史无前例的大展：为什么是这52件欧洲大师真迹？

今年1月中旬，

上海博物馆首次联合英国国家美术馆，

举办“从波提切利到梵高”珍藏展，

52件欧洲大师真迹，

悉数收入800平米的空间，

呈现一部浓缩的欧洲美术史，

被业内盛赞“史无前例”！

此次大展的筹备耗费2年时间，

早鸟票48小时内全部售罄，

开展第一天就爆了，

有观众排队3个小时只为一睹原作真容，

梵高、拉斐尔、卡拉瓦乔、伦勃朗、透纳……

每一幅巨匠之作，

都值得二刷、三刷。

一条采访了策展人褚馨，

她为我们讲述了诸多幕后故事。

自述：褚 馨

编辑：刘亚萌

责编：倪楚娇

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“从波提切利到梵高”珍藏展，上海博物馆内景

上海博物馆一直都是只做真迹展。

这次的展览，是我们与英国国家美术馆的第一次合作，从15世纪一直到20世纪，几乎涵盖了西方美术史上最重要的画家和作品，以往你不出国是看不到的，但这次都来到了家门口。

里面有非常多耳熟能详的名字——波提切利、拉斐尔、提香、戈雅、卡拉瓦乔、伦勃朗、透纳……尤其到印象派部分，基本上是“一网打尽”，莫奈、马奈、雷诺阿、塞尚、高更，以及大家最最喜爱的梵高。

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52件欧洲大师真迹

以往只要有这里面的几幅，就能撑起一个1000平米的展览，但这次我们小小的800平米的展厅，就容纳了这么多印象派巨匠的画作，我觉得未来很长一段时间内都不可能再有这样一种盛景。

英国国家美术馆很少做境外展，我们的筹备也花费了2年时间。

1月17日是我们开展第一天，我到场馆就吓一跳，好几年没见过这样一个排队的盛况，有些观众是排了3个多小时才进场，因为大家想把每一幅画作都看透，所以流动性会差一些，当天我们闭馆时间也比往常晚了一个小时。

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上海博物馆内，《长草地与蝴蝶》

文森特·梵高，1890年，布面油画

英国国家美术馆是世界十大美术馆之一，藏品量相对比较少，只有2600多件，但是非常地精，序列很完备。

我们这次策展思路很明确，就是把这两千多幅藏品浓缩再浓缩，展现一个“迷你版”的西方美术史的进程。

52件作品的遴选，是双方团队通过无数次的电话会议、发邮件协商得来的，这是一个长期博弈的过程。

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《长草地与蝴蝶》

比如说梵高的《长草地与蝴蝶》，是我们反复争取来的。

他们一开始给我们主推的是莫奈，我们就说中国观众特别喜欢梵高，希望有一幅梵高的真迹过来。

他们本身馆藏梵高的作品也不多，就那么四五幅，《向日葵》我们前后提了三次，最后被婉拒了，他们说因为《向日葵》已经在两年前来过亚洲，而2024年是英国国家美术馆成立200周年，那么《向日葵》一定要留在英国本土跟观众一起庆祝。

后来他们推荐了《长草地与蝴蝶》，这幅也是非常地珍贵，是梵高1890年去世几个月前所作。

当时他住在法国南部的一家精神病院里，活动范围有限，状态比较好的时候，医生会允许他在院内作画，他就找到了这一块野草地，称作“废弃的花园”。

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《长草地与蝴蝶》局部细节

这原本是一块平淡无奇的草地，梵高用非常浓重的色彩，红色、绿色、赭色、蓝色、白色，大笔触地互相叠加。

假如你看照片，会觉得这件作品很平，但真迹在你面前，你完全就能够感受到梵高在画的时候，用了很大力气，倾注了很多心血，那种艺术的震撼力会很直观地带给你。

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《鸢尾花》

克劳德·莫奈，约1914-17年，布面油画

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莫奈的《鸢尾花》，高足足两米

当然这次莫奈我们也请过来了，一幅巨大的《鸢尾花》，高足足有两米，非常震撼，这是莫奈晚期的作品，他去世的时候还挂在工作室里。

因为我们这个展厅空间非常有限，面对这么大的画作，观众需要往后退好几步，才能真正地去欣赏画布上的笔触和光影下的变化。

那么我们也在印象派的展厅，专门设置了沙发椅，就是希望观众可以坐着，静静欣赏这些作品。

我们整个展厅分为八个板块，每个板块都有重量级的代表作。

前三个板块聚焦于文艺复兴时期，分为意大利早期、盛期和欧洲北方低地国家的文艺复兴作品。

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《圣泽诺比乌斯的三个奇迹》

桑德罗·波提切利，约1500年，木板蛋彩

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上海博物馆内，《圣泽诺比乌斯的三个奇迹》

Ⅰ：波提切利和15世纪意大利绘画

文艺复兴早期以波提切利为代表，主要还是宗教祭坛画，他最著名的作品是《维纳斯的诞生》。

这次我们请来的是他的《圣泽诺比乌斯的三个奇迹》，在同一个画面内让3个奇迹故事缓缓展开，风格上采用的是一种更为质朴的技法。

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《圣母子像与施洗者圣约翰》（加瓦圣母）

拉斐尔，约1510年，木板油画

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上海博物馆内，《圣母子像与施洗者圣约翰》

Ⅱ：拉斐尔和意大利文艺复兴盛期

到了16世纪文艺复兴盛期，艺术家们掌握了线性透视法，熟悉解剖学，能准确表现人体，作品中开始呈现强烈的个人特色。这一时期我们请来的是拉斐尔和提香。

拉斐尔作为文艺复兴三杰之一，非常讲究几何构图带来的和谐感，他所描绘的圣母与圣子之间的感情非常细腻，平静柔和，洋溢着一种家庭的温暖。

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《女子肖像》

提香，约1510-12年，布面油画

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上海博物馆内的《女子肖像》，真人尺寸大小

提香的作品很震撼。这幅画《女子肖像》是他20岁出头所作，我个人也特别喜欢，在布展的时候印象很深。

因为看图片你往往会忽略它的尺寸，其实它非常巨幅，画面中的女子，我们并不知道是谁，她跟真人差不多大小，直视着你，有一种非常强烈的存在感。

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《四元素：火》

约阿希姆·布克莱尔，约1570年，布面油画

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《四元素：水》

约阿希姆·布克莱尔，约1569年，布面油画

Ⅲ：戈塞特和北方文艺复兴

北方低地地区的文艺复兴作品，更专注在世俗画的创作，展厅里最具冲击力的是两幅巨幅作品，布克莱尔的《四元素：火》与《四元素：水》。

我们馆长第一眼看到，就说这两幅很应我们过年的氛围，因为整个场景非常地世俗化，一幅是食物丰富的厨房，人们在准备晚餐，另一幅是海鲜市集，摊贩们在售卖，整个感觉非常喜庆。

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《被蜥蜴咬伤的男孩》

米开朗基罗·梅里西·达·卡拉瓦乔

约1954-5年，布面油画

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上海博物馆内，《被蜥蜴咬伤的男孩》

Ⅳ：卡拉瓦乔和意大利及西班牙的巴洛克绘画

在展厅的第四部分，呈现了一系列巴洛克风格画作，这个派别的特点是构图富有动感、色彩和情感都很强烈。

代表性艺术家就是卡拉瓦乔，他一生的经历很传奇，性格比较暴躁。

这幅《被蜥蜴咬伤的男孩》描绘的是一个小男孩，右手的中指被蜥蜴咬住了之后，非常惊恐的一个表情，用力甩出去的一刹那的状态。右下角是一个静物花瓶，里面盛着水，并反射出房间内的一景，极其精细。

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画框上的破损，是历史留下的痕迹

这幅作品要比我想象中小一点，但品相非常好，它的画框是原生态的，也是我们这次所有作品里最脆弱的，上面可以清楚地看见有一些虫蛀的小洞，而这些破损，也正是它历史感的一部分。

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《63岁的自画像》

伦勃朗，1669年，布面油画

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上海博物馆内，伦勃朗63岁自画像

Ⅴ：伦勃朗和17世纪欧洲北方绘画

到了17世纪，是荷兰共和国的“黄金时代”，所以我们展厅内的第五个板块，就聚焦这个地区的艺术，像船商、银行家这些新兴上层阶级，开始委托艺术家们创作世俗主题的作品。

其中伦勃朗以粗狂的笔触闻名，肖像画广受欢迎。他这一生也画了非常多的自画像，大概保存下来有80幅，我们这次请来的是他63岁的自画像，是他在去世几个月之前所作。

伦勃朗晚年过得并不是很好，画这幅画的时候已经破产了。整个身体做一个暗处理，眼睛深凹，一张历经沧桑的衰老的脸，我们可以看到这个卓越的艺术家，生命最后时刻的一个样貌。

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《威尼斯：城堡区圣伯多禄圣殿》卡纳莱托，1730年，布面油画

Ⅵ：卡纳莱托和18世纪欧洲绘画

18世纪是欧洲的“壮游”（又称“雅游”）时代。

富裕的英法国家的年轻人，去意大利进行文化旅行，当地的画家就会画一些风景画当做纪念品售卖，那么在展厅的第六个板块，我们可以看到这方面的代表作，比如卡纳莱托的一些作品。

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第七个板块：印象派绘画

汇集梵高、莫奈、塞尚、高更、雷诺阿、马奈等大师之作

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《窗前果盆和啤酒杯》

保罗·高更，约1890年，布面油画

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《咖啡厅演奏会的一角》

爱德华·马奈，约1878-80年，布面油画

Ⅶ：梵高和印象派绘画

19世纪末巴黎的印象派崛起，那我们第七部分就聚焦于这个部分，也是国内观众非常喜爱的。英国国家美术馆在这个部分的呈现，非常有诚意，基本上汇集了所有名家之作。

除了梵高和莫奈之外，还有塞尚、高更、雷诺阿和马奈，我们知道高更是非常崇拜塞尚的，所以就将他们的两幅作品放置在一起。

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《查尔斯·威廉·兰姆顿肖像》（红衣男孩）

托马斯·劳伦斯爵士，1825年，布面油画

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上海博物馆内的《红衣男孩》

Ⅷ：透纳和英国绘画

英国国家美术馆的策展团队，把最后一个板块留给了他们自己的本土艺术。

19世纪初的英国以肖像画和风景画最为突出，这次展出的代表作品是劳伦斯爵士的《红衣男孩》和透纳的《海洛和利安德的离别》。

《红衣男孩》是有史以来第一幅登上英国邮票的画作。

我在看到这件作品的时候，没想到它这么巨幅，画框是画家劳伦斯爵士本人从一个商人那里选配的，非常华丽、精致。

它描绘了一个贵族小孩查尔斯，六七岁的模样，全套红丝绒的外套，天真漂亮的脸庞无可挑剔。他坐在大自然的岩石椅上，用手撑着脑袋，无邪地远眺月夜下的大海。

小男孩本人在13岁的时候，因为肺结核去世了，这也更加平添了这幅作品的珍贵性。

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《海洛和利安德的离别》

约瑟夫·马洛德·威廉·透纳

1837年前，布面油画

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《海洛和利安德的离别》局部

透纳被称作是“光之画家”， 擅长描绘光在整个大气中的变化。这幅作品取材自一个古希腊神话爱情故事，这对透纳来讲是很少见的。

他将男女主人公置于水边的阴影中，大面积给到海上的浪涛，以及奇谲的狂风和月夜，非常震撼。

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展厅内的观众，川流不息

我们这个展览能在新年之初，大家阳康之后顺利地开幕，在全中国的美术界引起了非常大的轰动。

很多学术界的前辈知道我们是在疫情期间筹备的，都说不容易，上海大学的陈平教授评价这个展览“史无前例，是中国大陆目前看到过的最好的西美史的展览”。

北京大学陆扬教授开幕的第二天就来看了，写了一篇很深刻的观后感，评价说“这或许是二三十年来中国最重要的西洋绘画展览”，“值得去看三次”。

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英国国家美术馆展厅内景 ©The National Gallery, London.

因为疫情，我们和英国团队至今还没见过面，每一步往前走的时候，并不知道下一步会面临怎样的外部变化，但双方都很愿意推动这个展览，这是一个很重要的动力。

这52件作品是分批次过来的，此次英方并没有派押运员随行，这本身也是基于对上海博物馆的信任。

我们是按照英国的作息时间来进行布展，每天是下午3点到晚上10点，分上半场和下半场，两个组跟英国团队连线。

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上博的工作人员对画作进行“点交”

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梵高《长草地与蝴蝶》挂画过程

“点交”是最重要的一个环节，双方确认这件展品的安全性和整个状况。每幅作品都有两份报告，一份是画框的状况书，一份是画面的状况书。确认无误后，展品所有的保护责任就落在了上海博物馆身上。

这里面有很多大家想象不到的细节，比如文艺复兴早期的画作，它是不允许画面朝上的，保证低反射玻璃不会压到画面颜料，需要我们非常小心地确认，跟运输公司之间有一个磨合和交代。

布展过程也很紧张，有时候光是一幅画上墙，就要花费3个小时。我们是一个晚上失眠，第二个晚上因为太累睡着了，第三个晚上又继续失眠，因为每天都要担心一些状况发生，需要想好解决方案。

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封闭式环境，注重光的设计

为了让国内观众有一个很好的观展体验，我们展厅的设计负责人袁启明老师也非常用心，参考了英国国家美术馆本馆的一些元素，把它简约化，带到了上海，整体布局错落有致，曲径通幽。

因为我们展厅没有窗户，一个封闭式的环境，那么光的质感和效果就非常重要。

我们专门请了灯光设计师对每一幅作品调光，不过因为有些画作特别大，光源可能没办法非常好地集中，有时候需要观众走到一个特定的点，才能看清楚一些画。

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护栏距离画作不到1米距离，方便看清细节

护栏的设置，距离画作只有不到一米的距离，而且这52幅画作都装有低反射玻璃，在保护真迹的同时，不耽误你看清每一个细节。

“从波提切利到梵高”这个展览，我们之所以筹备了2年时间，其中一个蛮重要的原因是，上海是它整个亚洲巡展的首站。

所以在策划之初，它就不是单向的一对一的沟通，而是牵涉到几个机构的大型项目。

2022年是我们上海博物馆建馆70周年，当时我们的褚晓波馆长提出了一个“大博物馆计划”，其中有“对话世界”展览系列，就是我们作为一个世界级博物馆，必须要跟其他世界级的博物馆保持一个长期友好的交流。

我相信这次的“从波提切利到梵高”肯定能为“大博物馆计划”添上浓重的一笔。