RR · ART | 安藤忠雄：在艺术中领悟“超越”

“‘超越’这个展览将打破建筑与美术的界限，回归原点，向大家介绍与我并肩奋斗，对我人生有着不可磨灭影响的艺术作品。这些艺术作品将融入和美术馆的建筑，通过再次的空间设计，最大限度地呈现艺术家的创作能量，共同表达‘超越所见的发现’，在‘希望之光’中领会与发挥‘超越’的精神。”

——安藤忠雄

今年，和美术馆正式开馆后，迎来了第一场大展：建筑大师安藤忠雄（Tadao Ando）首次以艺术为主线的大规模个展“超越：安藤忠雄的艺术人生”。

这个春天，安藤在自己设计的和美术馆中，举行了到目前为止，全球规模最大的个展，因此也使得本次展览有了不一样的意义。

展览现场， ANDO BOX VI 安藤忠雄 铂金印相 2019

拾分之壹收藏 © 和美术馆

本次展览是关于安藤忠雄人生的一次回望，分为三大篇章——“超越艺术”、“超越光”及“超越安藤”，勾勒了安藤忠雄的人生与艺术之间的关联。

在首个篇章“超越艺术”中，展示了安藤忠雄为巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso）、埃斯沃兹·凯利（Ellsworth Kelly）、杉本博司（Hiroshi Sugimoto）等10位艺术大家、11件经典之作所度身设计的9组空间。

展览现场 篇章一：超越艺术，立体主义的空间

《男人和女人体》 巴勃罗·毕加索

布面油彩、磁漆 162 cm × 129.8 cm 1968

和美术馆收藏 ©和美术馆

展览现场 篇章二：超越光©和美术馆

展览重新释读空间与艺术之间的关系，串联起安藤忠雄那些开拓性的跨越，最大限度地呈现艺术家无穷的创作能量。

展览现场 篇章三：超越安藤

众多来自和美术馆的珍贵收藏将于安藤忠雄为此定向打造的艺术空间中展出，包括巴勃罗·毕加索大尺幅油画作品《男人和女人体》也将首度公开面世。

挑战不可能

建筑之外的艺术人生

现年 79 岁的日本建筑师安藤忠雄，无疑是当代最具影响力的建筑大师之一。从一名职业拳击手到建筑师，安藤忠雄的一生是一个不断自我超越的过程。因为没有接受过系统的建筑课程训练，安藤的设计才能够突破传统教育的限制，他在实际项目中反复实践，找到独属于自己的理念和风格。至今，他已经完成了住吉的长屋、水之教堂、光之教堂等多件作品，并在1995 年获得建筑界最高荣誉普利兹克奖。安藤忠雄用清水混凝土开创了一套独特、崭新的建筑风格，被誉为“清水混凝土诗人”。

著名建筑师：安藤忠雄

盛名于建筑师的身份，但实质上安藤忠雄早已超越建筑师的范畴，不论是人生还是建筑，“挑战不可能”都是他的标签。正如策展人所言，他曾经的拳击手身份让他始终保持在互搏中试探建筑师力量的边界——是否能做更多惠及人类的事情。他从不被建筑束缚，因此他的社会身份更具“游击性”，从建筑家向艺术家、社会活动家、环境保护者等方向游走出击，不断实现超越。

成为一名建筑师最初并不是安藤忠雄的人生选择。在《都市彷徨》一书中，安藤忠雄记录了自己早年在游历世界的路途中偶然见到了勒·柯布西耶这位建筑大师的作品，艺术命运般地进入他的人生。安藤忠雄一路行走游历，穿梭于众多美术馆与博物馆之间，感受建筑尺度，领略艺术之美，从而坚定超越人生理想之路。四年之后，安藤忠雄创立了“安藤忠雄建筑研究所”，从此开始他不断奋斗的建筑生涯。

安藤忠雄标志性建筑风格：

和美术馆清水混凝土双螺旋楼梯 ©和美术馆

安藤忠雄是深远的，他的人生本身便是需要深入的艺术现场。纵观他的大半生，重要节点无不与“艺术”相关，觉醒于与艺术家的对话中，启迪于艺术作品的无声魅力，体悟于艺术崭新而不易察觉的精神。这些跨越时代的艺术启示使得安藤忠雄在漫长的建筑设计生涯中形成自身的艺术语言，并在艺术实践中不断发展与创造。

传世之作再度演绎

和美术馆收藏作品惊艳亮相

在这大半生中，安藤忠雄有很多艺术家朋友，也收藏了很多艺术家的作品。本次展览安藤忠雄与艺术家的交流与合作尽数呈现，其中大部分参展作品来自和美术馆馆藏。

和美术馆现有各类艺术藏品约500件，分为多条收藏轨迹：一是中国书画收藏，涵盖岭南画派、海派艺术等；二为中国现当代艺术。而国际现当代艺术藏品则涵盖安尼施·卡普尔、亚历山大·考尔德、达明·赫斯特、草间弥生、李禹焕、菅木志雄等知名艺术家作品。从中国近现代艺术延展到中国当代艺术和世界当代艺术大家的作品，和美术馆在根植本土的基础上，不断尝试以一种国际视野审视，拓宽收藏版图。

和美术馆建筑外立面 ©和美术馆

和美术馆馆长邵舒谈到：“这次展览的部分作品来自我们西方当代部分的收藏。在未来的计划中， 我们也希望尽可能每次展览期间都能看到美术馆的收藏，以及与美术馆收藏脉络相关的作品。”

和美术馆夹岸花园 （俯瞰局部） ©和美术馆

在安藤忠雄定向设计的9个艺术空间中展出重磅馆藏及部分借展精品，我们不仅仅可以欣赏到安藤的精彩设计，亦可以再次体悟这些大师之作跨越时空的永恒魅力。

跨越时空的交流

安藤忠雄对话艺术大师

安藤忠雄为每件大师之作逐一勾勒展览空间并留下题叙，让曾经影响过他的作品也走进我们的视野。以空间回报艺术，以建筑超越艺术，融入这9所空间的不仅是安藤与大师的对话，亦是观者与安藤、与大师的同频共情。

这幅来自和美术馆的重磅收藏——西班牙艺术巨匠毕加索的大尺幅油画《男人与女人体》在本次展览上首次面世。作为立体主义大师，毕加索在艺术观念快速变化的年代，通过肖像画找到了属于自己的超越现实。作品采用了简略的绘画风格，并以具有表现力的笔触进行渲染，画中的男人和女人充满了欲望的张力，两位主人公的身体交织在一起，彼此亲密无间。

立体主义的空间：巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso）

《男人和女人体》 巴勃罗·毕加索

布面油彩、磁漆 162 cm × 129.8 cm 1968

和美术馆收藏 ©和美术馆

安藤忠雄这样理解毕加索：“生活于动荡时期，直到最后也不失野性，一路领跑时代，这就是史上最强的现代艺术家。”在毕加索的作品中，安藤忠雄领悟到立体的建筑与平面的画都以结构实现空间的平衡。在这件作品面前，他感受到人类共通的情感、暴力和倾诉本能的力量。

光的空间：埃斯沃兹·凯利（Ellsworth Kelly）

展览现场 光的空间

《光谱》 埃斯沃兹·凯利

纸上拼贴 121.9 cm × 264.2 cm 1972

瑞银艺术藏品 ©和美术馆

作为欧普主义”视幻艺术”的代表人物之一，埃斯沃兹·凯利擅长用明亮的色彩刺激眼球，使观众达到视觉上的亢奋。这幅《光谱》把色彩纷繁的世界简化成十三种颜色，安静整齐地陈列在画面上，艺术家对世界的观察与感悟尽在不言之中。

安藤忠雄描述对埃斯沃兹·凯利的印象：“1950 年代，是抽象表现主义最为激动的时期，我独自一人内心反省，在冥想的世界里突进，并以这样的姿态贯彻一生。静谧不需雄辩，极简主义的理想就在这里。”

思索的空间：李禹焕

展览现场 思索的空间

《从线开始 No.780132》 李禹焕

布面油画 97.5 cm × 131 cm 1978

和美术馆收藏 ©和美术馆

安藤忠雄这样理解李禹焕：“李禹焕的作品从 1970 年代便开始备受瞩目，他批判西方美术，重视东方哲学思考的当代艺术时间。诚如他的自述 —— 一切尽在‘留白之美’中。”在二战后日本无条件接纳国际现代主义的情况下，物派艺术家李禹焕希望以更加批判的方式思考艺术的全球化，创造一种不受其约束的当代亚洲艺术。和安藤忠雄的合作中，李禹焕也用这种创新的艺术语言践行着批判式思考。

《从线开始 No.780132》 李禹焕

布面油画 97.5 cm × 131 cm 1978

和美术馆收藏 ©和美术馆

李禹焕的“留白之美”对于安藤忠雄的影响远不止于“思索的空间”，诸如和美术馆中央大面积中空的圆柱形空间设计，从透明穹顶到下沉底部，天光倾泻而下。

万花筒的空间：达明安·赫斯特（ Damien Hirst）

展览现场 万花筒的空间

《神圣》 达明安·赫斯特

蝴蝶拼画 213.4 cm × 243.8 cm 2007

和美术馆收藏 ©和美术馆

达明安·赫斯特的作品探讨渴望与恐惧、生与死、理性与信仰、爱与恨等。他所创作的作品使人获得一种超越惯常艺术理解的体验。《神圣》是达明安·赫斯特《万花筒》系列绘画中的一件，放置在安藤忠雄设计的空间中，借助数面镜子的反射营造出一个神性纯粹且充满互动的空间，使观者如同置身于万花筒中。

《神圣》 达明安·赫斯特

蝴蝶拼画 213.4 cm × 243.8 cm 2007

和美术馆收藏 ©和美术馆

谈及达明安·赫斯特，安藤忠雄说：“常以‘死亡’为主题，具有强大冲击力的创作，使达明安·赫斯特走在了当代艺术的前端。然而，在这件挑衅十足的作品背后，却是对人类与世界深沉的爱。”同样，安藤忠雄也通过建筑表达对生命的关注，带给观众的震撼程度就像平和静止中的一记惊雷。

大地的空间：理查德·朗（Richard Long）

展览现场 大地的空间

《红板岩圈》 理查德·朗

红板岩 φ 600 cm 1987

和美术馆收藏 ©和美术馆

作为一个现实主义者，理查德·朗用石头、泥这些人类最原始的材料作画，画面中线条相互缠绕却仍保持轻盈、平衡的秩序，观众在欣赏他的作品时常常感觉自己仿佛被卷入泥泞的漩涡中，生命本身带有的隆重敬畏精神扑面而来。在放置理查德·朗作品的空间中，安藤忠雄仔细排列了大量红板岩，创造出一个纹理复杂、色彩鲜明的岩石景观。

理查德·朗（Richard Long）代表作品

图片来源网络版权归艺术家所有

安藤忠雄说道：“他是最早参与直岛项目的艺术家之一，他追求自然，行走于世界各地，身体力行地记录着时间、距离和地理的痕迹。这场已持续半个世纪的伟大挑战，极大地改变了传统概念，他的雕塑仿佛在‘轻轻地触摸地面’，便与自然连接在一起。”受到他的启发，安藤曾以埋在地下的建筑等多个设计方案探索人与自然共存的方式。

风平浪静的空间：杉本博司

展览现场 风平浪静的空间

《日本海，隐岐》杉本博司 明胶银盐印相

119.4 cm × 149.2 cm 1987

致谢玛丽安 · 古德曼画廊 （纽约）

版权：杉本博司 （左）

《相模湾，热海市》杉本博司 明胶银盐印相

38.8 cm × 58.4 cm 1998

致谢佩斯画廊（纽约）

版权：杉本博司 ©和美术馆（右）

在安藤忠雄看来，杉本博司的作品开阔、辽远，来自远方磅礴的气息充斥其中却又静谧永恒。他这样理解：“墙的另一面，是一望无际的『海』。让人想起肉眼无法看到的世界，诉说着人们内心的事物。这也是我理想中的建筑形态，而杉本博司用摄影的手段，美好而精湛地实现了这个理想。”

展览现场 ©和美术馆

杉本博司的摄影作品里，无论是已经被遗弃的剧院，还是空无一人的大海，胶片的长时间曝光本质上都是在“记录时间”。人生的渺小、时间的永恒感和因为时间被刻画得清晰可见的细节，与安藤忠雄的建筑形态细节中静止的力量相吻合。

除此之外，在圆相的空间中展出了日本艺术家白发一雄和吉原治良的两幅作品，与这两位艺术家作品的邂逅深深震撼了安藤忠雄。他坦言“初次接触白发一雄作品时的震撼，我至今不会忘记。虽然半世纪过去了，这种感觉却从未失色，大概是因为他创作时的激情和本质的纯粹吧！”。同样，吉原治良“不要模仿别人”和“自由地存在”的精神理念也被安藤汲取并自然而然地融入到之后的设计创作中。

和美术馆展厅一（局部），作品：《黄色回旋镖与红茄的移动碎片》，亚历山大·考尔德，

金属着色，198.1cm ×238.7 cm × 104.1 cm, 1974 ©和美术馆

风的空间中，亚历山大·考尔德的装置作品将抽象的几何元素应用在立体金属片中，使其随空气的流动变换不定，在动态中寻找平衡。安藤忠雄建筑作品里对于自然元素的使用诸如光、水等，与此有着异曲同工之妙，让人在不经意间窥见大自然的优雅和生命的灵动。

抛物线的空间里，展出了安藤忠雄最为关注的艺术家——安尼施·卡普尔。卡普尔通过简洁的形状及独特的媒材选择，窥视物质与非物质、虚幻与现实世界间的未知风景。这或许引导着安藤在探寻艺术语言的过程中找到独属于自己的媒介——光。

融会贯通

以建筑超越艺术

安藤忠雄选择的这10位代表性艺术家都曾给予他许多启发和力量，其中许多位艺术家也与安藤忠雄共同开展创作。在合作和交往的过程中，他从来自不同文化语境的众多艺术家那里感受到差异，以及丰沛的创作力量，进而为其建筑设计、对其艺术带来许多帮助。

安藤忠雄实地考察 ©和美术馆

多年来，安藤忠雄保持与多位世界级艺术家、收藏家的来往合作，若时间为线，以上10位艺术家只是众多影响者中的一部分。他始终相信，艺术可以激发人们内心的创造力，自由思考，打破界限，让人最终有所作为和超越。

和美术馆建筑外立面 ©和美术馆

伟大的建筑和艺术都拥有惊人的力量，其创作者总是以更深、更远、更广的眼界看待世界。艺术，不仅构成了安藤忠雄探索空间的无数条路径，更是他向世界打开自己的原动力。从建筑到艺术，从挑战到超越，回顾安藤的艺术人生，永不停止的探索与突破是艺术带给安藤的触动，亦是安藤给予我们的启示。

安藤忠雄的人生

由不断的探索和永不停歇的奋斗组成，

每个重要的时间节点上，

都充满了艺术对他深刻的影响。

图 / 和美术馆

文 / 蔡镕滢

新媒体编辑 / CAICAI

责编 / LENNY

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