马蒂斯最珍视的近250件作品，明年亮相北京

澎湃新闻获悉，北京UCCA尤伦斯当代艺术中心将于2022年3月至6月，呈现中国迄今为止最大规模的亨利·马蒂斯（1869-1954）个展“马蒂斯的马蒂斯”，此次展览将与位于法国北部勒卡托-康布雷齐（Le Cateau-Cambrésis）的马蒂斯美术馆合作，从馆藏中精选将近250件包括油画、雕塑、素描、纸上墨水、版画、剪纸、书籍插画、织物等不同媒介的作品，涵盖马蒂斯的整个创作生涯。展览将于2022年7月至10月巡展至位于上海的UCCA Edge。
亨利·马蒂斯1869年12月31日出生于勒卡托-康布雷齐，其家族在此经营纺织业已经超过300年。在他去世前的两年，马蒂斯决定将自己保存的一批最珍视的作品捐给家乡，由此构成这座美术馆的馆藏核心。他亲自挑选展品，参与空间的规划梳理，精确到具体每一件作品的摆放，整个美术馆本身可被视为马蒂斯所留下的独一无二的艺术遗嘱——他的创作脉络、创作方法与艺术理念都在这里都得到了最为直观和近距离的展示。现正值马蒂斯诞辰150周年过去不久，马蒂斯美术馆闭馆整修扩建之际，这批珍贵的藏品得以离开艺术家的故乡来到中国。

马蒂斯，《自画像》，1906年

《读书的女人》

但是，马蒂斯内心锐敏而奔放的色彩世界，却被当时颇受争议的印象派和后印象派唤醒了。他从塞尚的绘画中了解到结构法则的重要意义，宣称：“塞尚是我的老师，给了我力量和鼓舞，在我对自己产生怀疑的时候，在探寻中感到恐惧的时候，我就想‘如果塞尚是对的，我就是对的’，因为我相信，塞尚没有错。”
马蒂斯的色彩解放，缘于他1905年夏天的柯里欧尔之旅，面对南部海边强烈光照下的大自然，马蒂斯顿悟到鲜艳色彩构成的和谐，他完全按照自己的感觉，画出了一批具有独特风格的作品。他说：“我对色彩的探索不是从绘画作品中得到的，而是从大自然光中受到了启示。”马蒂斯反对“奴隶似地抄袭自然”，认为“要解释自然，使它服从画面的精神”。他说自己：“不是按照科学先验地选择颜色，而是让色彩完全凭本能地向我涌来。”回到巴黎后，马蒂斯在调色板上继续开拓着对色彩的鲜活感受，并用这种属于自己的新方法进行创作。
马蒂斯有过一段著名论述：“我所梦想的是一种纯粹、宁静、平衡、不含有使人不安或令人沮丧的题材的艺术，对一切脑力工作者，无论商人还是作家，它像一种镇静剂，或者像一把舒适的安乐椅，对心灵进行抚慰，使身体消除疲劳。”
马蒂斯深受东方艺术和非洲艺术的启发，他说：“我的灵感来自东方的艺术”，东方的线条绘画“显示出了广阔的空间，它帮助我走出写生的局限。”1908年，马蒂斯在发表的《画家笔记》一文中，明确提出了表现的问题：“我追求的最重要的就是表现……我认为的表现，并不是指人脸上的表情，也不是通过某个激烈动作显示出来，而是整个画面安排，如人物所占的位置、他们周围的空白、比例，都起着表现的作用。所谓构图，就是画家把表现情感的各种不同的元素，以富有装饰意义的方法安排在一起的艺术。”而在1906年前后，马蒂斯开始收集非洲的雕塑和面具，并于此后发展出一种全新的人体表现形式，与传统的规范相悖而行。1906年秋，马蒂斯在一家巴黎商店购买了第一尊非洲雕塑：来自刚果的维利族（Vili）雕像。

维利族雕像，来自刚果的收藏，20世纪初

《站立的裸体》（Standing Nude，1906-07年）是此后马蒂斯向非洲艺术致敬的又一件开山之作。它借用了法国流行绘本杂志上的一幅裸体照片，融入非洲雕塑的抽象元素，成为20世纪艺术史上最让人瞠目结舌的裸体画之一。同期的《带石膏像的静物画》（Still Life with Plaster Figure，1906年）呈现出马蒂斯的青铜雕塑“站立的裸体”未烧制之前的模样，后者经过极力简化、修改，带上了浓厚的表现主义效果。

马蒂斯，《站立的裸体》，1906-07年

马蒂斯，《带石膏像的静物画》，1906年

在马蒂斯眼里，无论风景还是人物，都是组成画面的线条和色块。他的创作摆脱了表象世界的束缚，建立起更加自由纯粹的艺术语言架构。他说：“描绘一幅秋天的风景，我不考虑什么样的色彩适合这个季节，我只画这个季节激起我的那种感觉。”并提出：“准确的描绘不等于真实。”
1930年代中期，马蒂斯的艺术经历了一场巨变。他开始用素描速写来表现人与物，使他们毫无重量地飘在纸上的抽象空间中。这种线性与图形的绘画语言越来越精妙，最后，马蒂斯要表达的物体或人体都转变为极简的图标。

马蒂斯，《花束》，1953年

1941年底1942年初，马蒂斯创作了一系列素描——大部分是女性，经常与植物图案一起出现——后编为图集：《亨利·马蒂斯：主题与变奏》（Henri Matisse: Themes and Variations）。这本图集包含17个主题，每个主题都有一个相应的字母，项下还有许多变体。此次展览包括G主题下的一个变体，可以看出马蒂斯正在为物体寻求可替代的图标。
图集完成几个月后，马蒂斯开始将剪贴纸当作严肃的绘画媒介。他的第一本剪贴画集叫做《爵士》（Jazz，1947年）。对于马蒂斯来说，剪纸的过程是“用剪刀绘画”，“直接将鲜活的颜色剪出来”。这给了他一种新的自由：将物体从具体空间中拿出来，然后将其转变成平面图标，例如《爵士》里面名为“Forms”的极其凝练的图标就源自于他收藏的希腊女人躯干雕像。马蒂斯明确地表示，他确实是将那尊蓝白色的雕像换了种形式，减轻了它的重量，同时创造了不同的视角。

马蒂斯，《爵士》，1947年

马蒂斯，《带面具的画板》，1947年

对马蒂斯来说，剪纸无异于绘画，只不过画笔换成了剪刀，画笔换成了着过色、绘有形的纸。当剪刀裁过蓝色或白色的纸，所要留下的依然是光线的痕迹。
透过其剪纸作品，观者能更好地了解马蒂斯晚年的创作。在马蒂斯所著的《晚年技法》中这样写道：那仍然是绘画，只不过是一种延伸的绘画。《蓝色的裸女1、2、3号》完成得很快，几乎是创意刚产生，作品就能完成，而《蓝色的裸女4号》的创作则耗费了马蒂斯数个星期。

马蒂斯《蓝色的裸女》

马蒂斯工作室，1951年，摄影：Philippe Halsmann

虽然马蒂斯的作品常常是疯狂的，但他以其作品诠释了幸福，正如艺术史学者皮埃尔·施奈德在为马蒂斯所著的传记中所写：“马蒂斯的作品都是成功的作品，它们能减轻和治愈创作者生活中的痛苦和疾病。”而在“马蒂斯的工作室”中诉说着艺术家的创作根植于对所见事物的细微观察与研究。
（本文根据UCCA资料、《光明日报》以及澎湃新闻过往报道综合整理）