【油画流派】新古典主义丨每个人都给你P得漂漂亮亮！

让·奥古斯特·多米尼克·安格尔

（Jean Auguste Dominique Ingres，1780-1867）

安格尔，19世纪法国新古典主义绘画大师。

一看新古典主义，估计很多人就没啥兴趣了。毕竟现在所谓喜欢西方艺术的人大多都从印象主义开始，然后后印象主义、表现主义、象征主义、野兽派、立体派、达达派、超现实主义、抽象表现主义、波普主义、极简主义、后现代主义……，一路下来。

说绘画大师，也是多谈米开朗基罗、拉斐尔、达·芬奇、提香、丢勒、伦勃朗、莫奈、塞尚、梵高、高更、毕加索、马蒂斯这些人。安格尔嘛，看来大师的名头还不够响亮。

其实，我对安格尔的了解，也只限于几种艺术史书上的介绍。在翻看这些艺术史的时候，看到安格尔的作品都是这样的：

顿时觉得安格尔的人物画 好精美、好优雅。 出于爱美之心，我又找了安格尔更多的画来看。在看了安格尔更多的画作之后，我大胆下了一个结论：

就人物画的精致逼真、华美典雅来说，安格尔可以说是艺术史上的第一人。

得出这个结论，可能有很多人不服。凭什么？我们来看看安格尔到底有什么本事。

安格尔11岁进入法国图卢兹皇家艺术学院学习，13岁就画出了非常精巧的古希腊罗马艺术风格的人物肖像画。

这些人物画，笔触轻柔精巧，感觉轻如羽翼；层次分明的发卷和层层叠叠的领巾异常精确、异常生动，安格尔还以柔和的影线来装饰背景，画中人物顿时被衬托得立体丰满。

都说德国画坛一哥丢勒以爱抠细节闻名，他在13岁的时候画了一幅自画像，就被视为神童。但把安格尔和丢勒这两个在相同年纪画的人物肖像放在一起看，是不是觉得丢勒的自画像稍显稚嫩？

这还只是安格尔孩子时期的画作，如果你看了安格尔中晚年画的那些巴黎名媛肖像画，那种让人窒息、摄人心魂的美，肯定会直击你的内心。

但是就是这个画出美得让人震撼、美到让人心醉的作品的安格尔，在艺术史上却是被频频吐槽。

一个不会穿搭的小提琴手不是好画家！

在没有相机的年代，人们该如何留下影像呢？只能是 肖像画。

19世纪中叶之前，现代摄影技术还未出现。在欧洲，对于有钱人来说， 肖像画是最好的炫富方式，通过画笔，他们那豪华的房子、华丽的服饰以及精美的珠宝都能被展现在世人面前。

此外，和当代人拍照离不开PS一样，肖像画实际上就是 人工添加滤镜，可以大大满足富人们的虚荣心。 今天，我们就来聊聊这位 来自法国的“百万修图师”——安格尔。

《 大宫女》 安格尔 油画 1814年

他认为肌肉绘制得过分精确会成为造型纯真的最大障碍，甚至会造成独特构思的浪费使作品平庸化。

这是发前人所未想的重要美学理论，

1814年他应卡萝琳皇后的邀请创作的《大宫女》就是这种理论的最好佐证。

安格尔故意拉长人物的腰身（增加三根脊椎骨），这种“没有骨头”的变体增强了裸体特有的妩媚感。

另外色彩的调配显得平和稳定、独具匠心，以至有人称威尼斯画派无一人能够企及。

《路易十三的誓约》

可是他的杰出成就恰恰就在肖像画而不在“高级”的历史画，宗教画是他最拙劣的创作，

因为安格尔根本就没有宗教感情。

这幅画是应他的故乡蒙托邦市圣母院而作。

画中描绘路易十三捧着王冠和权杖向圣母发出誓言，誓言刻在一块金色版子上由两个小天使举着，

画的上半部由两位天使拉开帷幕，圣母子高踞于天使驾着的云端之上俯视人间，

这幅画给人们第一个视觉感受，是模仿拉斐尔的造型和画法。

对此，画家并不忌讳，他辩解说：“请问著名的艺术大师哪个不模仿别人？

从虚无中是创造不出新东西的，只有构思中渗透着别人的东西。

所以从事文学艺术的人在某种程度上说，都是荷马的子孙。”

《泉》 1856年

安格尔一生中在裸体素描上下过精深的功夫，而且只有当他面对裸体模特儿时，他的现实主义真知灼见才特殊地显现出来。他曾说：“标准的美——这是对美的模特儿不间断观察的产物”，还认为：“一幅画的表现力取决于作者的丰富的素描知识；撇开绝对的准确性，就不可能有生动的表现。掌握的准确，就等于失去准确。那样，无异于在创造一种本来他们就毫无感受的虚构人物和虚伪的感情。” 这位古典主义绘画的末代风流画家，吸收文艺复兴时期前辈大师的求实的技巧，使自己的素描技巧发挥到炉火纯青的境地。这里所不同的只是，象马萨卓、米开朗基罗、乔尔乔奈等大师的裸女体现的是一种充满人性的时代理想，而安格尔在裸女上所寄予的理想，则是“永恒的美”这一抽象概念。究其实，乃在于寻求以线条、形体、色调相谐和的女性美的表现力。这在他那些描写土耳其宫女的裸女画上尤为明显。晚年，安格尔画了这一幅《泉》，则进一步反映了画家对美的一种全新观念，那就是他深深觉得用精细的造型手段创造一种抽象的古典美典范的必要性。７６岁高龄的安格尔，终于在这一幅《泉》上，把他心中长期积聚的抽象出来的古典美与具体的写实少女的美，找到了完美结合的形式。

他在这幅画上展示了可以得到人类普遍赞美的美的恬静、抒情和纯洁性。有一位评论家参观了《泉》后说：“这位少女是画家衰年艺术的产儿，她的美姿已超出了所有女性，她集中了她们各自的美于一身，形象更富生气也更理想化了。” 《泉》大概在意大利佛罗伦萨时就开始酝酿了，那是在１８２０年的事，为什么事隔３６年后才最终完成此稿呢？这还得从他的学生保罗·巴尔泽和亚历山大·德戈弗两人说起。最初在安格尔心中构思的“泉”，是仿效意大利大师们在画维纳斯时的愿望，他早在１８０７年就画过一些草图，后来不满足前人已画过的“维纳斯”样式，企图使形象更单纯化。有人认为这幅画最初是由上述两个学生协助完成的。安格尔经常在同一主题或构思中进行复制，有时花上几年甚至几十年工夫。

１８５７年，《泉》被迪麦泰尔伯爵收购，成为私人藏画品。后根据这位伯爵的遗嘱，他的家属于１８７８年将此画赠给国家，终于成为巴黎卢浮宫内又一镇馆之宝。

《勃罗日里公爵夫人像》

安格尔对古典艺术的造型有着不谕的追求；同时，他还是自然的崇拜者，

将古典与自然完美的结合是他的艺术理想。

《勃罗日里公爵夫人像》描绘的是一位端庄优美的贵妇人，

画中沙发上的外衣、手套和扇子似乎说明她正准备外出或刚从外面回来。

作者将人物的皮肤和各种物件的质感处理得维纱维肖，在表现手法上其造型丰满圆润，

线条柔美流畅，色彩清纯恬淡，衬托出女主公的高雅气质。

《土耳其宫女与女奴》

这是一幅颇具东方拉伯情调的作品，描绘的是土耳其王族妇女的闺房生活。

一个百无聊赖的年轻宫女横卧席上，两个女奴在身旁侍候，左边弹琴女奴神色漠然，

她敞开前胸，目光陷入沉思，裸女明润光洁的肌肤与室内昏暗的暖色调形成对比，

人物都融入富有东方情调的室内装饰之中，这幅画的裸体宫女，从形到色，都富有个性，

不再是文艺复兴绘画人性体现的翻版。

《保罗与弗兰西斯卡》

我们看安格尔的画通常会有这样的感觉：线条画得太干净了。

正是这种线条的干净把安格尔引向抽象，会使画面毫无内容，

但为了表现明暗和反射（使作品富有内容），他也会把线条打断，使之带有“绘画性”，

可是在这种有如金属一般坚硬的绘画性中，却没有一般“绘画性”所必不可少的那种流畅和“灵魂”。

如创作于1819年的《保罗与弗兰西斯卡》。

当他的线条变得过于准确时，他就以细节来压倒它，画上一堆纯属低级的趣味的装饰物。

但当他模仿提香时，那简直就是拉斐尔，这时的作品就成为珍贵的杰作。

当他初访罗马之后，他又完善了自己的绘画风格，越来越多的杰作出现了，他的艺术也到达了鼎盛期。

《土耳其浴女》 安格尔 油画 1862年

这幅画反映了安格尔借助众多的“洁净”、“洗练”优美的人体来表现一种单纯与丰富、

动态与静态的完美结合。每个浴女是一种“洗练”和“洁净”的形式，

众多的“洗练”和“洁净”结合在一起就使得形式更为丰富。

这冷静、幽雅精于用线和微妙的明暗色调来体现人体表达方式，是来自古典主义的传统；

但是，这种真切而又超越真实，单纯而又变化丰富，柔美而又不柔弱甜媚的抽象意味，

以及作品中所流露出来的浓郁的东方情调，是传统的古典艺术中所从未有过的。

《朱庇特与海神》

这是一幅充满浪漫主义情调的艺术作品。画中描绘的是朱庇特不顾泰提斯的热恋，

将其许配别人，泰提斯逃避这门婚事，反复哀求朱庇特，画中正是这一情景。

朱庇特身旁的海中女神泰提斯的形象，被明显地做了夸张，一双手既长又柔软，

整个躯体为达到对朱庇特的温存效果而显得扭曲。

显然，画家的美学观听命于浪漫主义的自由想象力。

在艺术风格上，兼容并蓄，方法仍以古典主义原则为主。

《洛哲营救安吉莉卡》

取材于16世纪意大利诗人阿里奥斯特的诗集《狂乱之夜》所描绘的情节：

支那女王安吉莉卡被囚禁在泪之岛上，她被当着海神奥鲁克的祭品，她在等待自己的末日到来。

正在这危难之时，勇士洛哲驾驭着自己半鹰半马的座骑，

赶来杀死了海里的神兽奥鲁克，营救了安吉莉卡。

在这幅画中，安格尔的古典主义倾向十分鲜明，安吉莉卡的裸体被描绘得十分优美，

画家不是表现她临危的情态而是着意在表现人体完美，英雄洛哲勇敢相救毫无临危救人的激情，

只是将长矛放在怪兽的嘴里而已，画中人物的面部表情平静而庄重，这正符合古典主义所追求的意境，

重理性轻情感，重类型轻个性，造型符合雕刻效果。

《霍松维勒女伯爵》

这幅肖像是画家65岁时所作，可以认为是他晚期趣味的优秀范例之一。

这时他已成为一个一切优美和精致事物的宠爱者。

这幅肖像有些卖弄效果，但画得确实很好，所以批评他的人也不再说什么了。

人物造型绝对的严谨准确，但由于这非凡的准确以致在表现手法上，

线条变成了绝对压倒一切的形式而失去了绘画性，也失掉了它的活跃流畅气韵。

画家可能已经感到这种绘画性十分必要，以致他用鲜艳的色块来弥补它的不足。

《里维耶夫人肖像》

1805年，安格尔完成了“里维耶夫人肖像”一画，这幅肖像在色彩方面无疑也是安格尔的杰作之一。匀整的颜色如同镶嵌一样和谐地结合在一起，色彩显示着形体，带有某些起伏的暗示，但没有求助于阴影。身体和衣服用象牙白突出出来，组成画面的受光部分，深蓝色的沙发则组成画面的阴影部分。这两种颜色都被纳入黑色的背景。红、黄两色的小小变化无害于整体效果。个性和朴实的表情、明暗和单纯——使这幅肖像别有一种优美滋味的就是这些。这幅作品于1806年在沙龙中展出，但是它“独特的、革命的、哥特式的”风格特点招来了许多批评家的愤怒。事后，安格尔去了意大利，在那时奉承研究15世纪的佛罗伦萨绘画，目的是要把自己的风格提高到文艺复兴时期的水平和改造当时的绘画。他曾说过：“艺术发展早期阶段的那种未经琢磨的艺术，就其基础而论，有时比臻于完美的艺术更美。”那时他被中世纪的艺术所深深吸引。

《莫瓦铁雪夫人像》

安格尔在肖像画上的色彩非常柔和，技艺精细，并能避免色调变化的不随和性。

就这一意义上说，他还是一位精练的、敢于创新的色彩画家。

这一幅《莫瓦铁雪夫人像》上的红沙发、缀花裙子等等，

充分证明他在色彩运用上是有其独到的功夫的。 这一幅属于画家晚年时期最后完成的贵夫人肖像。

《瓦尔松的浴女》

在安格尔画的所有描绘女子裸体的油画之中，“瓦平松的浴女”和“泉”无疑是最好的二幅。

“瓦平松的浴女”作于1808年，安格尔时年28岁，当时他正在罗马留学。

美妙的女子背影使他激动得竟至无暇过多顾及技术。半明和半暗的调子在这柔嫩的背上颤动着。

色彩虽然相当原始，却也不无悦人之处。

绿色的帘子、浅黄色调的身体、白色的床单、白色带红的绸头巾一一全部安排在一个平面上，

如在镶嵌饰物中一样和谐地交织在一起。

《莫特西埃夫人》

《圣母》

《安帝奧克古和斯瑞爾德娜愛斯》

《巴隆·贝蒂》

《德韦塞夫人》

《拉斐爾和弗馬里娜》

《查理三世的加冕礼》

《梳妆》

《浴女》

《訂婚儀式》

《荷马的礼赞》

参考资料：

《安格尔论艺术》朱伯雄译，1982，辽宁美术出版社

新古典主义大师安格尔：创新还是保守？唯“美”不可辜负！ 胡春萌，2018年3月1日， 天津日报

安格尔与鲁本斯对女人体的不同表达 姚巍，2012(1)，辽宁师范大学学报（社会科学版）

不合时宜的画坛伟人安格尔，穆晓光，1994，《甘肃社会科学》

纸上美术馆系列《安格尔：纯粹的线条》，2020，北京联合出版公司

法国新古典主义画派的最后一位领导人，他和浪漫主义画派的杰出代表欧仁·德拉克罗瓦之间的著名争论震动了整个法国画坛。安格尔的画风线条工整，轮廓确切，色彩明晰，构图严谨，影响了后来的众多画家，如德加、雷诺阿、毕加索等。他的主要作品有《土耳其浴女》《泉》《浴女》《奥德利斯克与奴隶》以及一系列肖像画和大量的素描，还有类似中国画白描的只用线描钩轮廓的作品。

“假如说我能使你们成为音乐家，那么你们也都能成为画家。自然界的一切都是和谐的，多一点不成，少一点也不行，否则就会破坏音阶，产生不和谐音。要尽可能学会运用铅笔或画笔来歌唱，就像用美妙的嗓音那样，唱得准确，和谐。造型的准确性和音调的准确性同出一辙。”

——安格尔《谈素描》

作为19世纪新古典主义的代表，他代表着保守的学院派，与当时新兴的浪漫主义画派对立，形成尖锐的学派斗争。

安格尔并不是生硬地照搬古代大师的样式，他善于把握古典艺术的造型美，把这种古典美融化在自然之中。他从古典美中得到一种简炼而单纯的风格， 始终以温克尔曼的“静穆的伟大，崇高的单纯”作为自己的原则。

他的绘画吸收了15世纪意大利绘画、古希腊陶器装饰绘画等遗风，画法工致，重视线条造型，尤其擅长肖像画。在具体技巧上，“务求线条干净和造型平整”，因而差不多每一幅画都力求做到构图严谨、色彩单纯、形象典雅，尤其突出地体现他的表现人体美的一系列绘画作品中， 如《泉》、《大宫女》、《瓦平松的浴女》、《土耳其浴室》等。

△安格尔的素描作品

安格尔崇拜希腊罗马艺术和拉斐尔，和大卫一样捍卫古典法则，但又对中世纪和东方异国情调表现出浓厚的兴趣，因而被一些艺术史家戏剧性地划入浪漫主义画派。

安格尔是一个对自然崇拜得五体投地的多情者。安格尔在向希腊人和拉斐尔讨教之前，先学习了自然。 他曾断言：“希腊人就是自然；拉斐尔之所以是拉斐尔，就是因为他比别人更了解自然。”

不过，安格尔并不能完全放弃明暗的处理，他还使用很强的，鲜艳得过分而不真实的颜色，以弥补作品色彩的冷淡。

在这种情况下，我们看安格尔的画通常会有这样的感觉： 线条画得太干净了。正是这种线条的干净把安格尔引向抽象，会使画面毫无内容，但为了表现明暗和反射（使作品富有内容），他也会把线条打断，使之带有“绘画性”，可是在这种有如金属一般坚硬的“绘画性”中，却没有一般“绘画性”所必不可少的那种流畅和“灵魂”。如创作于1819年的《保罗与弗兰西斯卡》。

当他的线条变得过于准确时，他就以细节来压倒它，画上一堆纯属低级的趣味的装饰物。但当他模仿提香时，那简直就是拉斐尔，这时的作品就成为珍贵的杰作。当他初访罗马之后，他又完善了自己的绘画风格，越来越多的杰作出现了，他的艺术也到达了鼎盛期。

安格尔的保守与反动也是史所罕见的，他极端仇视革命，曾宣称自己不属于这个叛逆者的时代；他诋毁进步艺术形式，骂它们是“下等酒馆里的破烂货，懒汉的艺术”。

从大卫到安格尔，是热情、生动的革命古典派向僵化、空虚的学院古典派的蜕变，安格尔背弃了老师艺术中的人民性，成为唯古典主义造型的追随者。安格尔表面不问政治，实际用自己的画笔为复辟王朝粉饰太平。

安格尔学习拉斐尔真正的成绩是对女性裸体的传神描绘，他本人也是首屈一指的素描大师，因而对造型的把握上显示出异常的得心应手。