上海
我的目标从来不只是‘写好一段配乐’，而是让音乐成为观众生活的一部分。
你可能没听说过阿鲲的名字，但你一定听过他的音乐。
《哪吒之魔童闹海》里，哪吒与母亲诀别的钢琴独奏克制动人，让不少观众泪目；《流浪地球》中，MOSS苏醒时的电子配乐冷静而压迫；而《舌尖上的中国》里，旋律轻柔缠绕，让人在一筷子食物中尝出家的味道。
这些耳熟能详的BGM背后，都站着同一个人——阿鲲。他是中国电影配乐领域的代表性作曲家之一，也是第一个作品参与票房累计破百亿的中国音乐人。
他为《舌尖上的中国》《飞驰人生2》《觉醒年代》《流浪地球》系列《哪吒之魔童闹海》《红高粱》等十余部国民级影视作品创作配乐，几乎定义了过去十年里观众耳朵里的“中国大片声音”。他的作品横跨丰富的类型、风格与语境，却始终能击中人心。
不久前，他在上海西岸大剧院举行了一场《阿鲲音乐宇宙》音乐现场演出。现场座无虚席，这座位于黄浦江畔的新剧场，这一晚被声音点亮，变成了飞驰的“音乐宇宙飞船”。
舞台上的他穿着黑色短款闪片礼服，妆面简单，整个人反倒显得更加华贵利落。在演出现场，观众的掌声一波接一波，阿鲲还特别请来了“太乙真人”的配音演员张珈铭老师助演。
几天后的采访里，他穿着相同的衣服坐在我们面前，安静、清醒、话不多，却句句有角度有内容。
他告诉我们，一个从电子科技大学走出来的“理工男”，是怎么一步步走到银幕背后，写下那些我们耳熟能详的旋律。尤其《哪吒之魔童闹海》的原创音乐创作，成了他近年最动情的一次表达。
在流量淹没一切的年代，阿鲲谈“情绪”、谈“为每个人的生活配乐”，这些朴素而缓慢的东西反而击中了我们。
以下，是他的自述。
想和哪吒“以乐会友”
《哪吒之魔童闹海》对我来说，是一部创作得非常“靠情绪”的作品。
最开始写的那段配乐，就是哪吒和妈妈诀别的场景。那天我在公司看影片片段，殷夫人回忆起他们一起踢毽子的画面，最后紧紧抱住哪吒，说出那句“你是我心头的一块肉”。
我没绷住，心里一下子涌起了小时候我妈骑着自行车带我去学钢琴的画面。我不太爱表达这些情绪，但是那一刻完全挡不住。离开公司后我坐在出租车里，那段旋律就在脑子里不断盘旋。我拿出手机，把它哼了下来。
后来我回到钢琴前，用最简单的方式把它写了出来。没有太多其他乐器，也没有加什么技术手段，就是单纯的钢琴。我觉得只有这样，情绪才不会被稀释。哪吒和殷夫人之间的爱，不是爆炸式的，而是像音符一样绕在他身边、伴着他长大的。
我第一次把这段音乐给制作团队听的时候，他们几乎没有改，就决定直接用到电影里去了。现在回头看，那种纯粹的表达反而更能打动人。
除了母子情，《哪吒2》里我印象最深的，还有申公豹的那段挽歌。
一开始我对他的音乐处理比较常规，后来跟制作团队聊了很久，才意识到这个角色其实很复杂。他有痛苦、压抑、挣扎，也有那种不被理解的悲壮。
他在大战中出现的那一刻，其实是整个角色最完整的表达，我想给他一个“唱出来”的高光。最后我用了人声哼唱配合交响乐，写成一首挽歌，让他在音乐中真正被理解了一次。
《哪吒2》的制作团队非常注重细节，他们对音乐的要求很高。我们常常在一个段落上反复修改、讨论，有时也会出现激烈的意见分歧。
但好处是，我们的方向是一致的。大家都是四川人，说着一口“川普”，但在合作上反而很高效。我觉得这是因为大家都知道自己要做什么，我们都很清楚，这部电影的气质是要“热闹”背后的情感，是少年感下的悲喜交织。
我一直觉得，哪吒这个角色很像我喜欢的那类“主角”，他身上那种反抗与孤独、热血与自我，我都很有共鸣。如果哪天真能见到他，我还真想跟他“过个招”，或者我们可以“以乐会友”。
比起“百亿票房作曲人”
更希望用音乐影响生活
很多人说我是“百亿票房作曲人”，我觉得这其实是时代给我的馈赠。我赶上了中国互联网和电影产业飞速发展的黄金阶段，也很幸运能够用自己擅长的事情养活自己。
但我的目标从来不只是“写好一段配乐”，而是让音乐成为观众生活的一部分。
有观众曾经告诉我，他们在开车、跑步、甚至处于人生低谷时，一直听着我的某一首曲子，有人因为听着我的歌减肥成功十公斤，有人说在抑郁的时候靠我的音乐找回了方向。我其实特别喜欢这样的反馈。
还有一位高中生在演出结束后拿着iPad和相机过来找我，说他一直是我的粉丝，从《舌尖上的中国》开始，一直到《流浪地球》系列。他的眼神里充满了激动，那一刻我特别有触动。
《风味人间》之后，我更加觉得音乐是人类共通的语言，它不仅仅是背景，而是能跨越语言、文化的边界，让观众回忆起和妈妈吃饭的时光，感受到生活中那些细碎却珍贵的美好。
这也是为什么，我在创作中会大量使用电子音色。一方面是技术驱动，另一方面是情绪表达。
比如《哪吒2》里那段不老仙翁施展法术的音乐，我用了电子音色模拟树疯狂生长的声音，再和传统交响结合。
这种技术的介入，反而让音乐变得更立体、更有层次。我甚至用键盘模拟唢呐、小号等传统乐器，把电子科技变成民族表达的一部分。科技是外壳，灵魂才是核心。
包括后来在《流浪地球2》里构建MOSS的音乐时，我也用了大量电子音效，一长一短的节奏，小女孩的哼唱，还有模拟呼吸的旋钮变化，从“初生”到“撕裂”的整个过程，我都通过音色构建了出来。
这其实就是我希望能传达给观众的：电子音乐不是冷冰冰的，它可以非常有情绪，有故事。
在我看来，每一场音乐会，都是一次重新讲故事的过程。
我会根据演出形式重新编排曲目，有时候还会做一些视频上的延展，比如在音乐会上我完整呈现了《太空电梯》的视觉过程，从地面升到太空，让这首曲子真正有了自己的“画面感”。
同时，我也特别重视和观众的互动，比如在《开启新征程》时，全场一起挥舞灯光，仿佛每个人都成了宇宙中一颗发光的星星。那种彼此连接的感觉，是我做音乐最感动的瞬间之一。
理工科出身的音乐家
我是一个理工科出身的人，很多人第一眼看到我，可能会觉得我是科技大学毕业的工程师，不太像一个音乐人。
但实际上，我现在的工作，却是为电影、纪录片、音乐会创作音乐。我觉得这其实并不矛盾，因为我的性格和创作方式，正好融合了理工科的理性思维和艺术创作的感性表达。
小时候，我曾梦想过当一名程序员，也确实学过一段时间编程。那时候的我，喜欢玩电脑、研究电子乐器，用鼠标拨动电子吉他的琴弦。
长大后，我考上了电子科技大学通信工程专业，但没想到在那里，我第一次接触到了一支四管编制的大型交响乐团，成为了乐团的助理指挥。从那个时候起，我才意识到，也许我能用另一种方式，把理工背景和对音乐的热爱结合起来。
我确实是一个挺宅的人，平时不太去酒吧、KTV这些地方，更喜欢一个人待在家里，或者窝在工作室。也正因为如此，每当我出门，哪怕只是坐一辆出租车，去个商场，反而经常会获得很多灵感。
很多人觉得作曲需要冥思苦想，其实对我来说，灵感是种情绪驱动的能力，只要我能进入某种情绪状态，它就会自己找上门来。
比如《飞驰人生2》里我写的一段音乐，是我看到一张弯弯曲曲的赛道图后产生的灵感；参加综艺节目的时候，我也曾经根据主持人的生日数字去作曲。
可以说，万物皆可作曲。甚至连呼吸的节奏，机械的齿轮声，我都可以转化成旋律，用电子音色模仿出来。
我自己特别喜欢印象派音乐，尤其是德彪西。他的作品让我第一次意识到，原来音乐也能像画一样，有光影、有色彩、有情绪的朦胧感。
这种画面感一直影响着我，所以你会发现，我的音乐很强调画面感，不仅仅是为了服务电影本身，更希望听众能在听的时候，回忆起自己生活中某个瞬间——一个凉爽的夜晚、一段温柔的记忆。
我也在尝试AI音乐，但说实话它还达不到我们对“情绪”这种复杂体验的处理标准。
人类的感情太细腻，有时连自己都说不清楚，但音乐可以。
我们写的每一段旋律，都可能成为别人回忆、疗愈、奋斗的一部分。所以说到底，我不是只在为电影作曲，我更希望能为每个人的生活作曲。
文、编辑/海带
图片来自受访者
部分图片来自网络
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