了金色的王冠，这不仅是一种简单的装饰，也是对其将黄金用到登峰造极的赞扬，更是隐喻了其分离派领导者，和当时奥地利画坛一哥的地位。

1907年，克里姆特创作了他“黄金画作”中的最后1幅，或许也是最著名的一幅——《亲吻》。

在悬崖边的这对男女，被金色的华丽包裹着，摆出让人揪心的拥吻姿势。男性在左，看不到面容；女性在右，面容十分紧张，这样的画面，甚至让人觉得这是在强吻。

仔细看，女子纤细的双脚正被金色的藤蔓紧紧缠住，这究竟是想摆脱对方的深情和束缚？还是女人特有的欲拒还迎？

那象征男性的黑白灰三色方块，与象征女性的彩色圆圈和点，在装饰性和神秘主义间达到了微妙而极致的平衡。

不管是不是一吻定情，这爱情和人生一样，我们时刻都在悬崖边漫步，严肃而又纯粹，不是相爱，就是相忘，不是生，就是死，再无第三种选择。

不少艺术史书籍将《亲吻》视为克里姆特“黄金风格”的巅峰之作，我是认同的。同时，盛极而衰也是必然的，克里姆特所引领的“维也纳现代主义”，很快面临着终结。

1908年之后，分离派的美艳题材与装饰画风，逐渐引发越来越多的社会争论，克里姆特本人也慢慢进入了持续数年的艺术创作瓶颈期。

于是，克里姆特开始通过四处旅行进行心灵疗养，画风也随之改变。

印象派风格的风景画、浮世绘风格的人物画甚至中国风浓郁的画作他都尝试，慢慢的，画布上的主基调少了黄金，同时，黑色的阴影时常驱逐着缤纷的色彩。

1911年，一幅寓意深刻名为《生与死》的杰作诞生了。一边绚烂，一边灰暗。

画面左侧，是带着恐怖笑容的死神，身上满是象征死亡的黑色十字架。画面右侧，是用男女老幼代表的芸芸众生。彼此拥抱的人群写满了不安，一旁的死神却“淡定而从容”！

是啊，该来的总会来的。死亡，是对所有人的公平。

我想，那时49岁的克里姆特，名望、财富、女人什么都不缺，他对于【生与死】的想法，或许会更超然一些。

回到下位圣痕。

你可以已经注意到，此时，小俏妞的套裙不再是绚烂的金色，象征忧郁的暗蓝色成为了主基调，死神风格的黑色十字架与黄金风格的金色十字架交织，象征了克里姆特两种风格的堆叠与转换。

没错，小俏妞的造型致敬的就是这幅【生与死】。

而那幅长方形画作，致敬的是克里姆特版的《莎乐美》。如果你看过《圣痕故事·王尔德篇》，对莎乐美应该不陌生。

作为“情欲”的代名词，【克里姆特】画笔下的莎乐美，眼神迷离、袒胸露乳、性感妖冶（ye），她美丽的面庞中暗含悔恨，双手僵硬却饱含杀气，画面下部仅露出约翰的半个头。丰富的色彩与装饰纹案，在画布上透出一股悲怆，生与死的冲突，爱与恨的伤感，真是矛盾又复杂。

原画背景用的则是克里姆特著名的《生命之树》，这幅画创作于1909年。

此时的克里姆特已经将装饰工艺与绘画艺术玩得炉火纯青，这幅作品采用了大量的金箔和银箔，并将古亚述、古希腊和拜占庭镶嵌画的装饰特点引入，深情拥抱的恋人、和蜗牛壳的花纩（kuàng）以2种方式暗示了生命的不断延续。

总体而言，这幅富丽堂皇的壁画极具东方色彩和神秘意境的效果，绝对“高端、大气、上档次”！如果你家里缺点儿什么装饰壁画，希望能提升逼格，克里姆特的作品绝对是不会让你失望的好选择！

说到这儿，再来理解满星背景就相对容易了。

这其实就是一种装饰纹案，不管是通体的土豪金，像云纹般的翅膀，内嵌的像眼睛般的图案，还是最下方的6个小圆点所暗示的螺钿（luó diàn），都带着鲜明的克里姆特装饰风格。

所谓“画出来的镶嵌质感”，便是如此。

奥地利出名的画家并不多，克里姆特也并不是俗称的“土著”，人家本来就是个移民。可能，维也纳这种地方更适合产出音乐家这种用旋律打动人心，而不是绘画这种用形象来直抵人心的艺术形式。

严格来讲，克里姆特的画作也不是传统的绘画，而是一种“装置”，这或许也是他的别致之处吧。

当然，只要提到克里姆特，总绕不开他传奇的风流韵事。他一生都在沾花惹草。

而纵观古今中外，无数女人难免会被克里姆特这样的男人吸引——他足够多金、才华横溢，因为亲历生命中的沉痛，他必然温柔而善良，因为深情，反而多情。

作为情场老手，他足够懂女人，更懂情爱中的美与丑、爱与痛。他自知给不了承诺，便永远不给女人期待的答案——婚姻。

他就是那种让女人又爱又恨的标准款，他让女人在泪水与甜蜜中反复沉沦，以这种方式教会女人成长，然后悄然离开。克里姆特是这样的“懂”女人，在他的画笔下，女性往往只有2种：要么，高贵迷人、典雅端庄；要么，是艳俗颓废、风情万种。

没有人知道克里姆特一生究竟有过多少女人，因为实在是太多了。

但“庆幸”的是，我们知道克里姆特有三个最爱的模特，分别是：相识相知20年，始终不离不弃的伴侣——艾蜜莉·芙洛格；画作【友第德】的模特——阿黛尔；另一个，则据说是《达娜厄》和《金鱼》中的模特，那个被称为“红色希尔达”（Red Hilda）的神秘红发女子。

额外提一句，圣痕原画上的小俏妞都是红发，并非画师心血来潮。克里姆特其实是个“红发控”，品味他的作品，你会发现他真的很爱描绘红发女子。

所以，我想，这也很好地解释了为何3张圣痕原画上各有1个身着黑色晚礼服的人偶，这3个人偶，应该就是对应这位大咖3个最爱的模特吧！否则，为什么不只画1个呢？

如果让我去评价【克里姆特】，应该就是【纯粹】，或者【真实】。

作为艺术家，他的作品没什么好挑剔的，或者充满情欲或者写着深刻，但绝不矫揉做作；作为分离派的领导者，他很重视并鼓励新生力量，比如英年早逝的天才画家埃贡·席勒，便是由他一手提携的；作为男人，他耽于情色，绝不掩饰自己的风流。

或许，很多人喜爱克里姆特，是因为他活出了人性本来该有的样子。

古斯塔夫·克里姆特，穷尽一生，用纸醉金迷的镶嵌结构、意乱情迷的美丽脸蛋、妖娆神秘的装饰纹案，给我们展示了他对生与死的理解，对情欲刺激的描绘，对人性本真的探索，这一切，每一分寸，都美得让人窒息。

1918年，克里姆特在创作这幅名为《新娘》的作品时不幸中风，并因流感，于2月6日病逝于维也纳家中，享年56岁。

一切的喧嚣与浮华、奢靡与放纵，就此落下帷幕。

希望你能找个时间，认真品味【古斯塔夫 克里姆特】的这些作品，相信你会有所收获的！

这里也不免想到毕加索。

如果克里姆特是博爱但不婚，那么，在世的时候，就见证了自己的作品被选进卢浮宫的毕加索，就是博爱但多婚，据说连著名的香奈儿女士也深受其影响，而且，有很多女人爱他爱到发疯，甚至有点为了他殉情的意味。

虽然我并不知道那些“奇怪的画作”是否与古典美学的作品拥有相近的分量，但人一旦成为世界闻名，好像对于凡人的不合理，就变得合理起来。

这合理吗？

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